二胡演奏抒情歌曲100首 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:人民音乐

作者:赵寒阳

出品人:

页数:70

译者:

出版时间:1990-7

价格:10.00元

装帧:

isbn号码:9787103006023

丛书系列:

图书标签:

• 二胡
• 二胡
• 民族乐器
• 抒情歌曲
• 经典曲目
• 演奏
• 音乐
• 艺术
• 教材
• 入门
• 练习

音乐殿堂的恢弘史诗：一部跨越时空的管弦乐珍藏 图书名称：《交响诗篇：从巴洛克到现代的管弦乐发展史纲》 图书简介： 本书旨在为音乐爱好者、专业演奏者以及音乐理论研究者，提供一份详尽、深入且富有洞察力的管弦乐队音乐发展历程的宏大叙事。它不仅仅是一部简单的年代编年史，更是一次对人类音乐思想、技术革新以及社会文化变迁如何共同塑造了西方管弦乐这一宏伟艺术形式的深度探索。 第一编：古典主义的曙光与根基（约1730-1820年） 本卷聚焦于管弦乐队体系的奠基时期。我们将详细考察早期管弦乐队如何从歌剧序曲和器乐合奏中脱胎换骨，逐步确立以弦乐组为核心，木管、铜管及定音鼓为辅助的经典配置。重点分析了曼海姆乐派在管弦配器法上的革命性贡献，特别是“曼海姆火箭”和音响渐强技法的成熟，为后世交响曲的戏剧张力埋下了伏笔。 莫扎特和海顿作为古典主义的巨擘，其交响曲创作被视为管弦乐队配器语言成熟的里程碑。书中对海顿“惊奇”交响曲中弦乐与对位木管的精妙交织，以及莫扎特晚期作品中对不同乐器音色对比的细致把握进行了深入剖析。我们探究了古典主义时期如何通过清晰的结构、平衡的织体和明确的主题发展，定义了“管弦乐”这一概念的初始形态。此阶段的乐器技术瓶颈与创新，例如早期巴松管和圆号的局限性，如何反作用于作曲家的配器选择，形成了一种独特的听觉美学。 第二编：浪漫主义的激情与色彩爆炸（约1820-1900年） 随着贝多芬将交响曲提升到前所未有的精神高度，管弦乐队开始从古典的克制中解放出来，进入了充满个性表达和情感张力的浪漫主义时代。本卷将详细梳理这一时期乐队规模的空前扩张，以及作曲家对“音色魔术”的极致追求。 柏辽兹被视为配器艺术的先驱，他的《幻想交响曲》及其详尽的配器法探讨，构成了本章的核心。我们详细研究了柏辽兹如何首次系统地将长号、低音提琴、以及更具表现力的木管（如短笛、低音单簧管）纳入标准配置，并赋予它们独立的旋律或和声功能。 随后，书中转向德奥浪漫主义的巅峰——瓦格纳与勃拉姆斯。瓦格纳对歌剧《尼伯龙根的指环》中“莱茵河的黄金”所使用的特殊音色组（如瓦格纳低音大号）的创造性运用，展示了配器如何服务于宏大的叙事和神话主题。与之相对，勃拉姆斯则体现了对古典结构的坚守，但他如何通过对法国圆号、大管组的细腻铺陈，在继承传统的同时，展现出厚重而深沉的浪漫主义色彩，成为重点讨论对象。 此外，东欧民族乐派的崛起——德沃夏克、斯美塔那——以及俄国“五人团”对本土民族旋律和特殊打击乐器的引入，如何丰富了管弦乐的地域性表达，也将得到细致的描绘。 第三编：印象主义与现代主义的声学革命（约1900-1950年） 进入二十世纪，管弦乐队的配器技术迎来了一场深刻的结构性变革，主要受德彪西、拉威尔的印象主义美学以及斯特拉文斯基、勋伯格等先锋派思想的驱动。 德彪西的《牧神午后前奏曲》和拉威尔的《达芙妮与克洛伊》配曲，标志着配器从强调“量感”转向追求“质感”。书中将重点解析印象派作曲家如何利用泛音、弱奏、非传统音区以及对乐器本身音色细微变化的捕捉（如使用弱音器、弓的不同部位），营造出流动的、朦胧的、如同光影变幻般的听觉画面。拉威尔对乐器音色的“雕琢”能力，被视为管弦配器史上独一无二的天赋。 与此形成对比的是斯特拉文斯基的《春之祭》。这部作品不仅在和声与节奏上颠覆了传统，其配器也充满了原始的力量和刻意的粗砺感。我们分析了如何利用强烈的铜管重奏、木管的尖锐对位以及庞大打击乐组，来表达“原始崇拜”的主题，这极大地拓宽了管弦乐队的表现边界。 同时，以勋伯格为代表的无调性与十二音体系的出现，也对配器提出了新的挑战。作曲家不再依赖传统的功能和声来组织音响，因此配器法的角色变得更为结构化和逻辑化，强调乐器间的清晰分离与对位独立性。 