具体描述
近年，随着美术院校的扩招和综合艺术院校美术系的成立，美术专业的大学生成倍地增加了。而这些未来的国家美术从业人员，在入学前学习专业的平均时间却大大地缩短了。常常只接受数月的应考培训，也能进入美术院校的殿堂。面对许多应考速写培训成功的例子，使人不禁怀疑：既然几个月的专业学习也能考上美院，那么有没有必要在美院附中度过那漫长的四年？如何应付素描考试、如何应付色彩考试、如何应付创作或是设计考试，形形色色的应考书籍，就考培训班里也各有各的高招。应考速写更不在话下，八开纸上几个常见的姿势画个滚瓜烂熟，得高分的把握也就八九不离十了。但是，长期而完备的速写训练出来的对视觉造型的具象美和抽象美的发现能力、捕捉能力、想象发挥能力、表现能力等等，却是无法速成的。速写面对的是丰富的客观自然。学生们经过长期的速写学习，锻炼的不只是对视觉造型的反应能力和表达能力，其艺术气质、审美品位、学研品格也得到了极大提高，为其未来的发展道路储备了强劲而持久的发展潜力。正因为如此，速写教学是各美术院校附中一直以来强调的一项重要而富于特色的课程，也是各美院附中的骄傲。
在广州美术学院附中，速写教学主要分为两个部分。第一部分主要是课外作业，这部分由一二年级素描课布置的课外速写和寒暑假等假期作业构成。素描课的课外速写每周定量，视情况布置10～40张作业，由任课老师批阅，对每个学生有针对性地予以辅导。以相当的作业量且带有强制性的量化训练，使学生迅速进入学习“状态”，迫使其技巧熟练起来，思维活跃起来。教学内容由易至难，循序渐进，逐步引导学生认识、发现、捕捉艺术造型，认识和掌握多种表现技术。第二部分是课内作业，这部分由每年两周至四周的社会实践课中的速写作业和高年级的人体速写课程构成。社会实践课常常选在工厂、乡村、渔港 、山区、草原等地，每次课程安排一定创作任务和大量的速写作业的要求。社会实践课的地点与学生日常生活环境的表现，又有了更深的认识。而高年级的人体速写课则主要是有针对性地解决人体比例、人体结构与运动等等问题的认识与表达。
学生在学习速写的过程中受到的智识困扰比技术困扰相对少得多，较易掌握基本技巧。这样，写生就能放手实验，自由发挥，张扬其艺术个性。通过大量的作业，反复的练习，开发了学生的造型潜力，锻炼记忆力，培养想像力，尝试了创造力的发挥，使其对生活中的造型形式美有所发现和领悟，对表现性技巧有所尝试，为学生未来艺术的发展打下了良好的基础。而这一切，皆需持之以恒的毅力和时间来完成。要知道，有时看上去最长的路径往往会是最直接快捷的路。
本书的出版是附中教师和历届学生的心血和汗水的结晶。在此感谢岭南美术出版社给予的大力支持，也恳请前辈、同行及后来者不吝赐教。
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用户评价
我最近入手的是一本关于水彩风景写生的实用手册，重点在于如何用大号画笔快速捕捉场景的氛围和天气变化，这本书的节奏非常轻快，几乎没有理论赘述。作者非常强调“放下控制”，鼓励读者在半湿的纸面上进行大面积的色彩铺陈，利用水的自然流动来创造云雾和远山的层次感。他分享了许多在户外写生时应对突发状况的技巧，比如如何快速稳定水彩的颜色梯度，以及如何利用纸张的吸水性来控制高光。虽然内容是关于水彩的，但其中关于“观察节奏”的理念非常吸引我——即在描绘复杂景物时，应优先捕捉最强烈的色彩对比和结构关系，细节的处理应该在氛围确定之后。这种“先骨架后血肉”的写生逻辑，完全可以移植到任何需要快速捕捉对象神态的绘画练习中，让我明白了效率和准确性之间并非不可调和的矛盾。
