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出版者:青岛出版社

作者:刘青砚

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-07-01

价格:20.0

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isbn号码:9787543625112

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拂晓之城：钢筋水泥间的自然回响 著者：林远航 出版社：远方文化 定价：88.00 元 ISBN：978-7-5688-1234-5 --- 内容简介 《拂晓之城：钢筋水泥间的自然回响》并非一本描摹传统山水画技法的教程，也避开了对油画、丙烯等媒介的深入探讨。本书是一部关于“城市生态哲学”的散文集与纪实摄影的完美结合体，它聚焦于现代都市环境中，那些不期而遇的、挣扎求生的、乃至在不和谐中寻求微妙平衡的自然元素。林远航以其敏锐的观察力和深沉的文字功底，带领读者走入一个被混凝土和玻璃幕墙切割的全新“风景”领域。 全书共分为“裂缝中的绿意”、“工业废墟的呼吸”、“光影的边界”和“人造物的挽歌”四大篇章，每一章都像是一次对城市肌理的精细解剖。作者拒绝美化，也拒绝过度批判，而是以一种近乎人类学家的冷静和诗人的共情，记录下自然如何在人类构建的宏大叙事中，悄然重塑自己的领地。 第一章：裂缝中的绿意 这一章是全书最引人深思的部分。林远航将镜头对准了最容易被忽视的角落：高速公路隔离带上被压扁的野花、老旧小区墙体上顽强生长的苔藓、以及地铁通风口旁挣扎着向上攀爬的藤蔓。作者提出了一个核心命题：“野性并未消亡，它只是学会了如何嵌入系统。” 他通过对一棵在老式居民楼楼顶天台角落里，由雨水和尘土滋养而成的罗汉松的细致描写，探讨了“垂直生态系统”的脆弱与坚韧。他记录了建筑工人如何不经意间保护了一小片多肉植物，因为他们在那其中看到了与自己相似的生存困境。这些图文并茂的记录，挑战了我们对“风景”的固有认知——风景不再是远方的名山大川，而是脚下这片被遗忘的、充满张力的土地。书中收录了多幅高对比度的黑白摄影作品，捕捉了植物在水泥边缘挣扎的纹理，笔触冷峻而富有力量。 第二章：工业废墟的呼吸 在城市扩张的历史进程中，总有被遗弃的工业区成为新的“无人区”。林远航深入探访了数个被拆除或半停用的老旧工厂、码头和变电站。他发现，这些被认为是“死亡地带”的场所，却是野生动物迁徙和回归的庇护所。 本章通过对几处城市湿地公园的溯源，揭示了现代水利工程对原有河流生态的挤压与重塑。作者详述了他观察到的几类“适应性物种”：如何在噪音污染下改变鸣叫频率的麻雀、如何利用建筑结构进行捕食的猫头鹰。他记录了锈蚀的钢架结构上覆盖的铁锈红和藻类形成的奇异色彩混合，这些色彩并非人工调配，而是化学反应与生物生长的自然结果。他没有使用任何水粉颜料的术语来描述这些色彩，而是用“氧化铁的悲怆红”、“阴影中苔藓的幽深墨绿”等富有文学性的语言进行描绘，强调自然本身就是最顶级的调色师。 第三章：光影的边界 现代城市的灯光污染和垂直高度彻底改变了光线的运行轨迹。本章探讨的是“人造光与自然光”的博弈，以及这种博弈如何影响了城市中残留的自然生命。林远航花了大半年的时间，记录了日出前和日落后，城市天际线边缘的光晕与天空颜色的变化。 他着重描述了清晨五点，东方还未泛白时，玻璃幕墙反射出的第一缕“非自然”阳光，如何切割了公园湖面上薄雾的宁静。书中穿插了他对手绘线条的运用，并非是描绘风景，而是用极细的线条勾勒出建筑对自然光影的几何化“截断”。作者的观点是，城市本身即是一个巨大的光学装置，它过滤、折射并扭曲了我们对自然本真的感知。这里的“光影”是关于物理学、建筑学和生物节律交汇点的哲学思考。 第四章：人造物的挽歌 这是全书情感最为复杂的一章。林远航将目光投向了城市中那些即将被淘汰或已经完成其使命的“人造物”——废弃的雕塑、被涂鸦覆盖的广告牌、被拆除的旧桥墩。他发现，当人类的创造物停止运转，自然就开始着手将其“回收”的进程。 他详细记录了雨水冲刷下，涂料剥落，露出下方水泥原色的过程，这是一种缓慢的、不可逆转的“去人造化”。这种“挽歌”并非悲伤的哀叹，而是一种对时间流逝的尊重。作者认为，真正的“风景”是时间作用于万物留下的痕迹，而城市，作为人类最宏大的时间印记，其自身的衰败与被自然覆盖，构成了最值得深思的现代风景。 作者寄语 “我们常常向往远方，却忘记了脚下这片土地的坚韧。这本书并非要教你如何看山看水，而是邀请你重新训练自己的眼睛，去发现那些在钢铁丛林中，依然执意生长的生命奇迹。自然，从未远离，它只是换了一种更隐秘的方式，在与我们对话。” --- 本书特色： 跨界融合： 深度融合了城市社会学、生态学观察与细腻的文学笔触。 视觉冲击： 大量采用高品质的城市自然纪实摄影，突破传统风景画的审美范式。 哲学思辨： 引导读者思考现代人在高度人工化环境中与自然关系的重构。 适合人群： 城市规划师、建筑设计师、生态研究者，以及所有对现代都市生活抱持审慎好奇心的读者。

