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出版者:

作者:Orientations Magazine Limited 编

出品人:

页数:291

译者:熊文彬

出版时间:2012-5

价格:260.00元

装帧:

isbn号码:9787501032945

丛书系列:

图书标签:

• 西藏
• 藏传佛教艺术
• 藏
• 艺术
• 艺术史
• 考古
• *北京·文物出版社*
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西藏艺术 简介： 《西藏艺术》并非一本简单的画册或历史陈述，它是一次深入西藏精神腹地，探寻其独特艺术脉络的旅程。本书旨在剥离表象，聚焦于塑造了这片神秘土地艺术风格的深层驱动力——宗教信仰、自然环境以及由此衍生的生活哲学。我们不追求罗列无数的唐卡、壁画或雕塑，而是力求解析其背后的逻辑，理解艺术家在创作过程中所遵循的精神准则和技术传承。 本书的内容将围绕几个核心维度展开： 第一部分：信仰的具象化——宗教艺术的宇宙观 西藏的艺术，几乎不可避免地要与佛教紧密相连。然而，本书所探讨的并非仅仅是佛教教义的图解。我们将深入分析，佛教思想是如何渗透到西藏人民的日常生活中，并最终转化为他们眼中可见、手可触的艺术形式。 曼陀罗的构建与解析： 曼陀罗不仅仅是几何图形的组合，它是宇宙秩序、修行过程和佛陀净土的微观模型。我们将解析不同类型曼陀罗的象征意义，以及它们在坛城绘制、修行仪轨中的实际应用。这不仅仅是二维平面的描绘，更是对多维宇宙观的视觉化表达。我们将探讨其色彩的象征（如白色代表纯净，蓝色代表智慧，黄色代表安乐等）、线条的运动轨迹（代表时间的流逝和空间的转化），以及中心佛陀的身份与功德。 佛像塑造的比例与仪轨： 藏传佛教的佛像塑造并非随心所欲，而是遵循严格的度量经和造像仪轨。本书将详细介绍这些仪轨的由来和重要性，解释为何佛陀的每一步、每一处肢体都必须遵循特定的比例和姿态。例如，佛陀的耳垂、手指的长度，眼眉的弧度，这些看似微小的细节，都承载着深厚的象征意义，旨在引导观者的心念，激发其对佛陀功德的忆念与敬仰。我们将解析不同佛陀、菩萨、空行母、护法神等造像的标志性特征，以及这些特征所代表的德行与能力。 壁画与唐卡的叙事性与冥想性： 藏传佛教的壁画和唐卡，是宏大的叙事史诗，也是精妙的冥想工具。本书将重点探讨这些艺术品在描绘佛本生故事、高僧传记、轮回故事时的叙事手法，以及其如何通过色彩、构图和细节来引导观者的情绪和心境。我们将解析唐卡中常见的“三世佛”、“五方佛”、“八吉祥”等图案的象征意义，以及它们在讲述因果报应、修行次第时的巧妙运用。同时，我们也会关注壁画中那些看似平凡的世俗生活场景，它们是如何与宗教主题相互交织，共同构筑西藏的宇宙观。 护摩坛与宗教法器： 除了视觉艺术，西藏的宗教实践还涉及声音和物质的运用。本书将简要介绍护摩坛的结构与意义，以及用于各种宗教仪轨的法器，如杵、铃、法鼓、海螺等，阐述它们在仪式中的象征意义和功能，以及它们如何通过视觉和听觉的共同作用，来强化信仰的力量。 第二部分：自然的映照——山川湖海的艺术语汇 西藏独特的地理环境，塑造了其人民独特的审美情趣和艺术表现。高耸的山峰、浩瀚的草原、澄澈的湖泊、辽阔的天空，都成为了艺术创作取之不尽的灵感源泉。 