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出版者:总后勤部金盾出版社

作者:王肖生

出品人:

页数:91

译者:

出版时间:2003-7

价格:5.50元

装帧:

isbn号码:9787800229978

丛书系列:

图书标签:

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《画语工坊：从零开始的数字绘画指南》 第一章：唤醒你的画布——数字绘画基础与工具选择 欢迎踏入数字绘画的奇妙世界。本章旨在为初学者构建坚实的理论与实践基础，确保你能够自信地拿起数位板，开始你的创作之旅。我们不会讨论任何与“黑板报题图插画”相关的具体风格或内容，而是专注于通用的、跨媒介的数字绘画技法。 1.1 硬件的抉择：数位板、触控屏与传统媒介的对比 工欲善其事，必先利其器。本节将深入剖析当前主流的绘画硬件。我们将详细比较有屏（如Wacom Cintiq、iPad Pro）与无屏（如Wacom Intuos、XP-Pen Deco系列）数位板的优劣。讨论的关键点在于：压力感应层级（如8192级与4096级的实际体验差异）、倾斜感应的作用、以及不同尺寸对手臂和手腕健康的影响。我们还将简要探讨，对于习惯了传统绘画的艺术家，如何平滑过渡到数字环境，以及扫描仪在将传统草图数字化时的最佳设置（如DPI与色彩模式的选择）。 1.2 软件生态图谱：Photoshop、Clip Studio Paint 与 Krita 的深度剖析 选择合适的“画布”——绘画软件，是决定工作流程效率的关键。本章将对当前三大主流软件进行功能性对比，侧重于其核心优势： Adobe Photoshop (PS)： 强大的图层管理、混合模式的无限可能，以及其作为行业标准的地位。我们将重点讲解其“选择工具”和“智能对象”的高级用法，这些是构建复杂场景和后期调整的基础。 Clip Studio Paint (CSP)： 专为插画和漫画设计，其“笔刷引擎”和“3D模型辅助定位”功能是其核心竞争力。我们会用实例演示如何利用CSP的透视尺和材质网格来快速搭建场景骨架，这与传统的纯手工描绘有显著区别。 Krita (开源选择)： 强调其对传统绘画模拟的优秀表现，尤其是其对“油画笔触”和“水彩晕染”的精细化处理。我们会探讨如何自定义Krita的笔刷动态，以达到接近真实媒介的效果。 1.3 笔刷的魔法：从基础笔触到纹理的构建 笔刷是数字绘画的“颜料”。本节将聚焦于笔刷的底层逻辑，而非特定题材的应用。内容包括：笔刷的“形状动态”、“传递效果”、“纹理叠加”等参数的含义。我们将示范如何从零开始构建一个基础的铅笔草稿笔刷、一个平涂上色笔刷和一个用于添加表面细节（如织物或金属光泽）的纹理笔刷。如何导入和使用外部纹理素材，以及如何调整笔刷的“密度”和“不透明度”与压力感应的关联。 第二章：色彩理论与光影的构建——视觉冲击力的核心要素 本章将完全专注于提升作品的视觉表现力，摒弃一切关于主题内容的讨论，聚焦于纯粹的视觉科学。 2.1 色轮的再认识：从传统三原色到数字色彩空间 (RGB/CMYK) 色彩的感知是主观的，但其原理是客观的。本节将深入讲解现代色彩理论在数字环境中的应用。我们会对比RGB（用于屏幕显示）和CMYK（用于印刷输出）的工作流程差异，以及在PS或CSP中如何设置“色彩管理配置文件”以确保颜色的一致性。重点讲解“色相、饱和度、明度 (HSV)”模型，并解释如何利用“互补色”、“邻近色”和“三等分色”来营造特定的情绪氛围（如宁静、紧张或温暖）。 2.2 光的语言：理解环境光、主光与反光的科学 光是塑造体积和空间的关键。本章不会涉及任何“装饰性”的照明，而是侧重于物理学的模拟。