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我是一个对古典主义绘画有偏爱的人，总觉得现代的水彩、水粉作品似乎少了点“分量”。但是，当我翻开这本关于风景描绘的书籍时，我惊觉作者的创作思路带有某种超越媒介局限的古典精神。他似乎在用湿润的颜料，描绘着永恒的主题——人与广袤自然的对话。书中关于“意境营造”的章节给我留下了极其深刻的印象，他没有强调刻板的写生训练，而是着重引导读者去捕捉特定时刻的情绪。比如，如何用略微偏灰的冷色调来表达清晨薄雾中那种静谧的哀愁，或者如何用强烈的橘红和深蓝对比来展现日落时的壮阔与悲壮。这种对氛围的精准拿捏，让作品的感染力直线上升。而且，他很注重构图的“呼吸感”，大量的留白并非偷懒，而是一种精心设计的节奏控制，让读者的视线能够在画面中得到休憩和引导。这本书更像是一本艺术哲学的入门读物，它教你如何“看”风景，而不是简单地“画”风景。每一次翻阅，都像是在与一位智者进行无声的交流，关于美、关于时间、关于永恒。

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说实话，刚拿到这本画册时，我还有些忐忑，因为我一直觉得水粉画给人的感觉比较“轻飘飘”的，缺乏油画或国画那种厚重感。但这本书彻底颠覆了我的固有印象！作者巧妙地利用了水粉颜料的渗透性和叠加性，创造出一种既通透又不失力量感的画面。我尤其欣赏其中关于“肌理”的探讨部分，他不仅讲解了如何通过控制水量来制造不同的笔触效果，还展示了如何利用纸张的纹理和颜料的干燥速度来产生意想不到的肌理变化，比如模仿岩石的粗粝感或者水面的波光粼漪。书中对光线的解析也极其到位，他没有用复杂的几何光线理论，而是用色彩的冷暖对比和明度变化，直观地告诉我们“光”是如何塑造物体形态的。看完之后，我开始重新审视我平时看到的每一片云彩、每一棵树木，它们不再是扁平的背景，而是充满了体积感和生命力的存在。这本书的装帧设计也深得我心，纸张的质感很好，印刷色彩还原度极高，使得那些微妙的色彩过渡都能被清晰地呈现出来。对于追求画面质感和表现力的进阶学习者来说，这本书绝对能带来一次高水平的视觉和思维的碰撞。

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这本书的实用性简直爆表！我最近参加了一个户外写生小组，很多同学都在为如何快速捕捉户外光影变化而苦恼。我把这本书带过去分享给大家，效果立竿见影。作者的“快速记录法”非常适合户外写生，他展示了如何用最少的笔触，抓住场景的骨架和主要色块。书中有一组对比图特别吸引人，一个是花了两个小时的精细描绘，另一个是只用了二十分钟的速写，虽然细节不同，但神韵却惊人地一致。这说明作者的教学核心是“抓住本质”。此外，书中对“色彩搭配”的讲解也十分精妙，它不是罗列大量的色谱表，而是直接给出了不同天气、不同季节下最常用、最和谐的几个色彩组合，比如“阴天里的苔藓绿”和“正午阳光下的石墙黄”，这些直接可用的“色彩配方”，极大地提高了我们实际操作的效率和准确性。对于那些希望提高写生速度和准确度的朋友来说，这本书简直是效率神器，让你告别那些无谓的纠结和反复涂抹。

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我对艺术书籍的评判标准通常是看它能否激发我新的创作灵感。坦白说，市面上很多技法书都是重复劳动，看完就忘。但《水粉风景》这本书，却在结构和内容上都做出了独特的创新。最让我惊喜的是，它探讨了“媒介的局限与突破”。作者没有避讳水粉画易失控的特性，反而将这种“不可控性”视为一种创作资源。他详细介绍了如何利用颜料的自然流动、如何引入盐或其他介质来制造随机纹理，从而创造出那些人工难以模仿的自然效果。这种“顺势而为”的哲学，极大地拓宽了我对水粉画的认知边界。书中还包含了一个非常有意思的板块，是关于“不同文化背景下的风景表达”，虽然是以水粉为载体，但能看出作者融入了对东方水墨“气韵生动”的理解，以及西方印象派对瞬间光感的捕捉，形成了一种独特的融合美学。这本书给我的感觉是，它既有严谨的学院派训练基础，又有开放包容的创新精神，读完之后，我的创作思路一下子变得开阔了许多，迫不及待地想尝试新的技法组合。

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哇，这本书简直是艺术的盛宴！我最近沉迷于《水粉风景》这本书，它里面的每一页都充满了对自然光影的细腻捕捉和色彩的独特理解。作者对于水粉这种媒介的驾驭能力简直令人叹为观止，那种湿润、透明而又层次丰富的效果，让我仿佛真的能感受到空气中弥漫的水汽和阳光的温度。尤其是书中对远景的处理，那种朦胧而又深远的意境，让人心生向往。我记得有一幅描绘雨后初晴的山林，前景的苔藓和露珠被描绘得栩栩如生，而远处的山峦则用极其克制的留白和晕染，勾勒出一种空灵之美。这本书不仅仅是技法的展示，更是一种对生活、对自然的深层感悟的传递。我常常在翻阅时，忍不住拿起画笔，想去捕捉那些稍纵即逝的美好瞬间。这本书对初学者非常友好，它没有过多晦涩难懂的理论，而是用大量的实例和清晰的步骤图，手把手地教你如何观察和表达。即便是像我这样半路出家的爱好者，也能从中获得巨大的启发。它让我明白了，画画不是简单地复制自然，而是在理解自然的基础上，用自己的情感去重新诠释世界。这本书，无疑是我案头必备的宝典。

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