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页数:328

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出版时间:2002-9

价格:15.00元

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isbn号码:9787307032880

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好的，以下是一部名为《穿越时空的匠心：古代建筑的结构之美与智慧》的图书简介，该书内容与《大学音乐》无关： --- 《穿越时空的匠心：古代建筑的结构之美与智慧》 内容简介 当我们凝视那些历经千年风雨依然巍峨屹立的古代建筑群落时，我们看到的不仅是石头、木料的堆砌，更是一部凝固的历史，一套精妙绝伦的工程学教科书。 《穿越时空的匠心：古代建筑的结构之美与智慧》旨在带领读者深入中国乃至世界古代建筑的肌理之中，探究那些看似朴素的构造背后，所蕴含的非凡智慧与严谨的力学原理。本书摒弃了学院派的晦涩术语，以一种更具画面感和故事性的叙述方式，层层剥开古代工匠们如何利用有限的材料和经验，挑战重力、抵御自然灾害，并最终塑造出具有永恒美感的空间形态。 第一部分：从原始到定型——结构语汇的演变 本部分将追溯人类早期居住形态的演变，重点聚焦于中国古代建筑体系确立的关键时期。我们将探讨夯土技术的成熟，它如何奠定了早期城市和宫殿的体量基础。随后，我们将进入木构体系的黄金时代。 1. 木材的哲学与选择： 详细分析古代匠人对不同木材（如楠木、松木、杉木）的物理特性、耐久性以及抗腐蚀能力的深刻理解。这种对材料的尊重，是古代建筑长寿的首要原因。 2. 榫卯：不靠钉子的连接艺术： 榫卯结构是古代建筑的灵魂。本书将用大量的图解和实例，剖析斗栱（Dougong）系统的演化。斗栱不仅仅是装饰，它是一个复杂的减震器和荷载传递系统。我们将解析“櫨斗”、“翘”、“昂”等构件如何通过精确的咬合，实现结构的柔性与抗震能力。例如，分析唐代建筑中斗栱的雄大尺度与宋代简约化、模数化的转变，揭示不同时代对结构效率的不同追求。 3. 台基与基础：与大地对话： 建筑的稳定始于地下。我们将考察不同地域（如南方潮湿地带的“架空”处理与北方干燥地带的厚重台基）的基础处理方式，探讨“不朽的基石”是如何通过夯实、设置基础石块，实现排水和防潮的功能。 第二部分：跨越尺度的挑战——宏伟工程的力学密码 本部分将目光投向那些在人类工程史上留下浓墨重彩的伟大作品，分析它们在应对大跨度、高体量挑战时所采取的独特结构策略。 1. 拱券与穹顶的东方诠释： 虽然西方建筑以罗马拱券闻名，但东方建筑在处理跨度时也发展出了成熟的技术。我们将深入研究石拱桥（如赵州桥的“敞肩拱”）的结构逻辑，分析其如何通过巧妙的空间分配来减轻结构自重，并将水平推力转化为垂直压力。在大型殿堂中，我们会探讨梁架体系如何通过增加层数和抬高屋脊，实现视觉上的宏伟和结构上的平衡。 2. 屋顶的重量与张力： 古代建筑的屋顶往往是整座建筑中最重的部分。本书将详细阐释“举折”和“出檐”的技术。深远的出檐不仅是为了遮阳避雨，更重要的是，它通过改变屋顶的重心位置，优化了整体结构的受力状态，使得梁架系统在风荷载下能保持更佳的稳定性。屋顶的瓦片排列、脊兽的设置，也都被纳入结构受力分析的范畴。 3. 模数制与标准化： 探讨秦汉至明清时期，历代政府如何推行“营造法式”等标准化的技术规范。这种早期的工程管理和结构预制思想，确保了即使是远距离的工程也能保持高度的结构一致性和质量控制。我们将解析“材分制”或“材分斗口”如何成为古代建筑的“源代码”。 第三部分：匠人精神与文化基因 结构不仅仅是工程学问题，它更是文化和哲学的载体。本章将探讨结构美学如何与功能需求、社会等级制度相结合。 1. 等级与尺度： 建筑的结构语汇直接反映了使用者的身份。我们将对比帝王宫殿、寺庙、士大夫宅邸在柱网密度、斗栱复杂程度、屋顶形式（庑殿、歇山、硬山）上的差异，解析这些结构选择如何服务于礼制规范。 2. 材料的替代与适应： 考察在特定地理条件下，木构体系的局限性所催生的替代方案，例如砖石结构的佛塔的内部核心筒设计，以及防御工事中对地基加固的创新方法。 3. 传承与失落： 探讨近现代工业技术对传统匠作技艺的冲击，并反思如何在现代建筑的语境下，对古代结构智慧进行创造性转化和保护。 本书面向所有对历史、工程学、建筑美学抱有浓厚兴趣的读者，它不仅是对古代建筑的一次结构溯源之旅，更是一次对人类工程智慧的深刻致敬。通过拆解这些“穿越时空”的结构，读者将能以一种全新的视角，理解中国传统文明的坚韧与精巧。 ---

