老照片翻新技术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海科学技术文献出版社

作者:程家钊

出品人:

页数:91

译者:

出版时间:2000-9

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787543915374

丛书系列:

图书标签:

• 老照片
• 修复
• 图像处理
• 数码技术
• 怀旧
• 摄影
• 历史
• 回忆
• 图像增强
• 数字化

好的，这是一份关于一本假设名为《数字艺术的未来：从像素到沉浸式体验》的图书简介，其内容完全不涉及《老照片翻新技术》中的任何主题。 --- 图书简介：数字艺术的未来：从像素到沉浸式体验 作者： [此处可想象一位资深跨学科研究者或行业专家] 出版社： [此处可想象一家专注于科技与艺术交叉领域的专业出版社] ISBN： [虚拟编号] 页数： 约 600 页 定价： [虚拟价格] --- 导言：穿越媒介的界限 在二十一世纪的第二个十年之后，我们观察到艺术创作的中心正在发生一场深刻的、结构性的转移。数字技术不再仅仅是传统艺术形式的辅助工具，它已然演化成为一种全新的、拥有自身独特语法和物理规律的创作本体。本书《数字艺术的未来：从像素到沉浸式体验》并非一部关于软件操作的手册，而是一次对驱动当代视觉、听觉及交互艺术前沿运动的核心哲学、技术基础与社会影响的深度剖析。 我们生活在一个由算法、数据流和实时渲染构筑的景观之中。从高分辨率的屏幕显示到完全沉浸的虚拟现实环境，艺术的载体已经从固定的画布转向了流动的、可塑的数字空间。本书旨在为艺术家、策展人、技术开发者以及对未来文化形态抱有好奇心的读者，提供一个清晰的路线图，理解这场技术驱动的美学革命是如何从早期的计算机图形学发展而来，并最终塑造出我们今日所见的各种创新性表达形式。 第一部分：像素的诗学与算法的笔触 本部分深入探讨了数字艺术的“物质性”——即构成数字世界的最小单位：像素，以及驱动这些单位运动的逻辑：算法。 第一章：像素的再定义：从栅格到光场 像素不再是简单的彩色方块。本章追溯了从早期的位图（Bitmap）技术到矢量图形（Vector Graphics）范式的演进，并重点探讨了超高分辨率显示技术（如Micro-LED、量子点）如何模糊了“屏幕”与“真实”之间的界限。我们将分析色彩空间管理（如ACES工作流程）在数字叙事中的关键作用，以及光线追踪（Ray Tracing）技术如何从性能瓶颈转变为实现超真实感视觉的基石。我们将研究那些故意“破坏”像素结构，以创造出独特的故障艺术（Glitch Art）美学的实践者。 第二章：生成性艺术的核心驱动力：算法与数据的共生 生成性艺术（Generative Art）是当代数字创作中最具活力的领域之一。本章将全面解析构成生成系统的核心算法，包括但不限于L-系统、元胞自动机（Cellular Automata）以及分形几何（Fractal Geometry）在视觉结构中的应用。重点部分在于探讨“种子数据”（Seed Data）如何影响最终的艺术产出。我们不谈论如何编码，而是关注于代码如何成为一种“意图的载体”，以及艺术家如何通过精妙的参数设置来驯服或释放数学的随机性。此外，本章还将讨论反馈循环（Feedback Loops）机制在创造动态、不可预测艺术作品中的作用。 第三章：从2D到深度：三维建模的拓扑学基础 三维空间在数字艺术中的复兴，使得艺术家能够直接操控空间而非平面。本章细致考察了多边形网格（Polygon Meshes）、细分曲面（Subdivision Surfaces）和NURBS建模技术背后的几何原理。我们关注的焦点在于“拓扑结构”——即物体在变形过程中保持不变的内在属性，这对于实现流畅的动态效果至关重要。