评分我最近在研究的是一本非常小众的关于中式园林空间布局与哲学思想关联的解读集，完全是理论和审美的探讨，和具体的绘画技法训练八竿子打不着。这本书的语言风格极其典雅，充满了古代文人的韵味，它通过解读“借景”“对景”等概念，阐释了中国传统审美中人与自然如何达到一种诗意的和谐共处。书中对枯山水庭院中“留白”的处理，与西方绘画中的留白概念有着本质的区别，前者更强调“虚”与“静”的哲学意境，后者则更多服务于视觉平衡。阅读这本书，仿佛进行了一次心灵的洗涤，它让我开始重新审视自己对“画面空间”的理解，不再仅仅将其视为二维平面上的结构安排，而是三维世界中情感和意念的载体。这种从宏观哲学层面反思绘画本质的经历，让我在提笔作画时，多了一层对“何为美”的深刻思考。
评分我最近淘到一本关于版画制作的精装书，内容主要围绕木刻和丝网印刷的技术探讨，与速写这种基础造型训练领域可以说是风马牛不相及，但这本书的装帧设计和装订工艺实在令人惊叹。它采用的是特制的厚磅纸张，使得油墨在压印后依然能保持清晰锐利的边缘，触感非常扎实。更重要的是，书中详细记录了不同木材的纹理特性对最终版画效果的影响，甚至包括了不同刮刀的钝化程度如何改变线条的粗细和情感表达。其中一个关于“负空间”处理的案例分析，深入探讨了版画中“留白”如何成为引导观众视线的关键元素，这种对画面结构深层逻辑的挖掘，即使在素描或速写基础训练中也具有极高的借鉴价值。它教会我，任何艺术形式，其基础原理都是相通的，都是关于如何有效地控制媒介，实现意图的精准传达。这本书的价值在于其对工艺细节的执着追求，让原本感觉冰冷的印刷过程充满了人文的温度。
评分说实话，我这次买来的是一本关于法国印象派绘画史的深度研究专著，厚达五百多页，充斥着学术性的分析和对特定历史背景的考据，内容上与基础技法教学相去甚远。这本书的论证结构极其严谨，每引入一个观点，作者都会引用多位艺术家的信件、当时的报刊评论乃至当时的物理学发现来佐证，读起来需要极高的专注度。其中关于莫奈光影捕捉的章节，不仅仅停留在“画他们看到的光”这种表层描述，而是详细分析了19世纪颜料工业的发展如何为印象派的色彩实验提供了物质基础。这本书给我最大的启发是，艺术的进步往往是技术革新、社会思潮和个体天才相互作用的复杂结果，它拓宽了我对“艺术学习”的定义，不再局限于手部的技能训练。它让我认识到，要真正提高自己的艺术水平，必须将目光投向更广阔的文化和历史背景中去理解艺术的本质，这比单纯地模仿线条要深刻得多。
评分这本书简直是艺术学习者的福音，虽然我这次看的并不是那本**《速写教学》**，而是另一本关于油画色彩理论的入门读物，但其编排的逻辑性和深入浅出的讲解方式，让我对色彩的理解达到了一个新的高度。作者显然对初学者抱有极大的耐心，他没有直接堆砌复杂的术语，而是从最基础的光与色的关系入手，通过大量生动的实物案例，比如水果、布料的纹理，来演示如何观察和捕捉光影在不同颜色表面上的微妙变化。我尤其欣赏其中关于“冷暖调子”的章节，它摒弃了死板的色环背诵，转而强调环境色和主观感受的融合，这对于一个长期困惑于画面沉闷感的学习者来说，无异于醍醐灌顶。书中的配图质量非常高，印刷色彩还原度极佳，几乎可以作为独立的参考画册来收藏。读完此书，我感觉自己不再是机械地调色，而是开始学会“聆听”色彩之间的对话，这极大地增强了我对后续创作的信心，强烈推荐给所有想突破色彩瓶颈的画友们。
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