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出版者:外文出版社

作者:李知宴

出品人:

页数:101

译者:

出版时间:2003-1

价格:58.00元

装帧:平装

isbn号码:9787119031552

丛书系列:

图书标签:

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• 中国陶瓷
• 艺术
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• 宋代陶瓷

史海钩沉：一部跨越千年的中外建筑史 内容简介： 本书以宏大的历史视野，细致入微的笔触，系统梳理了自史前时期直至近现代，世界范围内，特别是欧洲、美索不达米亚、古埃及、印度河流域以及中国古代等主要文明区域的建筑艺术发展脉络与技术演变。它并非仅仅罗列建筑名录或风格标签，而是深入剖析了建筑作为人类社会物质载体所承载的文化、宗教、政治权力以及社会结构变迁的复杂内涵。 第一卷：文明的基石——早期建筑与工程的诞生（约3000字） 本卷聚焦于人类定居后，建筑从简单的庇护所向有组织、有规划的结构演进的关键阶段。 第一章：史前聚落与巨石崇拜 从新石器时代的半地穴式居所，到欧洲新石器时代的巨石阵（如斯通亨奇），探讨早期社群如何利用当地可得的材料（木材、泥土、未经烧制的石块）解决生存需求。重点分析巨石建筑的可能功能——天文观测、宗教祭祀还是族群边界的象征。着重描述了材料的原始加工技术和集体劳动的组织形式。 第二章：美索不达米亚的泥砖帝国 详述两河流域苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述文明中，泥砖（晒干或烧制）作为主要建筑材料的地位。分析了“塔庙”（Ziggurat）的结构、宗教意义及其象征性的宇宙观。书中将详细阐释楔形文字记录中关于建筑设计和工程管理的早期信息，以及巴比伦城宏伟城墙和伊什塔尔城门的结构力学基础。 第三章：尼罗河的永恒宣言——古埃及的石材时代 本卷的重点之一是对古埃及建筑的深度解读。从早期马斯塔巴墓到金字塔群的演变，分析了石灰石、花岗岩在长期工程中的应用。书中不仅描绘了吉萨大金字塔的精确几何构造，更探讨了其背后复杂的资源调配、劳动力管理以及法老神权对建筑形态的绝对塑造力。同时，对卡尔纳克神庙和卢克索神庙的柱式、轴线布局及其光影效果进行了建筑美学分析。 第四章：印度河流域的城市规划 考察摩亨佐-达罗和哈拉帕等古城，着重分析其超前的城市规划理念：标准化砖块的尺寸统一性、严格的网格化街道布局、先进的排水与公共卫生系统。这部分将建筑实践置于早期城市管理和公共福祉的背景下进行讨论。 第二卷：古典的理性与辉煌——地中海世界的建筑革命（约4500字） 本卷转向古希腊和古罗马，探讨了基于几何学、力学原理的理性建筑的成熟及其对西方建筑的深远影响。 第一章：古希腊的尺度与和谐 深入研究多立克、爱奥尼和科林斯三大柱式的结构特征、装饰母题及其在神庙建筑中的运用（如帕特农神庙）。重点阐释希腊人对“黄金比例”和“视觉矫正”的运用，如何通过细微的线条调整，使得宏大建筑在视觉上达到完美的和谐感。对剧场和议事堂的结构布局也进行了专门分析。 第二章：罗马的工程奇迹与实用主义 罗马建筑被视为工程技术的集大成者。本章详述了火山灰混凝土（Opus Caementicium）的发明及其对结构自由度的革命性影响。