本部分也涵盖了数字雕塑的流程，以及如何将物理世界的测量数据（如3D扫描）无缝地整合进数字创作管线。 第二部分：沉浸式体验的设计与构建 随着硬件能力的爆炸式增长，数字艺术的展示空间已不再局限于画廊的白墙，而是扩展到了用户自身的感知范围之内。 第四章：虚拟现实（VR）的叙事重构：空间感知的心理学 VR是当前最引人注目的媒介。本章从人机交互（HCI）和认知心理学的角度，探讨了“临场感”（Presence）和“沉浸感”（Immersion）的差异与联系。我们分析了如何通过视听同步、头部追踪的延迟最小化以及环境音效设计，来欺骗大脑，使其相信身处虚拟空间之中。此外，本章批判性地审视了VR叙事中“主体性”的丧失与重塑问题，以及如何利用非传统运动方式来避免用户晕动症。 第五章：增强现实（AR）的介入：现实的叠加与增强 增强现实（AR）是数字艺术与日常环境交织的艺术。本章聚焦于空间锚定（Spatial Anchoring）、追踪算法（SLAM）以及图像识别技术在艺术创作中的应用。我们探讨了AR如何使艺术作品具有“情境性”——即作品的意义会随着其所处的物理位置和时间而发生改变。案例研究包括公共空间中的数字雕塑、基于地理位置的互动叙事，以及如何利用移动设备作为“数字之眼”来揭示隐藏的视觉信息层。 第六章：实时渲染引擎：艺术家的数字“画室” 现代游戏引擎（如Unreal Engine, Unity）已经成为强大的通用艺术工具。本章剖析了实时渲染管线的工作机制，特别是PBR（基于物理的渲染）模型如何使数字材质更具可信度。我们重点分析了数字艺术家如何利用这些引擎的物理模拟功能（如流体动力学、布料模拟）来创造高度逼真的动态场景，超越了传统动画的逐帧绘制模式，进入了基于实时模拟的创作范畴。 第三部分：新兴边界与伦理思考 本书的收官部分将目光投向了驱动未来艺术实践的更宏大、更具争议性的技术浪潮。 第七章：交互性与身体：从控制器到生物反馈 艺术的未来在于对话而非单向输出。本章探讨了如何通过生物反馈设备（如脑电图EEG、心率监测）或复杂的身体追踪系统（如深度传感器），使观众的生理状态直接成为艺术作品的输入参数。我们分析了“参与者体验”（Participant Experience）的设计原则，以及如何构建能够根据观众情绪实时改变其形态和声场的动态装置。 第八章：区块链、NFTs与数字所有权的再定义 数字作品的稀缺性与所有权一直是难以解决的问题。本章将区块链技术（Blockchain）视为一种身份验证和所有权确认的协议，而非单纯的金融工具。我们详细分析了智能合约（Smart Contracts）在版税分配、作品授权方面的潜力与局限。本章旨在澄清围绕NFTs的炒作，聚焦于其对数字艺术品长期保存和价值认可机制的真正革新。 第九章：人工智能（AI）作为合作者：创造力的边界延伸 生成式对抗网络（GANs）、扩散模型（Diffusion Models）正在重塑创作过程。本章将AI视为一种“非人类的视角”或“超维度的助手”。我们探讨了艺术家如何通过训练数据集（Training Data）来塑造AI的审美偏好，以及“提示词工程”（Prompt Engineering）如何成为一种新的艺术技能。讨论的核心是：当机器生成视觉内容时，人类艺术家的角色从执行者转向了策展人、引导者和定义最终美学标准的权威。 结语：通往下一代感知的门户 《数字艺术的未来：从像素到沉浸式体验》总结道，我们正处于一个前所未有的创作爆炸期。数字艺术的价值不再仅仅体现在其视觉的震撼力上，而在于它重塑了我们体验空间、时间、叙事乃至自我意识的能力。本书期望成为读者理解并参与这场深刻变革的必备指南。 --- 目标读者群： 专注于媒体艺术、交互设计、计算机图形学、当代艺术理论研究的学者、专业设计师、艺术家、以及对未来技术文化感兴趣的普通读者。

