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出版者:新华出版社

作者:中国音乐家协会音乐考级委员会 编

出品人:

页数:146

译者:

出版时间:2000-1

价格:33.00元

装帧:平装

isbn号码:9787501150366

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鸿鹄之志：西方古典音乐的恢宏史诗与精神图谱 聚焦18世纪至20世纪中叶的欧洲音乐思想、美学流变及核心作曲家群像 本书并非聚焦于某一种乐器的技巧传承或地方性音乐事件，而是以宏大的历史视野和深刻的哲学思辨，剖析西方古典音乐在近三个世纪中如何从巴洛克晚期的严谨结构中蜕变，经历古典主义的平衡与和谐，步入浪漫主义的激情与个性解放，最终在20世纪初的现代主义浪潮中进行自我解构与重塑的完整精神历程。 第一部分：理性之光的余晖与结构主义的巅峰（约1730-1820） 本卷深入探讨“启蒙运动”如何深刻地塑造了音乐的形态与功能。我们不再关注具体的奏鸣曲式结构图解，而是着重分析海顿和莫扎特如何通过对“清晰性”（Clarity）、“平衡”（Balance）和“普遍性”（Universality）的追求，完成了音乐语言的理性化重构。 音乐的“文法”重铸： 详细考察奏鸣曲、交响曲和弦乐四重奏在这一时期的规范化过程。这不是简单的技术手册，而是对“形式即内容”这一美学主张的深度解读。例如，如何通过呈示部与再现部的张力关系，来体现启蒙思想中“冲突—解决”的哲学模型。 维也纳的中心地位： 分析了马利亚·特蕾西亚统治下的奥地利宫廷对音乐赞助体系的塑造，以及这种体制如何催生了专业化、世俗化的音乐家群体。探讨了“交响乐之父”海顿在田园风光与室内智慧之间的微妙平衡，以及莫扎特如何以其近乎“神谕”般的天赋，将既有的结构推向情感的精致化表达的极致。 贝多芬：桥梁与断裂： 专门设立章节讨论路德维希·凡·贝多芬对既有古典语法的颠覆性作用。重点分析其中期（“英雄时期”）作品中“意志力”的介入，以及晚期作品中对传统界限的模糊尝试。这不是分析他的指法或运弓，而是解读《第九交响曲》中“对人类兄弟情谊的召唤”是如何超越了音乐自身的边界，成为一种社会哲学宣言。 第二部分：情感的洪水与个体的史诗（约1815-1880） 随着法国大革命的余波和工业革命的推进，音乐的主题转向了对“自我”的无限探索、对自然伟力的敬畏，以及对被压抑的民族精神的呼唤。本部分探讨浪漫主义如何从一种文学思潮演变为支配性的音乐美学。 主观性与“无限的渴望”： 聚焦舒伯特、舒曼和肖邦，分析“艺术歌曲”（Lied）和“即兴曲”（Impromptu）等小型体裁如何成为表达内心私密情感的理想载体。探讨“未完成感”和“渴望”（Sehnsucht）在音乐织体中的体现，例如，和声进行中对“远方”的向往如何打破了古典时期的调性中心。 李斯特与“交响诗”的诞生： 深入剖析弗朗茨·李斯特如何利用“主题转换”（Thematic Transformation）技巧，将叙事性内容——神话、诗歌、文学——直接植入纯音乐形式。这不仅是曲式上的创新，更是对音乐“说明性”（Indication）潜力的一次大胆试验。 瓦格纳与“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）： 详尽分析理查德·瓦格纳在拜罗伊特的哲学构建。重点不在于他如何使用主导动机（Leitmotif），而在于他如何通过对歌剧的整体性控制——包括舞台设计、诗歌、音乐、戏剧哲学——来试图创造一种全新的、超越经验世界的体验。探讨其日耳曼神秘主义对后世的影响。 民族主义的勃兴： 考察德沃夏克、斯美塔那和穆索尔斯基等“五人强力集团”如何从民间音乐、斯拉夫民谣中提炼出独特的国家音乐身份，这是一种文化抵抗与自我肯定的过程。 第三部分：现代性的焦虑与声音的原子化（约1890-1950） 本部分关注音乐如何应对科学进步、世界大战以及尼采哲学“上帝已死”带来的存在主义危机。音乐不再追求悦耳或和谐，而是转向探索声音本身的本质和人心的深层结构。 印象主义与色彩的消融： 分析德彪西如何拒绝德奥传统的线性和对位逻辑，转而关注声音的“瞬间性”和“氛围”。探讨其对五声音阶、全音阶的运用，并非作为一种异国情调，而是作为一种旨在消除固定调性束缚的手段。 调性的瓦解与十二音体系： 重点阐述阿诺德·勋伯格从“自由无调性”向“十二音体系”（Dodecaphony）的艰难过渡。这被视为一种对古典秩序的“补偿性”重建——既然传统和谐已死，就必须用逻辑和数学来约束无序的音高材料。分析其对结构严谨性的不懈追求，以对抗情感的泛滥。 斯特拉文斯基的“原始主义”与“新古典主义”： 考察伊戈尔·斯特拉文斯基在《春之祭》中对原始节奏的暴力性重构，以及随后对古典清晰性的回归。这种风格上的频繁切换，反映了20世纪艺术家在不断寻找与历史对话的稳定锚点的挣扎。 序列主义的延伸与挑战： 简要提及二战后，如布列瑟（Boulez）等人如何将勋伯格的十二音原则扩展到节奏、力度和演奏法上，试图构建一种“绝对客观性”的音乐，这代表了现代主义思潮中理性化尝试的极端顶点。 结语：历史的重量与未来的回响 本书最终总结了西方古典音乐在漫长历史中，如何从宫廷的装饰品，演变为表达人类最深层精神困境的工具。它探讨了音乐史上每一次重大转变背后的思想动因，而非单纯的技术规范，旨在为理解音乐艺术的本质提供一个多维度的哲学框架。

