中国瓷器图鉴 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:浙江大学出版社

作者:余继明

出品人:

页数:88

译者:

出版时间:2002-10

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787308023269

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寰宇瑰宝：世界建筑奇迹鉴赏 引言：凝固的历史，流动的艺术 人类文明的演进，如同奔腾不息的长河，而建筑，无疑是这条河流中最为宏伟壮丽的里程碑。它们不仅仅是遮风避雨的实用结构，更是特定时代精神、文化信仰、科技水平和社会抱负的物质载体。从古老的金字塔到现代的摩天大楼，每一栋建筑都像一本厚重的史书，诉说着千年的故事。 本书《寰宇瑰宝：世界建筑奇迹鉴赏》，旨在带领读者进行一次跨越时空、横跨大陆的深度旅程，去探寻那些不仅在技术上令人叹为观止，更在艺术上达到巅峰的建筑杰作。我们聚焦于那些定义了不同文明形态、突破了工程学极限、并持续影响后世审美的标志性建筑群和独立结构。这不是一份简单的清单，而是一部关于人类创造力如何以坚实的材料和精妙的构思，对抗自然、丈量宇宙的赞歌。 第一部分：文明的基石——古代宏伟工程的奥秘 本部分将追溯人类早期定居文明的印记，探讨那些在缺乏现代机械辅助的情况下，仅凭人力与智慧堆砌而成的永恒象征。 1. 尼罗河畔的永恒凝视：古埃及的巨石崇高 我们将详细剖析吉萨大金字塔群的建造之谜。重点不在于猎奇，而在于解读其几何学的精准性、石材的运输与堆叠技术，以及其背后所蕴含的宗教宇宙观。从狮身人面像的神秘微笑，到卡尔纳克神庙（Karnak Temple）那令人窒息的多柱厅（Hypostyle Hall），探讨古埃及人如何将对永恒的追求，转化为永恒的建筑语言。我们将分析方尖碑的力学结构，以及神庙壁画在建筑叙事中的核心作用。 2. 两河流域的阶梯幻梦：苏美尔与巴比伦的空中花园 本章将侧重于展示泥砖（Adobe）这种基础材料如何被提升到艺术的高度。我们将探讨苏美尔人的神塔（Ziggurat）如何作为沟通天地的人造山脉，并对比分析巴比伦城宏伟的城墙与传说中空中花园（如果考察到相关遗址的推测性重建）所体现的灌溉工程与园艺艺术的结合。 3. 爱琴海的荣光：米诺斯与迈锡尼的迷宫叙事 探索克里特岛上的克诺索斯宫殿（Palace of Knossos），分析其复杂的布局、先进的排水系统，以及壁画中展现的充满生命力的文化图景。随后转至希腊本土的迈锡尼文明，重点考察其“狮子门”的楣梁技术，以及圆顶墓室（Tholos Tombs）的拱顶技术雏形，为后续希腊古典建筑的成熟奠定基础。 第二部分：古典秩序与信仰的殿堂——希腊与罗马的建筑语言 本部分深入研究西方建筑学体系的奠基者，分析他们如何建立起一套理性、和谐且影响至今的建筑规范。 1. 雅典的黄金比例：希腊古典建筑的和谐哲学 我们将透彻解析帕特农神庙（Parthenon）如何体现古希腊人对“黄金分割”和“视觉矫正”的极致追求。细致区分多立克、爱奥尼和科林斯三种柱式的细微差别及其审美意图。探讨剧场（Theater）的声学设计如何服务于民主的公共讨论，以及圣殿布局中对神性的表达。 2. 罗马工程的帝国宣言：实用性与宏伟的结合 罗马人是工程学的集大成者。本章重点剖析罗马拱券（Arch）、穹顶（Dome）和混凝土（Opus Caementicium）的发明如何彻底解放了建筑的尺度和空间感。细致研究万神殿（Pantheon）那震撼人心的无梁承重穹顶及其中央的“眼洞”（Oculus），分析其作为宇宙模型的设计理念。同时，我们将审视罗马浴场、引水渠（Aqueducts）和巴西利卡（Basilica）在城市功能规划中的革命性意义。 第三部分：超越尘世——中世纪的精神高塔 中世纪的建筑是信仰的狂热表达，本部分聚焦于两类主要建筑类型：拜占庭的辉煌与西欧的向上攀升。 1. 