色彩的运用与高原光线： 高原地区独特的光线条件，使得色彩呈现出一种异常饱和和明亮的特质。本书将分析藏族艺术家如何巧妙运用这些鲜艳的色彩，如朱砂红、宝石蓝、黄金色等，来表达他们对生命的热爱和对自然的敬畏。我们将探讨这些色彩在唐卡、壁画、服饰、建筑中的不同运用方式，以及它们如何反映出高原人民乐观、坚韧的性格。 线条的流动与山河的韵律： 西藏的艺术作品中，常常可以看到流畅而富有生命力的线条。这些线条不仅仅是简单的勾勒，它们模仿着山峦的起伏、河流的蜿蜒、乃至风吹动经幡的飘逸。本书将分析这些线条是如何表现出一种自然的律动感，以及它们如何将观者的视线引导至作品的深处，产生一种身临其境的感受。 纹饰与符号的自然主义： 从建筑的梁柱装饰到服饰的图案，西藏艺术中充满了各种纹饰和符号。本书将追溯这些纹饰的来源，分析它们是否受到自然界元素（如云纹、水纹、火焰纹、花卉、动物等）的影响，以及它们如何被赋予了更深层次的文化和宗教意义。例如，云纹不仅仅是装饰，也可能象征着吉祥和变化。 建筑与环境的和谐共生： 无论是宏伟的寺庙还是朴素的民居，西藏的建筑都力求与周围的自然环境和谐共生。本书将考察藏式建筑的选址、布局、材料选择，以及它们如何巧妙地利用地形、光照和风向，来达到与自然的融合。我们将分析布达拉宫、哲蚌寺等标志性建筑的独特风格，以及它们是如何在严酷的自然条件下，展现出坚固与庄严的美学。 第三部分：生活的烙印——民俗与工艺的传承 在宗教和自然的宏大背景下，西藏的民间艺术和传统工艺，同样承载着厚重的文化底蕴和生活智慧。 服饰与织锦的图案寓意： 藏族服饰不仅仅是蔽体之物，它们本身就是一件件流动的艺术品，承载着丰富的象征意义和地域特色。本书将深入研究藏族服饰的材质、款式、颜色，以及上面精美的图案和纹饰，解析它们所代表的等级、地域、年龄、甚至是个人愿望。我们将重点关注藏族织锦的技艺和图案，如吉祥八宝、祥龙、凤凰、莲花等，以及这些图案在不同场合的应用。 金银器与雕刻的精湛技艺： 西藏的金银器制作，以其精湛的工艺和繁复的纹饰著称。本书将探讨这些金银器的制作过程，以及上面雕刻的各种宗教符号、动物形象和几何图案，分析它们在藏传佛教中的实际用途，如法器、供奉器、首饰等，以及它们所展现出的工艺美学。 陶瓷与绘画的民间传承： 除了大规模的寺庙壁画和唐卡，西藏的民间陶瓷和绘画同样值得关注。本书将介绍这些民间艺术的特点，如朴实、生动、色彩鲜明，以及它们如何反映出藏族人民的日常生活、审美情趣和宗教信仰。我们将考察那些在家庭中使用的陶瓷器皿上的装饰，以及那些描绘民间故事和地方风情的绘画作品。 节日庆典中的艺术表现： 西藏的传统节日，如藏历新年、雪顿节、酥油灯节等，是艺术展现的盛会。本书将考察在这些节日庆典中，艺术是如何融入到人们的生活中，如歌舞、戏剧、装饰、绘画等，以及这些艺术形式如何传承和发展，成为连接过去与现在的重要纽带。 总结： 《西藏艺术》试图构建一个多角度、深层次的艺术理解框架，引导读者超越对西藏艺术表面的惊叹，去感受其背后所蕴含的深厚精神力量、严谨的创作法则以及与自然和谐相处的智慧。本书并非意在成为一个包罗万象的艺术百科全书，而是希望通过对关键主题的深入挖掘和细致解析，为读者开启一扇理解西藏艺术及其文化精髓的门。在这里，艺术不再是孤立的存在，而是西藏人民精神世界、生活方式以及对宇宙认知最直观、最生动的体现。

