现代工笔画表现实技

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页数:70
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出版时间:2001-6
价格:36.00元
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isbn号码:9787531427995
丛书系列:
图书标签:
  • 工笔画
  • 绘画技法
  • 绘画教学
  • 中国画
  • 绘画
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  • 技法
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  • 现代绘画
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具体描述

现代工笔画表现实技,ISBN:9787531427995,作者:吴桂香,何平著

《水墨意韵:古法今传山水画解析》 本书将带您穿越时光的河流,探寻中国山水画博大精深的奥秘。我们将从源头追溯,深入剖析从魏晋南北朝的“青绿山水”,到宋元时期的“写意山水”,再到明清时期各家各派的风格演变。每一个时期,都将结合经典的传世名作,例如王维的“诗中有画”,范宽的“雄浑苍茫”,郭熙的“可行、可望、可游、可居”,倪瓒的“孤寂清雅”,以及清代“四王”的严谨与“扬州八怪”的奔放,进行细致入微的解读。 我们将重点关注山水画的“笔墨”二字,这是中国画的灵魂所在。从勾、皴、擦、点、染等基本用笔技法,到干湿浓淡的用墨变化,再到设色的学问,本书都将一一讲解。我们将学习如何通过笔墨的刚柔、轻重、缓急,表现出山峦的巍峨、流水的情态、云雾的缥缈、树石的质感。例如,书中会详细讲解披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴等各种皴法的特点及其适用的表现对象,以及“点”在构图中的作用,如何用大小、疏密、虚实不同的点来丰富画面层次。 构图是山水画的骨架,本书将深入探讨中国山水画的独特构图法则。我们将学习“计白当黑”、“虚实相生”的原理,以及如何运用“三远法”(高远、深远、平远)来营造空间感和深度。书中将引导读者理解“借景”、“移情”的创作理念,如何将自然景物与个人情感融为一体,达到“应物象形”与“抒情达意”的统一。我们将分析经典构图的妙处,例如“高山流水”的壮阔,“平沙落雁”的宁静,“春山如笑”的生机。 此外,本书还将涉及山水画的审美品鉴。我们将探讨中国传统山水画所蕴含的哲学思想,如“天人合一”、“道法自然”,以及其背后所体现的文人情怀和审美追求。读者将学会从画面整体的意境、笔墨的韵味、色彩的和谐、构图的巧妙等方面去欣赏一幅山水画作品。 本书内容丰富,理论结合实践,旨在帮助有志于学习中国山水画的爱好者和初学者,打下坚实的传统基础,掌握核心的技法要领,培养独特的艺术眼光,从而能够独立创作出具有中国传统韵味的优秀山水画作品。无论您是初次接触水墨艺术,还是希望深化对传统山水画的理解,本书都将是您不可多得的良师益友。

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读后感

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用户评价

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本书在构图方面的讲解也让我受益匪浅。我一直以为构图就是把东西摆好看就行,但这本书让我认识到,构图是一门非常讲究的学问,它直接关系到画面的传达效果和艺术感染力。作者从中国画的“计白当黑”、“虚实相生”等传统构图原则出发,结合现代绘画的透视、比例等元素,为我们提供了非常多实用的构图方法。他会分析不同构图方式所能带来的视觉感受,例如,将主体放在画面黄金分割点上,可以使画面更加稳定和谐;运用“S”形构图,可以增加画面的流动性和韵律感。而且,作者还强调了“留白”的重要性,认为画面中的留白不仅仅是空白,更是画面的有机组成部分,能够引导观者的视线,营造画面的意境。我尤其喜欢书中对一些不同风格作品构图的分析,例如,一幅描绘山水的工笔画,是如何通过虚实对比和高低错落来营造出深邃的意境;一幅人物肖像,又是如何通过简洁的背景和人物的眼神来突出人物的情感。这些分析让我明白了,好的构图能够让画面“说话”,能够引领观者进入画面的世界,去感受其中蕴含的情感和思想。

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在技法讲解的部分,这本书更是下足了功夫。作者的讲解条理清晰,由浅入深,从最基础的笔法、墨法,到具体的设色、渲染,再到最后的装裱、题款,几乎涵盖了工笔画创作的全过程。让我印象深刻的是,作者在讲解每一项技法时,都会结合具体的实例,展示技法是如何应用在作品中的。例如,在讲解“分染”技法时,他会用一幅详细的步骤图,展示如何通过多次、不同层次的渲染,塑造出物体立体的体积感和微妙的色彩变化。而且,作者并没有回避一些“难点”,比如如何在宣纸上表现金属的光泽感,或者如何运用石青、石绿等矿物颜料而不失其鲜亮。他会提供一些非常实用的“小窍门”,例如在处理金属质感时,可以在底层先用墨色打底,再层层叠加石青、银朱等,通过对光影的处理,最终呈现出耀眼的效果。这些具体而微的讲解,让我觉得非常实用,也让我明白了,很多看起来高深的技巧,其实都有其内在的逻辑和方法,只要用心去学习和实践,都能够掌握。