重点剖析了拱、券、穹顶（如万神殿）的结构原理，以及它们如何被应用于公共浴场、巴西利卡（法院）、引水渠和道路系统等实用性建筑中。罗马的建筑不再仅仅是献给神的，更是服务于帝国的庞大社会机器。 第三章：拜占庭的圣光穹顶 探讨罗马晚期向拜占庭帝国的过渡，圣索菲亚大教堂作为技术和美学的巅峰之作。分析其如何通过“半圆穹顶下的帆拱”（Pendentives）技术解决了将圆形穹顶安置于方形基座上的难题，以及室内马赛克装饰如何营造出超越尘世的精神氛围。 第三卷：信仰的塑造——中世纪的垂直追求（约4000字） 本卷聚焦于欧洲中世纪，探讨哥特式和罗马式建筑如何反映中世纪的宗教热忱、封建社会结构和技术限制。 第一章：罗马式建筑的厚重与防御 描述欧洲各地修道院和主教座堂在“黑暗时代”后的复兴，罗马式建筑的特点：厚重的墙体、半圆拱、束柱和相对较小的窗户。分析其功能性——既是礼拜场所，也是防御堡垒。 第二章：哥特式的光线与骨架 这是本卷的核心。细致解读哥特式建筑的三大支柱技术：肋架拱顶（Rib Vaults）、飞扶壁（Flying Buttresses）和尖拱（Pointed Arches）。解释这些技术如何使墙体得以解放，从而容纳巨大的彩色玻璃窗，实现了建筑向“光的圣殿”的转变。通过对沙特尔、兰斯和科隆大教堂的对比分析，展示了哥特式风格在不同地域的细微演变。 第三章：伊斯兰世界的几何叙事 独立探讨自阿拉伯半岛兴起并扩散至北非、西班牙和中亚的伊斯兰建筑。分析其对几何图案、书法艺术的偏爱，以及“拱门”（特别是马蹄拱和多瓣拱）的成熟运用。重点考察清真寺（如科尔多瓦大清真寺、萨马拉大清真寺）的庭院结构、宣礼塔的形态，以及其独特的装饰艺术——阿拉伯式花纹（Arabesque）。 第四卷：文艺复兴与巴洛克的戏剧性张力（约3500字） 本卷涵盖15世纪至18世纪的建筑复兴与创新，重点关注对古典原型的回归、科学的再引入以及情感表达的爆发。 第一章：文艺复兴的古典回归与理性秩序 探讨意大利佛罗伦萨和罗马如何重新发现古罗马建筑的理论（如维特鲁威的著作）。分析布鲁内莱斯基在佛罗伦萨圣母百花大教堂穹顶上的工程创举，以及阿尔伯蒂、布拉曼特等人对古典柱式、比例和对称性的推崇。关注城市规划（如理想城市概念）中对秩序的追求。 第二章：巴洛克与洛可可的动态美学 分析在宗教改革和君主专制背景下，建筑如何从文艺复兴的宁静转向巴洛克的宏大叙事和强烈的动感。重点分析贝尼尼和博罗米尼的作品，研究椭圆形平面、曲面墙体、夸张的装饰和光影的戏剧性运用。洛可可风格则作为巴洛克的精致化版本，集中探讨其在室内装饰中对轻盈、柔和线条的偏爱。 第三章：北方世界的融合与本土化 考察古典主义思想在法国（如凡尔赛宫）、英国和德意志地区的本土化过程。分析法国学院派建筑的严谨性，以及英国对帕拉第奥主义的推崇，展示了古典原则如何在不同文化土壤中产生多样的面貌。 结语：现代的开端 简要提及18世纪末期的新古典主义运动作为对巴洛克泛滥的反思，为即将到来的工业革命和现代建筑的诞生埋下伏笔。本书的叙述在古典美学的终结处戛然而止，留下对未来结构材料和功能主义的深远思索。 全书特点： 结构清晰： 以时间和地域为经纬，脉络分明。 技术与艺术并重： 深入浅出地解释了拱、券、穹顶、飞扶壁等核心结构原理。 文化语境： 将建筑置于其产生的政治、宗教和社会背景中进行解读。 细致入微： 避免空泛的描述，专注于具体的技术创新和设计细节。