第四编：战后实验与电子媒介的融合（约1950年至今） 战后，管弦乐队不再是音乐创作的唯一中心，新观念和新技术的冲击使配器法进入了更加多元化和实验性的阶段。本卷将探讨电子音乐、偶然音乐以及极简主义对传统管弦乐的影响。 我们考察了序列音乐作曲家如布列兹如何利用精确的序列控制来编排复杂的、高密度音区分布的管弦乐织体。同时，对固定乐器音色的突破也达到新的高度，例如对“扩展技巧”（Extended Techniques）的大量使用——包括对弦乐演奏者身体的敲击、木管乐器上的打嗝声等——这些声音的引入，模糊了传统乐器与噪音之间的界限。 此外，书中还专门辟出章节，讨论电子媒介与管弦乐队的结合。从早期的磁带音乐与管弦乐团的交织，到当代音乐中对实时电子处理、合成器声部与传统乐器组的融合实践，揭示了管弦乐作为一种活态艺术，如何不断吸收新技术以保持其对时代声音的敏感度和捕捉力。 结语：未来的和声 全书最后总结了管弦乐队在当前全球化音乐语境下的地位与挑战，并展望了跨文化影响、人工智能辅助创作等前沿领域对未来配器艺术可能带来的深刻变革。本书旨在提供一个全面的、跨越近四个世纪的视角，理解管弦乐如何从一个由宫廷赞助的实用组合，演变为承载人类最复杂情感与最尖端思想的“音乐建筑”。读者通过此书，将获得一把钥匙，去解锁交响乐章中隐藏的结构奥秘与音色密码。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我购买这本书最初是抱着试试看的心态，毕竟市面上的二胡曲集，十有八九都是泛泛而谈，要么难度跨度太大让人无从下手，要么就是排版混乱，视谱困难。然而，这本《二胡演奏抒情歌曲100首》却在装帧设计上就透出一种专业和诚意。纸张的厚度和光洁度恰到好处，即便是长时间在灯光下练习，眼睛也不会感到疲劳。最让我惊喜的是它的版式设计——它摒弃了那种将五线谱和简谱挤在一起的拥挤布局，而是采用了大开本、清晰的五线谱和简谱对照，重点是，它的双行记谱法（即上下行对齐）做得极其考究，每一个音符的时值和换把位置都标注得一目了然，这极大地减少了我在练习新曲目时反复对照的挫败感。尤其是那些需要复杂换把和快速弓弦转换的乐段，编者特意用小括号标注了换把后的音高归属，这种细微之处的体贴，足以看出编者对二胡演奏者学习痛点的深刻理解，使得学习曲线变得平滑许多。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我入手过不少宣称收录“百首经典”的曲集，但很多时候，它们要么是凑数，要么就是对同一首曲子做微小的改动重复出现。但翻阅这本《二胡演奏抒情歌曲100首》的目录时，我花了好几分钟才意识到，这100首曲目，几乎首首都能叫出名字，或者至少旋律能在大脑中回响起来，它们覆盖了从民族器乐到地方戏曲选段，再到一些脍炙人口的时代金曲，视野非常开阔。更重要的是，这份“100首”的重量感不在于数字，而在于质量。它们不是那种为了堆砌数量而进行的粗制滥造，而是经过了演奏家角度的精挑细选和专业改编。比如，其中几首带有浓郁的戏曲味道的曲目，编者竟然还巧妙地融入了某些地方剧种的板腔节奏感，这种对文化元素的尊重和创造性转化，让这套曲谱的价值远远超出了普通的练习用书，它更像是一部记录时代情感脉络的音乐档案。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经拉了二十多年二胡的琴友，我对于“抒情”二字的理解往往停留在慢速、柔和的范畴。但是，这本书带给我的启发是，抒情并不意味着平淡如水，它可以包含着深沉的激情和克制的情感张力。我翻到其中一首标着“江南夜曲”的改编曲时，发现它巧妙地运用了大量的颤音和拨弦技巧来模拟夜空中忽明忽暗的灯火，那种“情到深处难自抑”的韵味，是通过极其精妙的弓速控制来实现的。书中的有些篇章，我甚至能感受到编者试图在用二胡这种古老的乐器，去对话现代的音乐语汇，但这种对话是尊重的，而不是生硬的嫁接。它教导我们如何用中国传统乐器的“气口”去诠释西方音乐中的“呼吸感”，这对于拓展演奏者的音乐视野，无疑具有里程碑式的意义。它不是让你简单地“拉对音高”，而是教你如何“唱出旋律的灵魂”。

