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出版者:浙江人民美术出版社

作者:周梅编

出品人:

页数:76

译者:

出版时间:2004-5

价格:23.00元

装帧:平装

isbn号码:9787534018190

丛书系列:

图书标签:

• 山水画
• 国画
• 绘画技法
• 美术考级
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• 考级用书
• 绘画入门
• 艺术教育
• 传统绘画

翰墨丹青：中国山水画经典技法与审美探微 内容提要： 本书精选并系统梳理了中国山水画发展历程中各个重要流派和代表性画家的核心技法、笔墨精髓与审美取向。全书以时间为轴，辅以专题深入剖析，旨在为初学者奠定坚实的基础，为进阶者提供深入的理论指导与实践参照。内容涵盖了从魏晋南北朝的朦胧意境，到唐代李思训父子的金碧山水，再到宋代“范宽雄伟、巨然温润、关仝险峻”的“全景式”山水，以及元代“四僧”和“元四家”的文人写意山水范式。重点解析了皴法（如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等）的形态特征与应用技巧，点苔、渲染、留白等辅助技法的运用，以及中国传统绘画中“气韵生动”的审美标准和意境营造。书中配有大量高清摹本图例和局部放大解析，旨在通过对古人笔墨的“读图”，理解其创作理念与时代精神的融合。 --- 第一部分：山水画的哲学根基与历史脉络 第一章：山水何为？中国绘画的哲学底色 中国山水画绝非对自然景观的简单复制，而是“卧游”山河、寄托文人情怀的载体。本章追溯了先秦“天人合一”思想对绘画的深刻影响，阐释了道家“虚静”、“自然”与儒家“温润”、“中和”如何在山水意象中得以体现。探讨了“可行、可望、可游、可居”的审美情境，分析了中国古典园林美学与山水画构图的内在关联。 第二章：初识雏形：魏晋南北朝的“骨法用笔”与早期山水 本章着重介绍东晋顾恺之提出的“六法”，特别是“骨法用笔”对后世山水画线条表现力的奠基作用。通过对《历代名画记》等文献的梳理，探讨了宗炳“卧游以尽心目”的早期山水观，并结合现存零星作品，分析了这一时期山水画从人物背景向独立画科过渡的艰难历程。 第三章：盛世气象：唐代山水画的两大流派 唐代是中国山水画走向成熟的关键时期。本章详细对比分析了李思训、李昭道父子所代表的“青绿山水”的富丽堂皇与装饰性，以及王维、孟浩然等“水墨为上”的禅意山水倾向。重点剖析了青绿山水的“着色”与“界画”技巧，以及水墨山水对墨法层次的初步探索。 第二部分：宋代山水画的巅峰与体系构建 第四章：北宋全景山水的恢弘叙事 宋代是山水画技法体系化、理论化的黄金时代。本章聚焦于北宋前中期的“巨碑式”山水，以范宽的“雨雪初霁”为例，深入解析了其“近景雄伟、中景层次、远景迷蒙”的三段式构图法。详细讲解了“雨点皴”或称“钉头皴”的运用，如何表现北方山体的雄强与厚重质感。同时，分析了李成的寒林清旷风格对后世的影响。 第五章：南宋院体与“小景式”的转向 随着北宋王朝的南迁，山水画审美也随之改变。本章着重分析了南宋院体画的特点，如强调光影处理（“黑白论”），以及构图从全景式向“高远”、“深远”、“平远”的相对转变。