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我买这本书的初衷是想了解一些基础的瓷器知识，好歹能分辨一下自己家里那些“老物件”的来历，结果发现它远超我的想象，简直是一部浓缩的中国工艺史。这本书的妙处在于，它没有仅仅停留在器物本身，而是巧妙地将陶瓷的发展与当时的社会经济、对外贸易紧密结合起来。例如，书中对“海上丝绸之路”如何促进了中国外销瓷的繁荣，以及这些瓷器如何反哺并影响了欧洲本土制瓷业的描写，让我对“文化输出”有了更直观的认识。作者的笔锋极为老练，时而如哲人般探讨艺术的永恒价值，时而又像个工匠般描述拉坯、上釉的繁复工序，这种视角的切换使得阅读体验极富动感。我特别欣赏它对“缺陷美”的探讨，有些烧制中产生的偶然效果，非但没有被视为失败，反而成了某些名窑的标志性特征，这种对不完美的热情拥抱，体现了一种深沉的东方哲学。总之，这本书的知识密度非常高，但阅读过程却轻松自如，收获巨大。

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这本书读起来，与其说是阅读，不如说是一次对“时间沉积物”的深度挖掘。不同于其他走马观花的通史叙述，《中国陶瓷》在每一个重要的历史节点上都做了深度的专题剖析，如同拿着一把精密的考古刷，一点点拂去历史的尘埃。比如，关于唐三彩的描述，作者不仅详细解析了低温铅釉的配方和着色原理，还生动地描绘了唐代贵族出行和丧葬仪式的场景，让那些色彩斑斓的陶俑仿佛活了过来，充满了盛唐的气象与生命力。书中对不同时期“款识”的研究也相当透彻，从早期的年号款到后来的“吉言款”，这些小小的标记背后所蕴含的政治意义和时代背景，被作者分析得头头是道。这本书的行文风格非常沉稳内敛，文字功底扎实，没有丝毫浮夸之词，但每一个论断都有坚实的考古证据或文献支撑，让人信服力十足。对于那些对陶瓷历史有一定了解的进阶读者来说，这本书提供了大量可以深入探究的细微之处，绝对是值得反复研读的案头工具书。

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这本《中国陶瓷》简直是打开了一扇通往古代艺术与生活美学的任意门！我原本以为这只是一本枯燥的图鉴，没想到它深入浅出地描绘了从新石器时代到近现代，中华大地陶瓷工艺的演变脉络。书中对不同窑口的介绍尤为精彩，比如宋代的汝窑，那雨过天青的釉色，作者用非常细腻的笔触去捕捉那种难以言喻的温润感，仿佛我能隔着书页触摸到那冰凉光滑的表面。不仅仅是器型和纹饰的罗列，作者更着重探讨了不同历史时期社会风貌、审美情趣乃至技术革新如何影响了陶瓷的烧制。特别是关于元青花的章节，那些钴料的运用，中西方文化交流的痕迹，都写得鞭辟入里，让人不禁惊叹于古人的智慧和匠心。读完后，再去参观任何一个博物馆的陶瓷展厅，那种“看山还是山，看水还是水”的境界彻底被打破了，每一件器物背后都有了一个鲜活的故事和厚重的历史背景支撑。这本书的配图质量也是一流的，色彩还原度极高，很多细节的放大图，让人连釉层的微小变化都看得清清楚楚。绝对是陶瓷爱好者案头必备的经典之作，阅读体验极其愉悦和充实。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这类历史题材的书籍通常敬而远之，总觉得过于学术化会让人昏昏欲睡，但《中国陶瓷》完全颠覆了我的预期。这本书的叙事方式非常具有画面感，作者似乎是一位经验丰富的导游，带着我们穿梭于历史的长廊之中。我特别喜欢其中关于明清官窑制度的剖析，那种权力与艺术的交织，从御窑的设立、工匠的管理到成品验收的标准，描述得如同宫廷秘史般引人入胜。书里详细对比了永乐和宣德时期青花纹饰的细微差异，这种对“辨伪”的专业知识讲解，不是冷冰冰的理论灌输，而是结合了大量的实例和考古发现，逻辑严谨又不失趣味性。我感觉作者不仅是研究者，更是一位深爱这些泥土艺术品的鉴赏家。最让我印象深刻的是，书中不仅关注了“高大上”的宫廷用瓷，还花了不少篇幅介绍了民窑的蓬勃发展，比如德化窑的“象牙白”，那种朴素而自然的美，展现了民间艺术的生命力。这本书的结构安排非常巧妙，层次分明，读起来毫无晦涩感，反而像是在听一场精彩绝伦的艺术讲座。

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我发现这本书的最大亮点在于其跨学科的综合视角。它不仅仅是一部关于“泥巴烧制”的书，更是一部关于材料科学、美学史乃至全球贸易史的入门读物。作者在论述宋代五大名窑时，非常细致地对比了不同地区土壤中铁、钙、镁等矿物含量的差异，如何直接导致了各自釉色的千差万别，这种严谨的科学态度令人印象深刻。阅读过程中，我时不时会停下来，上网去查阅书中提到的那些古窑址的地理位置和发掘报告，这本书极大地激发了我对实地考察的兴趣。我尤其欣赏其中关于“陶瓷的传播与在地化”的章节，讲述了中国瓷器如何被伊斯兰世界吸收、改造，最终又影响了欧洲利物浦等地的瓷器制造，构建了一个完整的全球互动网络。这本书的论述逻辑清晰，节奏感把握得非常好，即使是第一次接触陶瓷史的读者，也能循着作者的引导，轻松建立起一个宏观而又细致的知识框架。读完后，我对中国古代的精湛工艺产生了由衷的敬畏之情。

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