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这本《大学音乐》的装帧设计相当有品位，封面采用了深邃的午夜蓝，搭配烫金的宋体字，散发出一种沉稳而又典雅的气息。初次翻阅，我立刻被它那种严谨又不失亲和力的文字风格所吸引。作者似乎深谙如何将复杂的音乐理论知识，以一种近乎白描的手法清晰地呈现出来。比如，在介绍和声进行时，书中不仅列举了大量的实例，还配上了详细的图解分析，即便是初学者也能迅速抓住核心概念。更让我惊喜的是，它并没有将音乐史的学习变成枯燥的年代罗列，而是将不同时期的音乐风格演变与当时的社会文化背景紧密结合，读起来就像是在听一场精心策划的音乐会导览。我特别欣赏其中关于20世纪前卫音乐的章节，作者没有简单地批判或推崇，而是客观地分析了其产生的必然性和对后世音乐产生的深远影响，这种思辨性的探讨，极大地拓宽了我的音乐视野。这本书无疑是为那些渴望系统性建立音乐知识体系的严肃学习者量身定做的，它的深度和广度都远远超出了我对一本入门教材的预期，绝对是图书馆里值得长期珍藏的瑰宝。

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说实话，我一开始对这本书抱有一丝怀疑，因为它涵盖的范围实在太广了，从西方早期的教会圣歌到近现代的电子音乐都有涉及，我担心会流于表面。然而，事实证明，这种广度恰恰是它的优势所在。作者展现出惊人的驾驭能力，能在不同的音乐范畴之间自如切换，而不会让读者感到突兀。例如，在探讨节奏时，书中巧妙地将非洲部落音乐的复节奏与20世纪布鲁斯音乐的切分音进行了对比分析，揭示了跨文化音乐现象中的共性与差异。书中对于音乐在不同文化中的社会功能描述也十分到位，它不只是谈论声音，更是在谈论声音背后的生活。我尤其欣赏其中关于音乐版权和数字音乐时代挑战的讨论，这使得这本书在保持经典性的同时，也紧跟时代脉搏。它不再是一本只面向舞台演奏者的教科书，更像是一本面向未来音乐生态的思考指南，对于所有与音乐相关的工作者都有启发意义。

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这本书的阅读体验，可以说是“厚积薄发”型的。前几章可能需要读者投入较高的注意力去消化基础概念，但一旦跨过这个门槛，后续的内容展开就会变得异常顺畅和引人入胜。它最独特的地方在于，它似乎鼓励读者去“质疑”既有的音乐规范。书中不乏对某些长期被奉为圭臬的音乐规则提出反思的段落，引导我们去思考“为什么是这样，而不是那样？”这种批判性的思维训练，对于培养独立的音乐判断力至关重要。我最近在尝试自己进行一些简单的音乐创作，这本书中的“动机发展”和“曲式结构”的章节，为我提供了极其实用的工具箱。它提供的不是现成的模板，而是构建自己音乐大厦的原理和方法论。阅读完后，我感觉自己不再是音乐的被动接受者，而是有能力去分析、去拆解、甚至去重构音乐作品的思考者。这是一本真正能改变你与音乐关系的著作。

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拿到这本书时，我本以为会是一本老生常谈的乐理参考书，结果大跌眼镜，它简直像是一本打开了新世界大门的钥匙。这本书的叙事手法非常活泼，丝毫没有学术著作的沉闷感。我尤其喜欢作者在讲解配器法时采用的“角色扮演”的比喻，将小提琴比作“乐团中的贵族”，大提琴则是“沉稳的基石”，这种生动的描绘，让我瞬间对不同乐器的音色特性有了直观且深刻的理解。在实际操作层面，书中提供的练习题设计得极为巧妙，它们不是孤立的技巧训练，而是紧密围绕着具体的音乐片段展开，比如要求分析某段巴赫赋格曲的对位技巧，或是为某首浪漫主义歌曲设计合适的伴奏织体。这些练习迫使我们将理论知识应用到真实的音乐语境中去，极大地提升了我的实践能力。阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说更像是一次与顶尖音乐教育家的深度对话，它总能在我即将迷失方向时，用一句精辟的总结点亮前路，这种引导作用是无可替代的。

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这本书的价值，对我一个非音乐专业出身，但对古典音乐抱有极大热情的业余爱好者来说，简直是“雪中送炭”。它的排版极其用心，许多乐谱片段的标注清晰可辨，即使用普通的台灯光线也能轻松阅读，这在很多印刷质量不佳的同类书籍中是少见的。我最赞赏的是它对于“听觉训练”的重视。书中内置了大量的二维码链接，可以直接跳转到对应的音频资源，让你在学习到某个特定的音型或和弦转位时，可以立即听到标准范例。这种“理论+实践”即时互动的学习方式，极大地弥补了传统教材只能依靠文字描述的不足。此外，书中对不同流派音乐美学思想的探讨也十分精辟，比如对德彪西印象主义音乐中“模糊性”的解析，让我明白了那种看似随意的音响背后，是何种精密的构思在支撑。这本书不仅教会了我“如何听懂”音乐，更重要的是，它教会了我“如何欣赏”音乐背后的匠心。

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