我们将分解光源的几种核心类型： 环境光（Ambient Light）： 场景整体的基调光。 主光（Key Light）： 最强的光源，决定物体的主要受光面。 辅助光（Fill Light）： 用于柔化阴影。 轮廓光/边缘光（Rim Light）： 用于分离主体与背景。 我们会用一个简单的几何体模型（如球体和立方体）为例，详细演示“高光”、“中间调”、“投影”、“反光”和“环境遮蔽”的正确绘制顺序与过渡方式，确保光影的逻辑性。 2.3 氛围的渲染：雾效、体积光与景深的处理 要让画面具有深度感，需要模拟空气对光线的散射效果。本节将介绍如何利用“图层模式”和“高斯模糊”等工具来模拟远处的“大气透视”效果。体积光（God Rays）的创建将通过叠加透明度渐变的斜线图层，并配合“颜色减淡”模式来实现。景深（Depth of Field）的模拟则主要依赖于对焦平面前后元素的精确模糊处理，以引导观众的视线。 第三章：透视、构图与空间规划——无声的故事结构 本章旨在教授如何搭建一个稳固的视觉框架，使得画面结构具有逻辑性和引导性。 3.1 掌握几何学：单点、两点与三点透视的精确应用 透视是构建空间深度的基石。本节将摒弃随意画线的习惯，专注于网格的建立。我们将详细讲解如何使用软件内置的透视网格工具（或手动绘制灭点线）来确保水平线和垂直线在不同透视点下的准确收敛。重点分析三点透视（俯视或仰视）在增强视觉冲击力中的作用。 3.2 构图的黄金法则：引导线、平衡与负空间 一个好的构图能瞬间抓住观众的注意力。本章将探讨几种经典的构图方式，并分析它们背后的数学原理： 三分法与黄金分割： 如何将视觉焦点放置在关键的交叉点上。 对角线与S形曲线： 如何利用线条引导视线流畅地浏览画面。 对称与非对称平衡： 在使用大量元素时，如何通过调整色彩权重或元素大小来维持整体的视觉平衡。 负空间 (Negative Space)： 探讨留白区域的战略性应用，以及它如何影响主体物体的感知和氛围的营造。 3.3 细节的层次化处理：由远及近的清晰度管理 为了表现空间感，不同距离的物体需要不同的细节处理。本节将建立一个“清晰度等级表”： 前景（焦点区）： 最高清晰度，锐利的边缘，最强的纹理对比。 中景（主体区）： 适度的细节，柔和的边缘过渡。 背景（远景区）： 极低的细节，模糊的边缘，受环境光影响大，对比度降低。 通过这种分层处理，即使不涉及任何特定主题，画面也能自然地展现出三维空间感。 第四章：工作流优化与项目管理——从草稿到成品的高效迭代 本章关注于提升创作效率和确保项目可维护性，是专业数字艺术家必备的技能。 4.1 规范化的图层管理系统 一个混乱的图层面板是效率的杀手。本节将介绍一套行业推荐的图层命名和分组规范，例如使用颜色代码来区分“草稿层”、“线稿层”、“阴影层”、“高光层”和“效果层”。讨论如何高效使用“图层组”和“智能对象”来管理复杂项目的可修改性。 4.2 非破坏性编辑的艺术 学会“非破坏性编辑”意味着你的每一次修改都不会永久破坏原始信息。我们将深入讲解调整图层（Adjustment Layers）与蒙版（Masks）的协同工作方式。例如，如何使用亮度/对比度调整图层配合图层蒙版，只对画面中的特定区域进行光照修正，而不是直接修改基础颜色层。 4.3 导出与格式选择：面向不同平台的优化 最终成品需要根据投放平台进行优化。本章将指导读者如何根据“Web展示”、“印刷品输出”或“动画参考”等不同需求，正确设置最终导出参数，包括文件格式（PNG, JPEG, TIFF的选择）、色彩空间转换，以及如何压缩文件大小而不损失关键视觉信息。 本书旨在为所有对数字视觉艺术感兴趣的创作者提供一个全面、技术驱动的学习路径，助你掌握数字绘画的核心技法，无论你未来的创作方向如何，这些基础都将是你最坚实的基石。

