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出版者:中国美术学院出版社

作者:翁诞宪

出品人:

页数:66

译者:

出版时间:2001-7

价格:20.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787810199575

丛书系列:

图书标签:

• 油画
• 风景画
• 绘画
• 艺术
• 美术
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• 绘画作品

书名：《数字影像的艺术与技术》 内容简介 引言：数字时代的视觉革命 在21世纪的今天，影像已不再仅仅是光影的记录，它成为了信息传播、艺术表达乃至社会沟通的核心载体。本书《数字影像的艺术与技术》，旨在深入剖析数字摄影和后期处理领域的底层逻辑、技术原理及其在当代艺术实践中的无限可能性。我们并非关注传统的架上绘画，而是将焦点投向了由像素构筑的全新视觉世界，探讨如何驾驭复杂的光学传感器、精妙的色彩管理系统以及强大的计算工具，来创造出具有深刻内涵和视觉冲击力的数字作品。 本书涵盖了从基础概念到尖端应用的广阔领域，结构上分为四大核心板块，力求为专业摄影师、视觉设计师以及对数字艺术充满热情的学习者提供一本既具理论深度又富实践指导的参考手册。 --- 第一部分：数字影像的基石——传感器、色彩与光学 本部分将彻底解构数字影像产生的物理基础。我们将详细阐述CCD与CMOS传感器的构造差异、量子效率（QE）对图像质量的影响，以及不同像素尺寸（如全画幅、中画幅、微单系统）在实际工作流中的权衡。 像素的秘密与文件格式的博弈： 深入探讨拜耳阵列、色彩去马赛克（Demosaicing）算法的工作原理。对比RAW、TIFF和JPEG格式的内在差异，重点分析无损压缩与有损压缩在数据完整性上的区别，并教授如何根据项目需求选择最佳的文件存储策略。 色彩科学的严谨逻辑： 色彩不再是感性的主观体验，而是可被量化的科学体系。本章详述色彩空间（如sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB）的边界与应用场景，色彩配置文件（ICC Profile）的创建与管理，以及色域映射在跨设备显示中的重要性。我们将通过案例演示，如何通过精确的色彩管理，确保从拍摄到印刷输出的色彩一致性。 光学系统的解析： 镜头的设计如何影响最终画面的锐度、畸变与像差。分析不同焦距（广角、标准、长焦）背后的光学设计哲学，以及高品质镜头的光圈特性、衍射限制（Diffraction Limit）对锐度的实际影响。 --- 第二部分：现场的艺术——数据采集与曝光控制 本部分将技术知识转化为现场操作的直觉。我们关注如何“在拍摄时”就完成对最终图像的预判和控制，避免将所有负担留给后期处理。 动态范围的精确掌控： 动态范围是数字摄影的生命线。本书将深入讲解直方图的解读，特别是高光和阴影区域的细节保留。