评分☆☆☆☆☆

这部《二胡演奏抒情歌曲100首》的选曲之精妙，真是我近些年来在民族乐器谱集里见过的少有的佳作。首先，它并没有像很多教材那样一味追求“大路货”，而是巧妙地在耳熟能详的经典民歌和一些相对小众但意境深远的传统曲目之间找到了一个完美的平衡点。我特别欣赏编者对于“抒情”这个主题的把握，即便是像《赛马》这样通常被认为是技巧展示的曲目，在这里也挑选了其更具叙事性和旋律起伏的版本进行编排，而非纯粹的炫技片段。翻阅目录，我看到了很多我一直想学却苦于找不到可靠谱子的老歌，比如一些上世纪中叶的经典影视剧配乐改编版，它们的旋律线条被处理得非常适合二胡的音色特点，没有那种硬生生的转调或者不自然的指法堆砌。更值得称道的是，很多曲目的演奏提示非常细致，不仅仅是简单的指法标记，更融入了大量的揉弦力度、弓法轻重、滑音的快慢等演奏细节的说明，这对于我们这些业余爱好者来说，简直是如获至宝，让人感觉不是在看一份死板的乐谱，而是在听一位名家在耳边细细指导。

评分☆☆☆☆☆

我通常是在通勤时间听音乐，但真正坐下来练习，总是在晚上。这本书最让我觉得实用的一点，就是它对不同程度学习者的友好度设计。它并没有像某些“大师精选集”那样，所有曲目都设置在“专业演奏级”的难度上。我观察到，前三分之一的曲目，其难度设置非常适合初级和中级爱好者，它们侧重于音准的稳定和基础的揉弦练习，旋律优美而不复杂。而越往后，难度梯度才慢慢爬升，引入更多的揉指技巧、更快的连弓和复杂的揉弦组合。这种循序渐进的结构，意味着我可以根据自己当下的练习状态来选择合适的曲目，而不是被一整本书的“高不可攀”吓倒。这种贴心的难度分级，极大地提高了练习的持续性和成就感，让学习过程始终保持在“可实现”的范围内，而不是陷入无休止的挫败循环中。

评分☆☆☆☆☆

拉过...

评分☆☆☆☆☆

拉过...

评分☆☆☆☆☆

拉过...

评分☆☆☆☆☆

拉过...

评分☆☆☆☆☆

拉过...