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我对这本书的另一个赞赏之处在于,它并没有将工笔画的创作局限于工作室。作者在书中也分享了一些关于户外写生和速写的心得,以及如何将这些素材融入到工笔画创作中。他会讲解如何快速捕捉物体的轮廓和动态,如何在写生的过程中,提炼出有价值的元素,以及如何将这些元素在工笔画中进行二次创作。这一点对我来说尤为重要,因为我之前一直觉得工笔画的创作过程比较“封闭”,需要在一个非常安静、稳定的环境中进行。但是,这本书让我看到了工笔画的另一种可能性,它也可以是充满活力、贴近生活的。例如,作者在讲解如何表现花卉的生长姿态时,会提到从野外观察花朵在风中的摇曳,然后在工作室根据记忆和速写进行创作,这样创作出来的花卉,才会显得更加生动自然,富有生命力。这种将写生与创作相结合的方法,让我觉得工笔画的学习变得更加有趣和灵活,也让我能够更积极地去观察和体验生活,从中寻找创作的灵感。

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在学习工笔画的过程中,很多时候都会遇到一些瓶颈,比如找不到创作的灵感,或者技法上遇到了困难。而这本书恰恰提供了一个非常好的“解困”平台。作者在书中不仅仅是传授技法,更重要的是,他分享了很多关于如何培养艺术感觉、如何寻找创作灵感的方法。他会鼓励我们多去观察生活,多去体验自然,并将这些体验转化为创作的源泉。他还会分享一些艺术家是如何从生活细节中发现艺术,例如,如何从一片落叶的脉络中,联想到抽象的线条;如何从一段优美的旋律中,提取色彩的灵感。而且,作者还提到了“意到笔随”的境界,强调在创作过程中,不仅要有扎实的技法,更要有丰富的内心世界和敏锐的艺术感受力。他会分析一些作品是如何通过“传神”来达到艺术的高峰,例如,一幅描绘动物的作品,是如何通过对动物眼神和神态的刻画,来赋予作品生命力。这些关于艺术感悟的分享,让我觉得这本书不仅仅是一本工具书,更像是一位经验丰富的导师,在指引我在艺术的道路上不断前进。

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《现代工笔画表现实技》这本书,老实说,我当初买它的时候,是抱着一种既期待又有点忐忑的心情。期待的是,它能给我带来一些新的启发,让我在工笔画的道路上更进一步;忐忑的是,我怕它只是一些空洞的理论,或者是一些我难以企及的高深技巧,读起来会枯燥乏味,甚至打击我的信心。然而,翻开第一页,我的顾虑就消散了大半。这本书的开篇,并没有直接抛出复杂的技法,而是从工笔画的历史溯源、发展脉络以及其在当代艺术语境下的定位入手,为我们构建了一个宏观的认知框架。作者对传统工笔画的理解深入骨髓,同时又能敏锐地捕捉到当代艺术的潮流,将两者巧妙地融合。他没有简单地复述那些我们熟知的历史故事,而是挖掘出了一些鲜为人知的细节,并且旁征博引,让我看到了工笔画背后更丰富的文化内涵。这种“温故而知新”的讲述方式,让我觉得这本书的价值远不止于技法指导,更是一种艺术史的梳理和鉴赏的引导。特别是关于工笔画在不同历史时期所承载的社会功能和审美取向的分析,让我对这门古老画种有了全新的认识,也为我后续的学习打下了坚实的基础,让我明白,真正的“表现实技”并非凭空而来,而是建立在对传统精髓的深刻理解之上。

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这本书给我的另一个重要启示是关于“创新”与“守成”的关系。在当下,很多人都在讨论中国画的创新问题,但很多时候,创新会被理解为对传统的颠覆,甚至是全盘否定。然而,这本书的作者却提供了一种更为审慎和有建设性的视角。他认为,真正的创新,应该是在深刻理解传统的基础上进行的“变”和“化”,而不是简单的“改”和“换”。他通过分析大量作品,展示了艺术家们如何在传承经典的同时,融入自己的思考和时代精神,从而创作出既有传统底蕴又不失时代气息的作品。例如,在解读一幅以现代建筑为题材的工笔画时,作者会分析画家是如何借鉴中国画的写意精神,将建筑的硬朗线条与水墨的晕染相结合,既表现了建筑的结构美,又赋予了画面灵动的生命力。这种对创新的理解,让我感到豁然开朗,也让我明白,作为学习者,我们不应该害怕借鉴和学习,而应该在学习的过程中,找到属于自己的独特风格和表现方式,让传统在新的时代焕发新的生机。