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我是在一个朋友的强烈推荐下，抱着试一试的心态拿起了《民族的音符：世界各地的民间音乐考察手记》。我必须承认，最初我对非西方、非古典的音乐题材兴趣较弱，但这本书的魅力在于它的田野调查精神和人文关怀。作者不是高高在上的观察者，而是全身心地沉浸在那些遥远部落和乡村的生活场景中，记录下那些即将失传的歌谣和仪式。文字充满了异域风情和朴素的生命力，你仿佛能闻到非洲鼓点下的尘土味，能感受到爱尔兰民间小提琴曲中蕴含的乡愁与坚韧。书中对不同文化背景下音乐功能（祭祀、劳动、叙事）的详尽描述，让我深刻体会到音乐是如何根植于人类生存状态之中的。这本书的价值远超音乐本身，它是一扇通往世界文化多样性的窗口，读完后，我对“音乐”这个词的理解，一下子变得更加立体和宽广了。

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这本书《即兴的哲学：爵士乐与自由的边界》的阅读过程，简直像是一场酣畅淋漓的头脑风暴。我原本以为爵士乐更多是关于技巧和律动的，但这本书的视角之广阔，让我着实吃了一惊。它不仅仅在谈论布鲁斯音阶或者和弦进行，而是将爵士乐置于美国社会文化变迁、种族议题甚至存在主义哲学的框架下进行探讨。书中对“即兴”的定义被拓展到了一个前所未有的高度——它不仅仅是演奏中的随机发挥，更是一种对既有规范的反抗和即时创造力的体现。作者的语言富有节奏感，读起来仿佛能听到贝斯的低吟和萨克斯的呐喊，文字的起承转合都带着一种摇摆（Swing）的韵味。这本书对理解“自由”在艺术表达中的意义，提供了极其深刻的见解，让我对这种发源于底层的音乐形式产生了由衷的敬意。

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老实说，我购买《诗意的和声：现代作曲家与他们的内心世界》这本书，最初是冲着封面设计去的，但阅读之后，我才发现内容远比我想象的要深刻得多。这本书的视角非常独特，它没有仅仅停留在传统的音乐理论分析上，而是深入挖掘了二十世纪几位重要作曲家创作背后的心理动机和社会环境。比如，书中对勋伯格十二音体系的阐释，不再是冷冰冰的规则堆砌，而是结合了作曲家面对时代剧变的焦虑与反思。我感觉作者对这些艺术家的理解是充满同理心的，文字中流露出的那种对艺术创作艰辛的尊重，非常打动我。这本书的结构安排也很有心思，从早期的表现主义过渡到后来的结构主义，逻辑链条清晰，让即使是初次接触现代音乐的读者也能跟上思路。读完后，我再去听那些“听不懂”的现代作品时，感觉多了一层理解的滤镜，不再觉得它们是嘈杂的噪音，而是时代精神的呐喊。

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我向来对艺术史类的书籍持谨慎态度，因为很多作品读起来总是干巴巴的，像是教科书的复印件。然而，《光影中的旋律：电影配乐的艺术与技术》这本书彻底颠覆了我的看法。这本书的厉害之处在于，它成功地将听觉艺术与视觉艺术进行了完美的嫁接与分析。作者不仅细致地拆解了经典电影场景中配乐是如何烘托气氛、塑造人物的，还探讨了作曲家在面对不同导演风格时所采取的策略。书中对“莱特莫蒂夫”（Leitmotif）在电影中的运用分析得尤其精彩，配合大量的实例和乐谱片段（即使我看不懂复杂的谱子，也能感受到那种精确性），让我对电影配乐这项“隐形艺术”肃然起敬。这本书的行文流畅，充满了洞察力，让我意识到，好的配乐绝非锦上添花，而是叙事不可或缺的一部分。强力推荐给所有热爱电影的朋友，它会让你重新审视每一次观影体验。

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这本书简直是音乐爱好者的宝典！我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时我对古典音乐充满了好奇，但又苦于没有系统入门的指引。《音乐的殿堂：从巴赫到德彪西的浪漫之旅》这本书恰好填补了我的空白。它的叙述方式非常亲切自然，仿佛一位资深的音乐教授在你耳边娓娓道来，将那些晦涩难懂的音乐术语和历史背景讲解得深入浅出。书中对不同时期音乐风格的演变有着独到的见解，特别是对印象派音乐的分析，让我第一次真切地感受到了色彩是如何在音符中流淌的。作者的文笔功底深厚，描述画面感极强，读起来完全没有枯燥感，更像是在欣赏一场精彩的音乐会。我特别喜欢它附带的乐曲推荐列表，让我的古典音乐探索之路立刻有了清晰的航向。这本书不仅是知识的输入，更是一种审美体验的提升，极大地拓宽了我对西方古典音乐世界的认知边界。

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竟然有这本书我哭了

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为什么我会养成只练不记曲名的坏习惯╮(╯-╰)╭

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