以马远和夏圭的“边角构图”和“一角半边”的布局为例，探讨了南宋文人对空间哲学的进一步提炼，以及渴笔、飞白等笔墨语言的成熟。 第六章：文人山水画的觉醒：元四家的笔墨精神 元代标志着山水画从院体向写意、纯粹文人画的决定性转变。本章将“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术理念提升到核心地位。 黄公望的“浑厚”： 讲解“牛毛皴”和“披麻皴”的结合，以及如何通过松动的笔墨表现“萧散”的意趣。 倪瓒的“空寂”： 分析其标志性的“折笔”与“折苔”，以及极简布局中对“疏可走马，密不透风”的辩证处理。 吴镇的“郁勃”： 探讨其取法董源的笔墨，对“点苔”与墨色层次的运用，表现出浑厚老辣的风格。 王蒙的“繁密”： 深入剖析其“层层加皴”的技法，如何通过复杂的笔墨堆叠来体现文人学识的渊博与胸襟的广阔。 第三部分：明清的继承、发展与技法深化 第七章：明代山水画的复古与创新 明代山水画呈现出对宋元传统的“寻古”与“创新”并行的局面。本章重点探讨“浙派”的峭拔雄奇，以及“吴门画派”以沈周、文徵明为代表的文人画正统地位的巩固。详述文徵明对董源、巨然笔法的细致摹学，以及唐寅、仇英在笔墨与界画技巧上的突破。 第八章：清初“四王”的集大成与规范化 清初“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）将前代的笔墨技法推向了规范化、程式化的顶峰。本章详细解析了“集大成”的理论基础，即“熔铸古人”、“以笔墨为主”。深入分析了王原祁的“点笔”理论，及其对董源、巨然笔法的高度抽象与提炼。本章强调了清代山水画中对“理”的强调，以及笔墨技巧的精细化处理。 第九章：晚明与清代中期的写意探索——“四僧”的叛逆精神 与“四王”的学院派风格相对，以石涛和八大山人为代表的“金陵画派”展现了强大的革新力量。本章着重剖析石涛“一画论”中的主体意识，解析其大刀阔斧的皴擦和墨色变化。八大山人（朱耷）笔墨的“简练”与“怪异”，如何通过极端的造型与留白，表达亡国之痛与孤傲的文人情怀。 第四部分：山水画核心技法专题解析 第十章：皴法的体系化应用——山石的骨架塑造 本章提供了一套针对常见皴法的实用教程与辨析。系统展示并分析了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、豆瓣皴、解索皴等技法的提笔、行笔、力度控制，以及它们分别最适合表现的地理环境和时代风格。通过对比，明确皴法是表达“物之本质”的关键。 第十一章：墨分五色的奥秘与渲染层次 深入探讨墨法在山水画中的核心地位。详细讲解了“焦、浓、重、淡、清”五色墨在不同干湿度下的实际应用，以及如何利用墨的层次变化（积墨法、破墨法）来营造空间深度与体积感。特别指出如何通过墨的渲染来控制画面的“阴阳向背”。 第十二章：点景与点苔的“神来之笔” 点景物（如树木、房屋、人物）和点苔是赋予山水画生命力的关键。本章拆解了松、竹、树的程式化画法，如蟹爪枝、鹿角枝的画法。重点阐述了点苔在构图中的平衡作用，以及如何通过苔色的疏密来引导观者的视线，体现“计白当黑”的艺术思想。 --- 结语： 本书旨在提供一个宏大而细致的参照系，帮助学习者理解中国山水画的笔墨语言不仅仅是技巧的堆砌，更是传统文化精神在宣纸上的具象投射。通过对历史的追溯与技法的拆解，期望读者能建立起属于自己的“胸中山水”，达到“我写我心”的创作境界。

