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出版者:荣宝斋出版社

作者:黄均

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2002-1

价格:18.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787500304548

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翰墨丹青的千年流转：中国传统绘画艺术的辉煌史诗 书名：翰墨丹青的千年流转：中国传统绘画艺术的辉煌史诗 作者： [此处可虚构一位研究中国艺术史的资深学者姓名，例如：林松涛] 出版社： [此处可虚构一家专业艺术类出版社名称，例如：文华精粹出版社] 开本与装帧： 精装，特种纸印刷，全彩高清还原图版 --- 内容提要： 《翰墨丹青的千年流转：中国传统绘画艺术的辉煌史诗》是一部旨在全面、深入、系统地梳理和阐释中国绘画发展脉络的鸿篇巨制。本书不仅追溯了自远古岩画、商周礼器上的纹饰，到魏晋风骨的初成，再至唐宋气象的鼎盛，直至明清文人画的成熟与流变，完整勾勒出中国绘画史的波澜壮阔的历程。 本书的核心价值在于其超越简单作品罗列的深度研究，它致力于揭示中国绘画之所以独特的哲学基础、审美取向以及社会功能。我们将深入探讨“笔墨”二字的深刻内涵——它如何从纯粹的书写工具升华为表达画家心灵境界和宇宙观的媒介。全书结构严谨，逻辑清晰，力求为读者构建一个既宏大又精微的艺术图景。 第一卷：源起与雏形——史前至魏晋的拓荒之路 本卷考察了中国绘画的滥觞。从河姆渡、马家窑文化中陶器上的几何纹饰和生命符号，到殷墟青铜器上的饕餮纹，探寻早期艺术的宗教与巫术背景。重点分析了战国秦汉时期帛画和墓室壁画的发现，尤其是马王堆汉墓的T形帛画，揭示了早期对神仙世界和生命观念的描绘。 随后，笔锋转向魏晋南北朝，这是中国绘画理论和实践发生质变的时代。我们详细剖析了顾恺之“传神写照”理论的诞生及其对后世的深远影响，解析了“六法”的初步形成，并结合现存的敦煌早期壁画和南朝陵墓壁画，展示了佛教艺术如何与本土的写意精神交融，最终确立了中国人物画的基本规范。这一阶段的绘画，是外来文化与本土哲学（如道家尚自然）碰撞融合的结晶。 第二卷：盛世气象与人文自觉——唐宋绘画的辉煌顶峰 唐代是中国封建社会的极盛时期，绘画艺术也随之呈现出雍容华贵、气象万千的特点。本卷首先聚焦于唐代人物画的巅峰，从吴道子“吴带当风”的线条革命，到周昉、张萱对宫廷生活和仕女情态的细腻描绘，展现了高度成熟的世俗化叙事能力。同时，我们亦专题讨论了青绿山水画的装饰美学。 进入宋代，绘画史进入了一个全新的高度——文人画思潮开始酝酿，山水画真正确立了其在中国绘画体系中的核心地位。本书将宋代划分为“北宋宏大叙事”和“南宋意境营造”两个阶段： 北宋的“气象”： 重点剖析李成、范宽、郭熙等大家如何通过宏伟的全景式山水（如《溪山行旅图》），展现人与自然的宇宙关系，探讨“可游、可居、可卧”的审美理想。 南宋的“意境”： 阐释马远、夏圭“一角”构图的精妙，以及米芾、米友仁“米点皴”如何从写实走向抒情，预示着写意精神的勃发。 此外，本卷还详尽分析了宋徽宗“瘦金体”与其院体画在审美上的高度统一，以及苏轼对文人画理论的奠基性贡献，指出绘画开始从“画事”向“写心”转型。 第三卷：文人写意与技法革新——元代转折与明清的流变 元代是文化身份认同与绘画艺术风格发生根本性转变的时期。面对异族统治，原先服务于宫廷和士大夫阶层的画家们，转而以山水和梅竹为载体，寄托故国之思与个人情怀。“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）被提升到前所未有的高度。本书深入解析了倪瓒“折笔皴法”中的空寂之美，以及黄公望《富春山居图》中“皴、擦、点、染”技法的集大成。 明代绘画呈现出多元化的发展态势： 1. “院体”的延续与“浙派”的雄健： 以戴进、吴伟为代表的早期院体画风。 2. “吴门画派”的文雅复古： 论述沈周、文徵明对元代传统的继承与发展，强调其对传统笔墨的回归与精致化处理。 3. “董其昌”的理论主导： 重点分析董其昌“南北宗论”的构建及其对后世文人画审美取向的决定性影响。 清代则在“四王”的集大成与“四僧”的叛逆创新之间展开论战。本书详尽梳理了王时敏、王鉴、王翚等如何以“集大成”的方式，将前代笔墨推向极致的程式化，同时，也着力描绘了石涛、八大山人等如何在笔墨中注入强烈的个人悲剧感和反传统精神，为近代绘画变革埋下了伏笔。 第四卷：技法精解与审美范畴 本书的最后一部分，将视角从宏观历史转向微观技法，进行系统性的梳理： 1. “皴法”的谱系： 详细图解披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主流皴法的起源、特点及其适用对象。 2. “墨法”的层次： 探讨焦、浓、重、淡、清五墨法的运用，以及晕染、破墨、积墨等技法如何营造体积感和气氛。 3. “用笔”的哲学： 辨析“骨法用笔”与“写意用笔”的差异，以及线条的“金石气”与“韵致”。 4. 花鸟画的独立： 独立探讨了自唐代以来花鸟画的发展，从黄筌的“双勾填色”到徐熙的“野逸”风格，再到宋代院体对动植物形态的科学观察，以及明清文人画中“写意花卉”的象征意义。 结语： 《翰墨丹青的千年流转》不仅是一部艺术史著作，更是一部关于中国知识分子精神史的侧记。它清晰地展示了中国绘画如何始终与中国哲学、文学、政治紧密相连，始终保持着“诗中有画，画中有诗”的独特气质。本书采用大量高清、原比例的图版对照分析，辅以严谨的学术考证，旨在让读者跨越时空，亲身体验中国艺术的深邃魅力。 --- 本书适合对象： 艺术史研究人员、美术专业学生、中国古典文化爱好者，以及所有希望深入了解中国绘画精髓的读者。