详细介绍曝光组合技巧，包括包围曝光、HDR（高动态范围合成）的流程，以及如何在有限的传感器能力下，通过精确的测光策略最大化信息采集。 聚焦的艺术与算法： 现代自动对焦系统的复杂性需要专业的理解。我们将解析相机的相位检测（PDAF）和反差检测（CDAF）的工作原理，以及如何针对运动主体和低光环境选择最佳的对焦模式和区域。同时，探讨手动对焦辅助工具（如峰值对焦）的有效使用。 时间与运动的捕捉： 快门速度不仅仅是曝光时间，更是对时间流逝的凝固或模糊。通过详细的实例分析，指导读者如何利用慢速快门（如星轨、水流拉丝）和高速快门（如体育运动的瞬间定格）来叙事。 --- 第三部分：像素级别的重塑——非破坏性后期流程 后期处理是数字影像艺术的第二战场。本部分完全聚焦于非破坏性工作流程，强调流程的效率、可追溯性和创意自由度。 工作流程的建立与优化： 从素材导入到文件归档，建立一个坚固、高效的流程至关重要。我们将推荐一套行业标准的管理系统，并教授如何利用目录化软件（Cataloging Software）进行海量素材的高效检索与标记。 曲线、蒙版与局部调整的精妙： 掌握色阶（Levels）与曲线（Curves）的底层逻辑是控制亮度和对比度的关键。本书将详细拆解RGB、Luminosity以及不同色彩通道曲线的应用，并教授如何利用精确的蒙版技术（包括通道蒙版、渐变蒙版和径向蒙版），实现区域性的、有针对性的色彩和明暗干预，而非全图的“一键式”处理。 降噪与锐化技术的平衡艺术： 数字感光的必然副作用是噪点，而后期锐化又可能引入光晕和伪影。本章将对比不同降噪算法（空间域与频率域）的优缺点，并指导读者如何在保持图像自然质感的前提下，精确地控制锐化强度，实现视觉上的“清晰”。 --- 第四部分：超越现实的构建——合成、三维与输出 在当代视觉艺术中，合成（Compositing）已成为常规工具。本部分将探讨如何将多张影像或三维元素无缝融合，并确保最终作品能以最佳状态呈现。 高阶合成技术与图层混合模式： 不仅仅是简单的图层叠加，本书将深入探讨各种混合模式（Blend Modes）背后的数学计算逻辑，以及如何利用通道混合器（Channel Mixer）和3D层技术，实现复杂的光影匹配与色彩融合。重点讲解如何消除图层接缝，创建逼真的环境光照反射。 数字艺术的未来：三维渲染与PBR： 介绍基于物理渲染（PBR）的工作流程，探讨如何将数字资产（如3D模型、纹理）导入到后期环境中，以模拟真实世界的材质和光照反应，极大拓宽了数字艺术的表达维度。 面向终端的优化与输出： 最终呈现决定了作品的最终价值。我们将提供详尽的打印准备指南，包括打印介质的选择、色彩转换的流程，以及网络发布时针对不同屏幕设备的最佳分辨率、色彩空间和文件大小的优化策略，确保作品的视觉完整性跨越物理与虚拟的鸿沟。 --- 结语 《数字影像的艺术与技术》强调，技术是通向艺术表达的工具，而非目的本身。通过对底层原理的透彻理解和对现代工具的熟练掌握，读者将能够挣脱软件预设的限制，真正掌控每一个像素的命运，从而创作出更具个性、技术更精湛的数字视觉作品。本书致力于将读者从影像的使用者，提升为影像的架构师。