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这本书在讲解山水画的基本笔墨语言时，采用了极其系统且循序渐进的结构，这一点对于我这种自学多年的“半吊子”来说，简直是如获至宝。它不像某些书籍那样，上来就抛出一堆复杂的“皴法”和“点苔”，而是从最基础的“点、皴、染”三大块入手，每一个笔触的提按顿挫都配有慢动作的图解分析，仿佛画家就在你身旁手把手地教导。尤其是对于“皴法”的分类和运用场景的描述，作者没有陷入纯粹的理论堆砌，而是结合了不同地域流派的特点来阐释，比如讲到披麻皴时，会穿插讲解董源、巨然的风格差异，让学习不再是机械地模仿，而是理解了笔墨背后的文化语境。这种深入浅出、由技入道的讲解方式，极大地降低了入门的心理门槛，使得原本枯燥的功法练习变得富有逻辑性和趣味性，让人愿意沉下心来，一点一滴地打磨自己的基本功。

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我个人认为，本书最大的价值在于其对“章法布局”的独到见解。很多时候，我们临摹得再像，画出来依然是平淡无奇，问题往往出在整体的谋篇布局上。这本书用专门的章节讲解了如何处理画面的疏密关系、主宾层次以及视线引导。它将复杂的构图原理，拆解成了“三远法”在现代创作中的灵活运用，并提供了大量的实例分析，展示了如何通过近景的实景来衬托远景的虚景，达到“虚实相生”的艺术效果。更让我感到惊喜的是，书中还加入了一小部分关于“印章和落款”在整体画面构成中的作用分析，这在很多教程中是被忽略的环节。作者指出，落款和印章本身就是画面不可分割的一部分，需要提前规划其位置和大小，确保它们能与主体物形成和谐的呼应，这种将创作视为一个整体的理念，着实让人受益匪浅。

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这本书的选材和范画的品味，体现出一种非常高的审美高度。它并非仅仅收集了历代名家的通用范例，而是似乎经过了精心的策展和编排。我特别欣赏其中对“意境”的阐述部分，作者并没有用空泛的词藻来形容，而是巧妙地通过对比几幅构图相似但意境迥异的作品，来剖析“气韵生动”的微妙之处。例如，其中一组关于“云烟处理”的对比图，展示了如何通过留白和墨色的浓淡过渡，营造出“可游、可居、可观”的胸襟。这种注重“神似”而非“形似”的引导，对于希望在中国画领域有所突破的学习者来说，是极其宝贵的。它教会的不是“怎么画”，而是“为什么要这样画”，这种由内而外、以心摹物的指导思想，是很多注重技巧的教材所欠缺的。

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读完这本书的后半部分，我最大的感受是它对“因材施教”的深刻理解。在讲解了大量的传统技法之后，作者并没有强求所有读者都必须遵循某一种固定的模式。相反，它提供了一个非常灵活的“创作工具箱”，鼓励读者去尝试融合不同流派的元素，并根据自己的个性和所处的时代背景来发展个人风格。特别是关于“墨分五色”与“石青、石绿”结合使用的章节，它详细分析了工笔重彩与写意水墨结合的可能性，而不是将二者视为泾渭分明的两个领域。这种开放性的思维引导，让这本书的适用范围大大拓宽，无论是偏爱传统水墨的爱好者，还是对创新有所追求的创作者，都能从中找到属于自己的那把钥匙。它传递出一种积极的信号：传统是根基，但表达必须是鲜活的，这种平衡拿捏得恰到好处。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，我就感觉它不仅仅是一本教程，更像是一件可以把玩的艺术品。封面选用的纸张质感非常考究，那种略带粗粝感的纹理，恰到好处地模拟了宣纸在光线下微妙的变化，让人联想到古代画家的案头陈设。装订工艺也十分扎实，翻阅时，每一页都服帖而顺滑，即便是反复查看那些复杂的技法分解图，也丝毫没有松散的感觉。内页的印刷更是值得称赞，墨色的层次感被完美地保留了下来，尤其是那些需要表现“润墨”效果的示例，浓淡干湿的变化清晰可见，这对于初学者来说至关重要，能直观地感受到不同水分对笔触的影响。整体来看，这本书在物质层面上就传递出一种对传统艺术的敬畏与尊重，让人在阅读学习之前，就已经对即将展开的绘画旅程充满了仪式感和期待。这种对细节的极致追求，远超了我对一般美术教材的预期，让人觉得这投入绝对是物有所值的。

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