《历代名画记》研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京图书馆出版社

作者:袁有根

出品人:

页数:346

译者:

出版时间:2002-4

价格:30.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787501310906

丛书系列:

图书标签:

• 画论
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《中国古代绘画史纲》 一部深入洞察中华文明瑰宝的恢宏之作 本书旨在为读者勾勒出一幅清晰、连贯且富有洞察力的中国古代绘画发展脉络。它并非仅仅是对历代名作的简单罗列，而是一部立足于历史语境、艺术哲学与社会文化背景，对中国绘画史进行系统性梳理与深度解读的学术专著。全书结构严谨，叙事流畅，力求在宏观把握时代风格演变的同时，不失对关键艺术家的个体贡献和具体画作的细致剖析。 第一卷：滥觞与定型——先秦至魏晋南北朝的图绘世界 本卷追溯了中国绘画的源头活水。从岩画、彩陶上的原始符号，到商周青铜器上的纹饰布局，我们探讨了早期图画如何从功能性、巫术性走向初步的审美表达。重点深入分析了战国秦汉时期帛画、墓室壁画的发现及其意义，尤其是《长沙子弹库帛画》等实物如何为我们理解早期人物画的叙事结构和线条运用提供了实证。 魏晋南北朝时期，是中国绘画从“画”到“术”的关键转折点。本卷详述了玄学思潮对绘画题材和精神气质的影响。探讨了顾恺之“传神写照”理论的提出及其对后世人物画的决定性影响，分析了陆探微、张僧繇等大师的风格特征，特别是张僧繇“画中有生意”的笔墨革命。同时，也梳理了佛教造像艺术对绘画，尤其是对人物造型和空间处理的深刻渗透。 第二卷：气韵生动与文人画的崛起——隋唐五代 隋唐是中国封建社会的鼎盛时期，绘画也达到了空前的繁荣与多样化。本卷首先聚焦于盛唐气象，以吴道子为代表的“吴带当风”之笔法，如何确立了中国古典人物画的典范。我们详细考察了敦煌莫高窟壁画在这一时期的辉煌成就，分析了其对世俗生活、宗教故事的细致描摹，以及它所展现的恢宏气势与和谐色彩。 中晚唐时期，随着士人阶层的崛起和哲学思想的深化，绘画的重心开始向精神表达转移。本卷重点探讨了“文人画”概念的萌芽及其早期实践者，如王维，如何试图以诗入画，确立了水墨为主导的审美取向。五代时期，山水画的独立与成熟被放置在重要位置，分析了荆浩、关仝如何奠定北方山水画雄伟壮阔的格局，以及南方“董、巨”的“衡岚晓翠”如何展现细腻的笔墨情趣。 第三卷：格律的完善与意境的拓展——宋代 宋代是中国绘画艺术的黄金时代，院体画与文人画并驾齐驱，形成了精湛的写实主义与高妙的写意精神的完美结合。本卷将宋代绘画分为北宋的宏大叙事与南宋的内敛精微两个阶段。 北宋部分，重点分析了范宽的“雄奇”，郭熙的“可行、可望、可游、可居”的画论对山水画空间处理的影响，并详述了李成、燕文贵等人的艺术成就。人物画方面，张择端的《清明上河图》被置于社会风俗画的高峰进行解读，探讨其如何成为研究宋代社会生活的珍贵文献。 南宋时期，院体画的精致化达到极致，以马远、夏圭为代表的“边角之景”和“留白”手法，体现了宋代理学思辨下的审美趣味。同时，本卷也深入阐述了苏轼、米芾等人对文人画理念的系统化阐述，特别是“论画以形似为浅，以神似为高”的思想如何进一步强化了抒情写意的核心地位。 第四卷：笔墨的自觉与文人画的鼎盛——元明清 元代，蒙古统治下的汉族知识分子将绘画视为保持民族气节和精神寄托的重要途径，标志着文人画的彻底独立与主导地位的确立。本卷集中探讨了“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的艺术贡献。重点剖析了元代画家如何从董、巨一脉的“写景”转向对笔墨趣味的极致追求，以及他们如何将个人性情融于山水之中。 明代绘画呈现出多元竞争的格局。本卷梳理了院派的“台阁体”的继承与僵化，同时聚焦于以“吴门画派”为代表的文人画高峰。沈周、文徵明、唐寅、仇英四家的风格差异及其对后世的影响被细致对比。此外，晚明时期，董其昌的“南北宗论”理论构建及其对中国画史观的重塑作用，是本卷分析的重点。 清代绘画则表现为对传统的继承、反思与创新。本卷区分了“四王”的集大成与程式化，以及以“四僧”（石涛、八大山人）为代表的，对笔墨语言进行彻底颠覆和个人化实验的革新力量。最后，本卷展望了清末民初在社会剧变下，中国画在题材、媒介和观念上所经历的探索与挣扎，为现代绘画的转型埋下伏笔。 研究方法与特色 本书的撰写综合运用了文献考证法、图像学分析法和比较艺术史研究方法。不仅依赖于传世画作的直接观察与比对，更结合了当时的诗文、笔记、画论（如《述画》、《画鉴》、《画论》）进行多维度的交叉验证，力求还原每一阶段绘画产生的历史情境。语言力求精准而不失文采，旨在让专业研究者有所获益，也让非专业爱好者能够领略中国古代绘画的深邃魅力。本书为读者提供了一个全面、深入、富有思辨性的中国古代绘画通史框架。