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除了对传统技法的细致讲解,这本书更注重“表现”二字。作者认为,现代工笔画的魅力不仅在于其精湛的技艺,更在于其所传达的情感和思想。因此,在技法之外,他对如何运用工笔画的语言来“表现”现代人的生活、情感和精神世界,进行了深入的探讨。他会分析一些作品是如何通过人物的眼神、姿态,来传达内心的情感;如何通过色彩的冷暖、明暗,来烘托画面的氛围;如何通过构图的疏密、虚实,来营造画面的意境。例如,在描写一幅描绘都市白领生活的作品时,作者会分析画家是如何通过人物细腻的面部表情和肢体语言,来捕捉人物的疲惫、焦虑,或者是一丝不易察觉的希望。这种对“表现力”的强调,让我意识到,工笔画不仅仅是技巧的展示,更是情感的载体,是思想的媒介。这本书让我明白,要创作出真正动人的作品,必须将技法与情感、思想融为一体,让每一笔、每一色都能够为画面的整体表现服务。

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书中的选例部分,是让我最为惊喜的一环。我原本以为会是一些我们常见的大师作品,然后配上一些程式化的分析。但这本书的选例非常独到,既有继承传统的大家之作,更有众多新生代艺术家充满创意和时代感的作品。作者并没有简单地罗列这些作品,而是深入剖析了每一幅作品在构图、色彩、笔墨以及主题表达上的独到之处。他会详细讲解作者是如何运用传统工笔的细腻笔触去表现现代生活的场景,如何将西方绘画的写实技巧融入到东方审美的意境之中。例如,在分析一幅描绘城市夜景的工笔画时,作者会详细讲解画家是如何通过对灯光、色彩的精妙处理,营造出一种既真实又梦幻的氛围,而这种氛围的营造,又离不开工笔画特有的层层渲染和细节刻画。这种分析并非流于表面,而是真正触及了作品的灵魂,让我从中学到了很多“不能言传”的秘诀。更重要的是,这些作品的展示,让我看到了工笔画在当代的无限可能性,不再局限于花鸟、人物的传统题材,而是能够触及生活中的每一个角落,表达每一个个体的声音。这极大地拓宽了我的视野,也让我对自己的创作充满了信心。

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最后,我想说的是,这本书的装帧设计也非常精美。无论从纸张的质感、印刷的清晰度,还是整体的排版布局,都能感受到出版方和作者的用心。书中的插图和示例作品都非常清晰,色彩还原度也很高,这对于我们学习工笔画来说,是非常重要的。同时,书中使用的文字也通俗易懂,没有过多的专业术语,使得即使是初学者也能够轻松阅读。这本书不仅仅是一本教授绘画技巧的书籍,它更像是一扇窗户,让我得以窥见工笔画艺术的广阔天地,感受中国传统文化的魅力。它点燃了我对工笔画的热情,也给了我继续探索和学习的动力。我会把它作为我学习工笔画的案头必备,并时不时地翻阅,从中汲取新的养分。我相信,在它的指引下,我的工笔画技艺一定能够不断提升,创作出更多令人满意的作品。

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在色彩运用方面,这本书的讲解同样令人耳目一新。我一直以来对色彩的把握都不是特别自信,总觉得工笔画的色彩搭配很难拿捏。但这本书提供了非常系统性的色彩理论和实践指导。作者不仅讲解了冷暖色调、对比色、互补色等基本概念,更重要的是,他分析了不同色彩在工笔画中所能传达的心理感受和象征意义。他会举例说明,为什么在表现春天的生机勃勃时,会多用绿色和黄色;为什么在表现庄重典雅时,会偏爱青色和白色。而且,作者还分享了一些非常实用的色彩搭配技巧,例如如何运用“邻近色”来营造柔和的过渡,如何运用“撞色”来突出画面的焦点。在讲解矿物颜料的使用时,他还特别强调了不同颜料的特性和调色方法,以及如何通过叠加和罩染来获得丰富的色彩层次。这些讲解让我受益匪浅,也让我对色彩的运用充满了信心,明白色彩不仅仅是简单的涂抹,更是表达情感和塑造画面的重要手段。

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