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我花了很长时间寻找一本能够系统讲解“非标准”老照片修复的教材，市面上大部分资源都集中在数码相机拍摄的图片后期上。当我接触到《老照片翻新技术》时，我立刻意识到我找到了宝藏。这本书最独特的地方在于它对“物理损伤”处理的深度挖掘。它不是简单地教你怎么用AI一键抹平，而是非常细致地讲解了如何应对照片老化过程中出现的“硫化”现象，以及处理老式相框背板留下的深层印记。书中有一个关于“去除底片霉斑”的章节，详细分析了不同类型霉菌对银盐层的影响，并推荐了使用特定频率的紫外光辅助观察，这绝对是教科书级别的内容。它甚至讨论了不同扫描仪的“反射扫描”与“透射扫描”在获取原始数据层面的差异对后续修复工作的影响。这本书的作者显然是一位拥有多年实战经验的修复师，他不会放过任何一个可能导致最终效果失真的细节。对于那些希望深入研究老照片档案修复，或者打算从事专业定制修复服务的读者来说，这本书提供的技术深度和理论支撑，是其他入门书籍无法比拟的，它真正做到了“授人以渔”，教会你如何“诊断”和“对症下药”。

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这本《老照片翻新技术》的排版和视觉呈现方式，简直是业界的一个标杆。我是一个对阅读体验要求很高的人，如果一本书内容再好，排版混乱或者图文分离严重，我基本都会放弃。这本书在这方面做到了极致的平衡。首先，它的色彩模式选择非常讲究，即便是介绍低级色调调整的章节，所配的范例图都是高分辨率、色彩精准的，避免了因屏幕显示差异造成的误导。其次，作者在介绍复杂步骤时，大量使用了“分层叠加”的图示，每一个步骤的分解都清晰到令人发指——比如，当需要进行局部锐化时，它会用不同透明度的叠加层来模拟操作前后的对比效果，让你在不实际操作软件的情况下，就能预判出效果。更让我惊喜的是，书中还穿插了大量的“快捷键速查表”和“常用笔刷下载链接”，这些都是作者在实际工作流程中总结出来的“效率工具包”，非常实用。我感觉作者是在用一种极度尊重读者的态度来编写这本书，把所有可能影响阅读流畅度和操作准确性的障碍都提前扫清了。这本书本身就是一次精美的影像成品展示。

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这本《老照片翻新技术》简直是为我这种怀旧又有点技术恐惧症的人量身定做的！我一直都梦想着能把那些泛黄、边缘卷曲的家族老照片恢复原貌，但每次打开那些复杂的软件教程，头都大了。这本书的厉害之处在于，它真的把“技术”这个词用一种极其温和的方式呈现出来了。作者似乎非常理解初学者的痛点，开篇不是一堆晦涩的参数解释，而是从“认识你的照片”开始，教你如何判断照片的损伤类型——是霉斑、是褪色，还是简单的折痕。这种由浅入深，先定性后定量的引导方式，让我感觉不像是在学软件操作，更像是在接受一位经验丰富的老技师的“私教课”。特别是关于色彩还原的那一章，我之前总觉得老照片的色彩恢复是个玄学，但书里通过几个清晰的对比案例，展示了如何利用软件中的“曲线”和“色阶”工具，精准地找回照片原本的韵味，而不是一味地追求“新”。我跟着操作了好几张我爷爷年轻时的黑白照，效果令人惊喜，那种沉淀了岁月的美感，被恰到好处地“唤醒”了，而不是被生硬地“修补”掉了。如果说有什么遗憾，可能是一些更前沿的AI修复技术探讨得还不够深入，但对于我这种主要修复上世纪中叶纸质照片的需求来说，这本书的深度和广度已经绰绰有余了。

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说实话，我买这本书纯粹是出于好奇，想看看所谓的“翻新”到底能达到什么程度。我本身是个业余的摄影爱好者，对后期处理略有涉猎，但对老照片修复一直心存芥蒂，总觉得那份年代感一去不复返。这本书的叙事风格非常口语化，像是邻家长辈在分享经验，少了些教科书的刻板，多了几分人情味。我尤其喜欢它在“情感连接”上所下的功夫。它没有直接跳入软件界面，而是用大量的篇幅引导读者去思考“保留什么”和“舍弃什么”。例如，在处理一张战争时期留下的老照片时，书里讨论了如何区别“历史痕迹”（如弹孔、污渍）和“技术缺陷”（如曝光过度、跑焦），并建议对前者进行“弱化处理”而非“彻底清除”，以保持照片的历史真实感。这种哲学层面的探讨，让修复工作有了一种温度。当我实际操作时，我发现这种“适度”的原则极大地解放了我的思维。我不再担心把照片修得太“假”，因为书里提供的判断标准是建立在对历史和情感的尊重之上的。这本书的价值，已经超越了纯粹的技术手册范畴，它更像是一本关于“如何与过去对话”的指南。

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我带着一种近乎挑剔的眼光翻开了这本《老照片翻新技术》，因为市面上关于“修复”的书籍太多，大多都是浮于表面的操作演示，看完依然找不到解决特定问题的捷径。然而，这本书的逻辑结构非常严谨，更像是一本专业的影像处理手册，而非简单的操作指南。它花了大量的篇幅去探讨“材料学”与“数字成像”之间的桥梁——比如，如何处理不同年代相纸的颗粒感，以及胶片扫描时分辨率的最佳设置。最让我印象深刻的是关于“除尘和去噪点”的章节，作者详细对比了“污点修复画笔”、“仿制图章”和新兴的“内容识别填充”在处理不同类型瑕疵时的优缺点和适用场景。书中举了一个处理旧照片边缘撕裂的案例，步骤拆解得极其细致，每一步都有原理性的阐述，让我明白了“为什么”要这么做，而不是单纯地“怎么做”。这种对底层原理的挖掘，极大地提升了我对修复过程的掌控感。我甚至开始反思自己过去盲目套用预设滤镜的错误做法。这本书的专业性，使得它不仅仅是一本工具书，更是一部提升个人影像鉴赏和处理水平的进阶读物。它要求读者有一定的基础知识，但回报是让你从“会用工具”上升到“精通技艺”。

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