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这本《荣宝斋画谱》简直是艺术爱好者的福音，我拿到手的时候就被它沉甸甸的质感和精美的装帧吸引住了。作为一个对传统绘画抱有浓厚兴趣的人，我一直都在寻找一本既能系统展示经典画法，又不失收藏价值的工具书。这本书完全满足了我的期待。里面的内容编排得非常讲究，从基础的线条勾勒、皴法运用，到具体物象如山石、花鸟、人物的刻画，都有详尽的图例和步骤解析。尤其值得称赞的是，它不像有些画谱那样只是简单地罗列图片，而是融入了深厚的理论指导，让初学者能够知其然，更知其所以然。我特别喜欢它对笔墨韵味的阐述，那种“墨分五色”的微妙变化，通过清晰的示范被完美地呈现出来，让我在临摹时感觉自己仿佛在与古代的大师对话。这本书的价值不仅仅在于技法的传授，更在于它所承载的文化精神，每一次翻阅都像是一次心灵的洗礼，让人对中国传统艺术的博大精深有了更深一层的理解和敬畏。

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我最近开始尝试用水墨来表达一些自己的想法，但苦于找不到一个合适的入门向导。朋友推荐了这本画谱，坦白说，我一开始还有点怀疑，觉得这种大型画册可能更偏向于展示收藏而非实用教学。但当我翻开后，立刻被其详尽的“由简入繁”的编排逻辑所折服。它不是那种高高在上、让人望而却步的学术著作，而是非常接地气地从最基础的“点”和“线”开始讲解，循序渐进地引导读者进入水墨的世界。书中的示范图清晰到每一个笔触的提按顿挫都能被捕捉到，对于我这种依赖视觉学习的人来说，简直是太友好了。我花了大量时间研究其中关于竹子的画法，它不仅展示了如何画出竹子的形态，更深入探讨了如何通过墨色的浓淡变化来表现竹子的气节和风骨。这种兼顾技术层面和精神层面的讲解，使得学习过程充满了乐趣和启发性，让我对自己的绘画能力提升充满了信心。

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说实话，我原本以为这本画谱会是那种老气横秋、只有专业画家才看得懂的古籍复刻版，但出乎意料的是，它的印刷质量和现代审美结合得非常好。纸张的质感非常细腻，即便是墨色的层次感也能很好地还原出来，这对于学习者来说至关重要，因为色彩和墨韵的还原度直接影响到临摹的效果。更让我惊喜的是，它收录了一些不同流派大师的作品作为对比分析，这极大地拓宽了我的视野。我过去可能只关注某一个特定风格，但通过这本书，我看到了不同时代、不同地域的画家是如何处理相同主题的，比如同样是画荷花，A大家的疏朗与B大家的丰腴，其背后的用笔和构图逻辑差异在哪里。这种对比学习的方式，让我不再局限于模仿单一模板，而是开始思考如何形成自己的独特面貌。这已经超出了一个“画谱”的范畴，更像是一部浓缩的中国绘画史和技法精华的集大成之作。

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作为一个收藏爱好者，我不得不提一下这本书的装帧和用料，它体现了出版者对中国传统工艺的尊重。皮革（或类似材质）的封面摸上去温润厚实，装订工艺也极其考究，一看就知道是下过大功夫的用心之作。对于这种工具书性质的画册，耐用性是必须考虑的因素，这本画谱显然是打算陪伴使用者走过漫长岁月的。内容上，它并没有一股脑地塞满晦涩难懂的古人语录，而是将那些精粹的技法要点提炼出来，用现代的排版方式呈现，使得信息的获取效率大大提高。我特别欣赏它在不同章节之间设立的小插曲，简要介绍了一些画派的起源和发展，这让学习技法的过程不再是枯燥的机械模仿，而是融入到了一个宏大的艺术脉络之中。这本书是真正的“活的教材”，它教会你扎根传统，但绝不束缚你的创新，是非常值得所有热爱中国画的人拥有的宝贵资源。

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最近家里的书架上新添了不少艺术类书籍，但唯独这本《荣宝斋画谱》是我最愿意随时拿起来翻阅的。它有一种特殊的魔力，让人在喧嚣的生活中能迅速找到一片宁静。我不是科班出身，纯粹是出于对中国传统文化的喜爱而接触绘画的，所以理论基础比较薄弱。这本书的厉害之处在于，它用最直观的视觉语言弥补了文字上的不足。比如在讲解山水的“披麻皴”时，它会用放大和箭头标注出笔锋的走向和水分的控制，即便是没有老师在旁边指导，也能大致掌握其精髓。我发现，每当我感到创作瓶颈或者心情低落时，随意翻开其中一页，看看那些充满生命力的笔触和布局，我的创作欲和积极性立刻就能被重新点燃。它不仅教会我如何拿起笔，更教会我如何“看”世界，如何用更富有诗意的方式去捕捉自然万物的神韵。

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经典大师作品，值得收藏

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黃老先生的經典作品為毛大部份都不在上面？

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经典大师作品，值得收藏

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