拜占庭的穹顶奇迹：圣索菲亚大教堂的内部宇宙 深入分析伊斯坦布尔的圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia），研究其巨大的中央穹顶是如何巧妙地通过半穹顶和拱肩（Pendentives）结构被承托起来的。探讨其内部的马赛克装饰如何创造出一种虚无缥缈、光影变幻的宗教空间体验，标志着东方基督教建筑美学的顶峰。 2. 哥特式：向上帝的垂直颂歌 哥特式建筑是人类对高度和光线的极致渴望。我们将详细拆解飞扶壁（Flying Buttresses）、尖拱（Pointed Arches）和肋状拱顶（Rib Vaults）这三大技术创新是如何协同作用，使教堂的墙体得以被解放，从而容纳巨大的彩色玻璃窗。以巴黎圣母院（Notre Dame de Paris）和科隆大教堂（Cologne Cathedral）为例，分析其复杂的结构逻辑和光影神学。 第四部分：文艺复兴与巴洛克的舞台——人性的回归与情感的张扬 从对神性的聚焦转向对人本身的关注，建筑开始重新审视古典原则并注入新的戏剧性。 1. 文艺复兴的理性回归：布鲁内莱斯基的突破 佛罗伦萨圣母百花大教堂的穹顶是文艺复兴工程的起点。本章将着重分析菲利波·布鲁内莱斯基（Brunelleschi）如何仅凭古籍记载和创新性的施工方法，完成了这个世界上最大的砖石穹顶。讨论阿尔伯蒂（Alberti）和帕拉第奥（Palladio）如何通过对古典柱式和比例的系统化整理，奠定了后世数百年的建筑规范。 2. 巴洛克的激情与动感：空间的戏剧化处理 巴洛克建筑，如贝尼尼（Bernini）和波罗米尼（Borromini）的作品，旨在通过曲线、凹凸面、丰富的雕塑装饰和光影对比来激发观者的强烈情感。我们将分析罗马的圣安德烈·奎里纳莱教堂等，看其如何利用建筑元素打破静态平衡，创造出一种流动的、几乎是剧场化的体验。 第五部分：工业革命的洗礼与现代主义的诞生 工业化带来的材料（钢铁、玻璃）和结构技术（桁架、幕墙）彻底改变了建筑的可能性，促使人类重新定义“什么是建筑”。 1. 钢铁与玻璃的解放：水晶宫与埃菲尔铁塔 探讨19世纪中叶，以伦敦水晶宫（The Crystal Palace）为代表的预制化和标准化生产如何应用于建筑。随后分析埃菲尔铁塔（Eiffel Tower）如何以纯粹的结构美学，挑战了传统材料和审美的界限，成为工业时代新美学的象征。 2. 现代主义的纯粹宣言：功能至上与极简主义 本章聚焦20世纪的建筑革命。分析勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”如何系统性地打破了传统承重墙体系，推广了底层架空、自由平面和水平长窗。考察密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）如何以“少即是多”（Less is More）的哲学，将建筑简化为清晰的体块和精确的结构表达，并分析这些思想如何催生了国际风格（International Style）。 第六部分：当代探索与未来的地平线 本书最后将目光投向后现代主义、解构主义以及当代新兴的有机建筑和可持续设计浪潮。 1. 解构主义的破碎美学：对既有秩序的反思 分析弗兰克·盖里（Frank Gehry）的毕尔巴鄂古根海姆博物馆（Guggenheim Museum Bilbao）等项目，探讨建筑如何通过非线性、碎片化的形态来表达复杂的信息和动态的张力，挑战了现代主义的僵硬几何。 2. 可持续性与高科技的融合 探讨当代建筑师如何将生物仿生学、智能材料和零能耗设计融入到摩天大楼和公共空间的设计中。分析如绿色屋顶、太阳能集成立面等技术如何使建筑在功能之上，承担起对地球环境的责任。 结语：建筑的永恒对话 本书的终极目标，是激发读者对人类居住环境的深层思考：建筑不仅是工程学的胜利，更是哲学、艺术和政治的凝固体现。每一次对古迹的重访，都是对人类集体记忆的一次致敬；而每一次对新颖设计的审视，都是对未来生活方式的一次大胆预测。我们希望读者在合上本书后，能够以一种全新的、充满洞察力的目光，去重新审视我们身处的每一个空间。