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这本书的整体叙事逻辑似乎是围绕着“权力转移”展开的，艺术成为了附属品，是用来佐证某个政治论点的工具。例如，作者在介绍某个时期的壁画风格演变时，会先设定一个前提——某位高僧大德的权威地位确立，然后顺理成章地得出结论：壁画风格因此转向更加写实或更加抽象。这种“因果倒置”的分析方法，虽然在社会史研究中或许站得住脚，但对于我这样纯粹追求艺术本体的读者来说，显得非常功利。我更倾向于相信艺术有其内在的生命力和发展规律，比如匠人们对材料的创新、对视觉语言的探索，这些独立于政治风云的变化。书中对艺术家的个体命运几乎没有提及，那些倾注毕生心血创作出传世杰作的无名工匠，他们的奋斗、他们的技巧、他们的时代精神，都被笼统地归结为“时代的需求”。我感觉自己像是在阅读一部厚重的政治史纲要，偶尔才能瞥见一些零星散落的、关于雕塑和绘画的只言片语，这些碎片化的信息不足以构建起一个完整、生动、充满生命力的艺术世界。

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我对这本书的排版和插图质量感到非常失望。我知道，涉及西藏题材的印刷品，色彩还原是一个巨大的挑战，但这本书的处理方式显得过于敷衍。许多被冠以“精美”名头的图片，在放大后呈现出明显的颗粒感和色彩失真，尤其是那些需要展现唐卡上细如发丝的金线描边的细节图，几乎是模糊成了一片色块。更让我感到困惑的是，书中大部分的配图，似乎都选自于**建筑结构图**或者**地图**，而不是艺术作品本身。我看到大量关于不同寺院平面布局的俯视图，以及不同区域的河流走向图示，这无疑是为地理研究者准备的材料，对于一个艺术爱好者来说，这些图示的价值实在有限。我迫切希望看到的是高质量的、能够反映出艺术品本身材质和光泽的图像。例如，一尊铜鎏金佛像在不同光线下反射出的暖金色光芒，或者一块珍贵的天鹅绒披单上刺绣的丝线纹理，这些是构成艺术震撼力的核心元素，而这本书似乎刻意回避了对这些“视觉诱惑”的呈现，转而沉迷于对空间几何和历史脉络的梳理。

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这本书的封面设计，嗯，怎么说呢，充满了浓郁的异域风情，那种深邃的藏蓝和热烈的朱红交织在一起，一看就知道不是什么轻松的读物。我本是抱着对遥远雪域高原的好奇心翻开的，期待着能领略一番那些宏伟的寺庙建筑和神秘的宗教仪式。然而，深入阅读后发现，它似乎更侧重于对某个特定历史时期西藏社会结构，或者某种哲学思想的深度剖析。比如，书中用了大量的篇幅去探讨了某个贵族家族的兴衰史，细致到了他们的财产分配和权力斗争，这部分内容虽然详实，但对于一个只想感受艺术氛围的普通读者来说，未免有些过于学术化了。我原以为会看到大量精美的唐卡细节解析，或者对酥油灯下僧侣日常的生动描绘，但这些期待似乎被一些晦涩难懂的术语和冗长的论证给冲淡了。整个阅读过程像是在攀登一座雪山，风景时有时无，但更多时候需要集中精力去辨认脚下的每一步，生怕一个不留神就滑入细节的泥潭。我甚至在想，这本书的作者是不是一位人类学家，而不是艺术史学家，因为其中对社会现象的观察，远远超过了对审美对象的关注。这种内容侧重，让我的阅读体验变得有些“沉重”，少了些许洒脱和飘逸，更像是在阅读一份厚重的档案。

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这本书的文字风格非常凝练，句子结构短促有力，像一把把锋利的刀子，直接切入主题。这种写作手法，在处理一些宗教仪轨的描述时，显得尤为有效。比如，当作者描述一场规模宏大的祭祀活动时，他没有使用华丽的辞藻去渲染气氛，而是用了一连串的动词和名词，精准地勾勒出场面：**“鼓点急促，法号长鸣，喇嘛盘坐，转经筒不停。”** 这种极简主义的表达，反而营造出一种肃穆到令人窒息的氛围。然而，这种“克制”的表达，在需要展现艺术作品的**“美”**的时候，却显得力不从心。我翻遍全书，试图寻找一处对释迦牟尼佛造像面部表情的细致描摹——那种超越世俗的慈悲与智慧的凝视，那种嘴角微微上扬的弧度，是如何通过匠人之手体现出来的？抱歉，我只找到了关于“造像比例符合佛经规定”的论述，以及对所用金属合金的化学成分分析。这就像欣赏一幅绝世名画，导览员却只跟你谈论画布的年代和颜料的成本，而对画面的意境避而不谈。我需要的是那种能让我暂时忘记现实、沉浸于美学体验的文字，而不是冰冷的、去情感化的技术报告。

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读完这本书，我的感受复杂得像夏日午后的骤雨，来得快去得也急，留下的余韵却久久不散。我特别留意了其中关于“转世灵童”选拔过程的描述，那段落写得真是引人入胜，那种糅合了宗教权威、民间传说和政治考量的复杂程序，让我对藏传佛教的运作机制有了全新的认识。书中详细罗列了验证血脉、观察异象、以及考校经文的每一个步骤，详略得当，仿佛我正站在拉萨的某个角落，亲眼目睹着这一切的发生。然而，这种对“制度”的刻画，又使得我对“艺术”的感知被置于次要位置。例如，书中提到了某件法器的制造工艺，但很快就转入了对该法器在历次法会中象征意义的阐释，对材料的稀有性、工匠的手法、乃至色彩的调制，都轻描淡写地一带而过。这让我感觉，这本书更像是一本关于“权力与信仰”的社会学著作，而不是一本纯粹的“艺术鉴赏指南”。我更希望看到的是那种能够让色彩在纸面上“燃烧”起来的文字，是能让我闻到千年古刹香火味道的描绘，而不是关于谁家祖辈是哪位大活佛的系谱图。总体来说，它提供了一个宏大的骨架，但血肉的丰满度似乎有所欠缺，尤其是在感官体验这一块。

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