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这本书的排版布局简直是一场视觉盛宴，它不像传统插画集那样将图片堆砌在一起，而是像在精心布置一个展览。作者似乎深谙“少即是多”的哲学，每一幅画作的呈现都充满了仪式感。通过不同的画框样式和边框粗细，营造出一种流动的叙事感。有时候，一幅画会占据整整两页，细节丰富到让人忍不住凑近细看，那些微妙的光影变化和笔触的走向，都透露出创作者的用心。而在另一些页面，插图可能只有拇指大小，却被放置在一个非常特别的位置，像一个精妙的点睛之笔，引导读者将目光从大开本的文字内容自然地过渡到画面上。这种节奏感的把控，使得阅读过程像是在听一首精心编排的交响乐，高低起伏，张弛有度，让人欲罢不能。

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这本书的选材和主题跨度之大，着实令人惊叹，它绝不仅仅是关于“黑板报”的简单记录。我感觉这更像是一本关于“瞬间定格”和“公共记忆”的视觉档案。从那些充满童趣的卡通形象到那些带有深刻社会隐喻的符号，再到一些极简主义风格的图形设计，每一个选择都显得深思熟虑。它们共同构建了一个丰富多彩的精神世界，让我反思了许多平日里被我们忽略的公共空间中的视觉符号。这些插画不仅仅是装饰，它们似乎在无声地讲述着不同时代、不同群体的心声，是集体潜意识的一种投射。对于任何热爱视觉艺术，或对城市文化符号感兴趣的人来说，这本书都是一本不可多得的灵感宝库。

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阅读体验的舒适度，在这本书上得到了极大的提升。它的开本设计非常友好，既不像A4那么庞大笨重，也比普通的口袋书视野要开阔得多。书页在摊开时，几乎可以做到完全平整，这对于欣赏跨页的大幅作品至关重要，再也不用忍受中间那道让人心烦的折痕了。光线条件不佳时，页面的反光控制得也很好，没有那种塑料感的光泽，即使用台灯直射，画面细节依然清晰可见。这种注重用户体验的设计思路，贯穿了从拿起来到合上的每一个动作，让人感觉这不是一本冰冷的印刷品，而是一个经过人性化打磨的艺术品，让人愿意花上更多的时间，沉浸其中，细细品味每一幅图画背后的故事和情感。

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看到这本书的名字，我就忍不住想翻开看看。它的封面设计非常简洁，纯粹的白色背景上，只有几个简约的线条勾勒出的图案，给人一种干净、清爽的感觉，就像黑板擦过后的样子，留下了淡淡的痕迹。内页的纸张质感很好，摸起来细腻柔滑，油墨印刷的色彩饱满而不刺眼，即便是大面积的黑色，也显得沉稳厚重。我尤其喜欢它对留白的处理，大面积的空白区域仿佛在引导读者的思绪，让人在欣赏那些精心挑选的插画时，不会感到视觉疲劳。每一页的排版都经过了细致的考量，图文的比例恰到好处，既突出了主体画面，又留给读者足够的想象空间。这本书的装帧也相当考究，平装书的边缘处理得非常平整，打开时不会有任何不适感，无论是日常阅读还是收藏，都是一个不错的选择。

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拿到这本书的瞬间，我最直观的感受就是其材料的扎实和印刷的精湛。纸张的克重拿在手里非常有分量感，并非那种轻飘飘的廉价纸张，即使用力按压，也能感受到纤维的紧密感。特别是那些需要表现深色背景的插画，黑色墨水的饱和度极高，没有出现任何泛白或墨迹不均的现象，这对于表现力强的插画艺术来说至关重要。装订工艺也值得称赞，书脊连接处处理得非常牢固，翻阅时不用担心书页脱落，这让经常需要反复翻看的读者感到非常安心。即便是长期使用，我想它的品相也能保持得很好，足见出版方在制作环节上的严格把控，这绝对是一本可以珍藏的实体书。

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