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说实话，我买这本书的初衷是希望能找到一些突破自己瓶颈的方法。最近画风景画总觉得死板，缺乏生气，总是在写实和表达之间摇摆不定。然而，这本《油画风景》呈现出的多样性，彻底拓宽了我的视野。它收录的作品风格跨度极大，从古典写实主义的严谨考究，到印象派对瞬间光影的捕捉，再到后印象派那种近乎表现主义的强烈主观色彩运用，几乎涵盖了近现代风景画发展的脉络。特别是其中几幅后期的作品，那些大胆的色彩对比和非自然的色块，让我开始反思：风景画的本质，究竟是记录客观世界，还是表达内心情感？这本书没有直接给出答案，但它通过大量的实例，引导你去自己寻找答案。我记得有一幅描绘热带雨林的画作，那些绿色和蓝色被画家用近乎抽象的方式组合在一起，那种强烈的视觉冲击力，让我明白，艺术的生命力往往来自于打破常规。这本书的排版设计也相当考究，留白恰到好处，既保证了作品的完整展示，又不至于让画面显得拥挤，这一点上，这本书的品味是极高的，体现了对艺术作品本身最基本的尊重。

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这本关于油画风景的画册，简直是视觉的盛宴！我拿到手的时候就被它精美的装帧吸引住了，厚实的纸张，细腻的印刷，每一个细节都体现出了制作者的用心。翻开内页，仿佛一下子就被带到了那些气势磅礴的山川湖海之间。那些色彩的运用，真是让人叹为观止。画家似乎对光影有着异乎寻常的敏感度，无论是清晨薄雾中朦胧的山峦，还是夕阳下被染成金色的田野，都描绘得栩栩如生，仿佛能闻到空气中泥土和青草的味道。我特别喜欢其中几幅描绘雨后初晴的场景，那种湿漉漉的空气感，水汽氤氲的层次过渡，处理得极其微妙，让人看了心胸都为之一阔。对于一个业余爱好者来说，这本书不仅仅是一本欣赏的画集，更是一部无声的教科书。它没有冗长的理论阐述，但通过对不同大师作品的精选和展示，我从中领悟到了很多关于构图、笔触和色彩搭配的“潜规则”。尤其是那些对肌理的处理，有些地方的颜料堆叠得厚重有力，有些地方则轻描淡写，这种对比，让画面产生了丰富的张力和生命力。我甚至忍不住拿起自己的画笔，对着书里的某几幅作品进行临摹，试图去捕捉那种一闪而逝的灵感和笔锋的力度。

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我用这本书来做睡前阅读，每次翻看都能带来一些意想不到的启发。它不像那种纯粹的理论书籍，强迫你吸收知识，而更像一个经验丰富的老友，在安静地和你分享他的所见所感。我注意到，很多画作都采用了非常规的视角。比如，一些海景画没有将地平线放在视觉中心，而是将其压低或抬高，瞬间改变了画面的情绪。有几幅作品，画家似乎完全抛弃了传统的焦点透视法，转而使用色彩的冷暖对比来营造空间感，这种处理方式非常前卫，也极具挑战性。这本书的选编者显然是有自己独到的眼光的，他们没有仅仅堆砌那些教科书上常见的范例，而是精心挑选了那些在技法或理念上具有“突破性”的作品。每一次翻阅，我都能在不同的细节上发现新的东西——可能是笔触的走向，可能是某个不和谐但却成功的色彩并置。这本书对我的意义，已经超出了“一本画册”的范畴，它更像是激发我不断探索、不断质疑既有绘画规范的“精神催化剂”。

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我得坦诚地讲，一开始我对这本书的期待值是比较高的，毕竟名字听起来就大气磅礴。初读时，我有点被那种扑面而来的“大气”所震撼，那些描绘阿尔卑斯山脉或北美大峡谷的宏大叙事，确实让人心潮澎湃。但真正让我爱不释手的，反而是那些描绘“小品”的作品。有一组关于意大利托斯卡纳乡间小路的组图，光影变幻极其细腻，近处的砖墙被阳光晒得暖洋洋的，远处的橄榄树则被处理得虚实相间，整体氛围宁静而舒适。这几幅画的示范意义在于，它告诉我们，优秀的风景画不一定非得追求史诗般的规模。日常生活中的寻常景色，只要捕捉到了那个瞬间的“真情实感”，同样可以成为永恒的艺术。这本书在不同尺度的作品间做到了很好的平衡，没有让读者陷入对宏大叙事的盲目崇拜中。另外，纸张的选择也值得称赞，它的哑光质感很好地吸收了印刷品的反光，使得那些微妙的色彩过渡和层次变化得以清晰展现，不像一些光面印刷的书籍，高光部分一反光就全白了。

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作为一名对绘画史略有涉猎的人，我关注这本书很久了，主要想看看它在选取素材上是否有独到之处。看完之后，可以说非常惊喜。它没有完全拘泥于那些耳熟能详的“名家名作”，而是穿插了一些在绘画史上或许地位稍逊，但在技法上独树一帜的艺术家的作品。例如，其中一位十九世纪中叶的斯堪的纳维亚风景画家，他对极地光线的处理，那种冷峻而深沉的蓝调，是我在其他普及性画册中很少见到的。这让我意识到，风景画的魅力，远比我们想象的要复杂和多元。这本书的价值不仅仅在于展示“美”，更在于展示“不同的美如何被创造”。它的装帧虽然厚重，但拿在手里却意外地有份量感，那种沉甸甸的感觉，仿佛承载了跨越几个世纪的艺术智慧。我甚至注意到，有些油画作品在放大局部时，能清晰地看到画布的纹理和画笔刮擦留下的痕迹，这种“材料感”的呈现，让读者能够更深层次地去理解艺术家创作时的物理过程，这对于想提升表现力的画者来说，是极其宝贵的细节。

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