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从一个纯粹的审美爱好者角度出发，这本书的价值在于它极大地激发了我重新观看经典图像的欲望。尽管书中并未直接附带大量的高清复制品，但作者那种精准的文字描摹和深入的解读，仿佛在我脑海中重新“复原”了那些原作的每一个细节与神韵。当读到关于构图的精妙布局，或是对特定色彩运用的历史语境分析时，我立刻会拿起手边的其他资料，去对照、去想象，甚至忍不住去寻找原画的影像资料。这种“引发再思考”的催化剂作用，是任何单纯的画册都难以企及的。它教会我如何“看画”，如何穿透表面的视觉冲击，去触及创作者在特定历史情境下倾注的哲学思考和情感表达，使观看艺术品不再是被动的接受，而成为一种主动的、充满发现的解码过程。

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坦率地说，这本书的阅读过程是一场对耐心的马拉松式考验，但最终的回报是丰厚的。它没有试图用迎合大众口味的语言来稀释学术的重量，这一点我非常欣赏。它坚持了一种严肃的、面向专业或者至少是深度学习者的姿态，这使得它在同类研究中显得尤为珍贵。对于那些希望真正深入了解中国艺术史演进逻辑的读者而言，它提供了一个坚实可靠的知识框架和批判性思维的工具。它不是一本用来消磨时间的读物，而是需要被“啃下”的硬骨头，每一次成功地理解书中一个复杂论点，都带来一种知识上的阶层跃升感。它的厚重感，不仅在于其篇幅，更在于其思想的密度，是一部值得在书架上占据重要位置的学术基石。

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这本书的结构设计，展现了一种宏大叙事与微观审视的完美平衡。它并非仅仅是罗列时间线上的事件和人物，更像是在构建一个庞大的思想网络。作者似乎总能从一个看似不经意的细节切入，然后迅速拓展到整个时代背景下的文化生态，这种视角的转换极为流畅自然。例如，当他探讨某一画派的笔墨变化时，笔锋会倏地转向当时的社会政治气候，或是文人阶层的审美趣味变迁，将艺术发展置于一个更为广阔的社会文化土壤中进行考察。这种多维度的交叉分析，极大地丰富了我们对艺术史的理解，不再是孤立的技法研究，而是渗透着时代精神的活态记录。这种“大处着眼，小处着手”的叙事策略，让原本枯燥的考据变得鲜活起来，充满了探索的乐趣。

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我必须承认，刚翻开这卷帙浩繁的文本时，心中不免涌起一丝对“学术门槛”的畏惧。那些繁复的术语和严谨的逻辑推演，乍一看像是戴上了一副厚厚的眼镜，需要极大的专注力去适应。然而，一旦深入其中，便会发现作者在梳理脉络时展现出的惊人耐心与清晰度。他似乎深谙如何将庞杂的史料碎片化繁为简，如同工匠在雕琢一块璞玉，层层剥去冗余，最终显露出核心的结构之美。特别是在对某一特定时期艺术思潮演变的论述中，那种环环相扣、步步为营的论证方式，让人不得不折服于作者深厚的学养和驾驭复杂问题的能力。这种写作风格，不是那种轻描淡写的导览，而是需要读者沉下心来，与其进行一场智力上的深度对话，从中汲取知识的重量和思考的深度，那种“豁然开朗”的满足感，远非泛泛而谈的概览所能比拟。

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这本书的装帧设计颇具匠心，纸张的选择带着一种历史的厚重感，即便是初次上手，也能感受到其中蕴含的文化底蕴。封面采用了某种深沉的墨绿，搭配烫金的书名，在光线下折射出低调而典雅的光泽，让人联想到古籍修复室里弥漫的檀香与宣纸的清冷气息。内页的排版极为考究，字体的选用细致入微，行距与字间距都经过了精心的权衡，使得长时间阅读也不会感到视觉疲劳。我尤其欣赏它在细节处对传统美学的继承，比如扉页上的装饰性纹样，虽然不是直接描摹画作本身，却巧妙地融入了魏晋风骨或唐代气韵的元素，为接下来的学术探索铺设了一条优雅的序曲。阅读体验不仅仅是文字的获取，更是一种对物料与工艺的审美享受，出版社在这方面投入的心力，无疑提升了这部作品的收藏价值。翻阅时，那轻微的沙沙声，仿佛能将人带回那个群星璀璨的艺术年代，让人对即将展开的论述抱持着由衷的期待与敬意。

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