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这本关于中国瓷器的图鉴，简直是为我这种半路出家的爱好者量身定做的宝典！我最欣赏的是它那种近乎考古学家的严谨性，对每一件器物的描述都细致入微，绝非走马观花。比如讲到宋代定窑的刻花和印花工艺时，作者没有简单地罗列“美丽”二字，而是深入剖析了刀法的力度、线条的流畅度，以及在不同光线下釉色微妙的变化。我记得有一张汝窑洗的照片，它那雨过天青的釉色，书中用了整整一个段落来描绘其“雨后初霁，远山含黛”的意境，并配上了不同光源下的对比图，让我这个只能在线上“看展”的人，仿佛能触摸到那温润如玉的质感。更让我惊喜的是，它不仅仅停留在器物本身，还拓展到了那个时代背景下制瓷工匠的生活状态和审美追求，甚至提到了不同窑口之间的技术交流与竞争，读起来完全不是枯燥的学术报告，而是一场穿越时空的艺术对话，让我对“中国制造”的精髓有了更深一层的敬畏。

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这本书的装帧设计本身，就是一种艺术享受，这一点非常值得称赞。要知道，很多学术性强的图鉴，为了追求内容的详实，往往牺牲了阅读体验，纸张粗糙、印刷发灰。但这本《中国瓷器图鉴》完全没有这个问题。它的纸张选择很有讲究，那种微哑光处理，既能保证色彩的还原度，又能避免反光影响观看细节。尤其是那些需要展现釉面光泽和开片肌理的照片，它们的光影处理得极其到位，仿佛摄影师在为每一件文物量身定制布光。我记得其中一幅关于清乾隆粉彩“百鹿图”的特写，那鹿毛的细节、山石的皴法，甚至颜料堆叠的厚度，都清晰可见，让人感觉不仅仅是在看图片，更像是在欣赏一幅高级的丝织品。这种对视觉体验的极致追求，让阅读过程变成了一种纯粹的享受，而不是负担。

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说实话，我最初抱着试一试的心态买了这本书，期待能有什么新奇的发现，结果它给我的震撼是结构性的。它最厉害的地方在于，它不像很多市面上的图册那样，只是简单地把精美图片堆砌起来，然后加上简短的年份和名称。这本书的叙事逻辑非常清晰，仿佛带你走进了景德镇御窑的生产线。它把元青花、明永乐甜白、清康熙五彩这些标志性的瓷器类型，拆解成了几个独立的“案件”来研究。比如讲到元青花的“苏麻离青”钴料来源时，它详细考证了贸易路线，甚至引用了当年的航海记录，这种跨学科的综合分析能力，极大地丰富了我对瓷器文化背景的理解。我之前总觉得官窑和民窑界限模糊，但读完后，我能立刻分辨出官窑那种规整到近乎苛刻的形态与民窑的生动活泼之间的微妙张力，这完全是知识结构被重塑的感觉，不是随便翻翻就能get到的深度。

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真正让我感到耳目一新的，是它对“审美哲学”层面的探讨。很多瓷器书籍会告诉你“这是什么”，但这本书会告诉你“为什么它是这样”。例如，在分析明代嘉靖、万历年间五彩瓷器的色彩构成时，它深入探讨了当时道教思想对民间审美的影响，解释了为什么那个时期的青花料和釉上彩对比度会如此强烈，充满了一种世俗的繁盛感，与早期的内敛含蓄形成鲜明对比。作者巧妙地将哲学思辨融入到对色彩和纹饰的描述中，使得每一件瓷器都成为了特定时代精神的载体。读完后，我再看那些色彩斑斓的器皿，脑海中不再仅仅是“好看”二字，而是浮现出“大明晚期的时代情绪正在通过这些釉彩向外喷薄”的感受，这种由表及里的升华，是任何快餐式的艺术读物都无法给予的深刻体验。

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我是一个对细节有强迫症的藏家（虽然现在主要还是“云收藏”），这本书在器型辨识上的功力，让我叹为观止。它对不同朝代、甚至不同皇帝在位期间，器型轮廓和比例的微小变动，都有详尽的图表对比。比如，明代洪武时期的碗口略微外撇的形态，到永乐时期内收的弧度，再到宣德时期趋于饱满的过渡，书里都用精确的侧视图和等比例的剖面图展示了出来。这种对“形”的执着，是很多通俗读物根本不会触及的层面。我记得有一回，我在一个线上拍卖中看到一个疑似清初的豆青釉瓶，形态上总觉得哪里不对劲，后来对照书里的“康熙早期”和“雍正早期”的器型图鉴，我发现它那个颈部的曲线过度柔和了，明显是后仿或早期失败品。这本书，瞬间提升了我的鉴赏“视力”。

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