谈到油画风景画,我们首先追寻到美术史,人们一
定会想到法国风景画,想到巴比松画派与柯罗以及印象
主义画派和后印象派。
法国风景画早在14世纪的细密画上就有迹象了。然
而只是到17、18世纪的普桑、洛朗、佛那戈那尔等画家的
作品中,才具有真正的意义,以至于后来受到荷兰、英国
的风景画派和康斯坦堡等人的影响。在现实主义思潮的
推动下,法国油画风景画出现了空前繁荣的局面,取得
了辉煌成就,对整个欧洲油画风景画的发展产生了巨大
的影响。
在19世纪法国风景画繁荣时期,主要代表人物有卢
邦、格雷西、拉庇托等。尔后的风景画家们选择枫丹白
露,生活在巴比松进行艺术实践,使得法国油画风景画
达到了真正的顶峰。形成的巴比松画派,主要的代表人
物有:米歇尔、卡巴、卢梭、迪兹、杜伯勒、特罗容、杜庇尼
等,不仅仅局限这一画派,还有具有很高艺术成就的米
勒、柯罗。
巴比松画派的画家,都是走出画室,到大自然中去
直接写生,把握大自然的灿烂色调,表现现实特征而创
造真实而生动的艺术作品,因而推动了现实主义风格的
油画风景画的发展。
印象主义画派和后印象派的产生与过去的传统有
着密切的联系,这一时期也产生了许多有成就的画家和
风景画作品。具有代表性的人物有:马奈、莫奈、毕沙罗、
西斯莱、修拉、塞尚、高庚、凡高等。他们的作品无论是在
色彩表现上,还是在造型艺术上都是一场空前的革命。
油画风景画的历史是如此悠久,那么,我们将如何
画好油画风景呢?
大自然赐予给我们的景物是丰富多彩的,也是变化
无穷的。然而,我们在进行油画风景写生时,不可能包罗
万象,一定要注意正确的表现方法和步骤。
首先是选景。面对大自然要有感而发,去发现、去挖
掘自然所提供给我们的美景,要用,心去找它,要有立意,
要有激情,要感受大自然的蓬勃生机。这样,才能真正地
画好一张油画风景画。
其次,就是如何构图。构图是油画风景画的关键所
在。油画风景画的构图往往要加以处理与组织,有别于
人物画、静物画,它们都是在作画之前经过精心地设计,
构图时就相对容易得多。在大自然景物中有许多东西,
而在油画风景画的构图中却要进行取舍,有的需要作一
些变动和搬移,要根据油画风景画的立意和表现形式来
加以完成。
在构图中,要注意处理好画面的结构关系、主次关
系,突出景物的主体部分,以主体部分为中心来安排其
它的景物;合理地确定地平线的位置,因为它对油画风
景画的空间效果起着决定性的作用。与此同时,在油画
风景画构图中,要正确地处理三景关系――――近景、中景、
远景的关系。往往中景部分应该是主体部分,另外还要
注意处理三景的透视关系和空间关系,强调变化,注重
丰富性,这样就会产生一种深远的真实感。
初学画油画风景,往往应该先多画一些小构图稿,
从中找出最理想的构图;然后画素描稿,力求严格、认真
和仔细,在这一过程中,明确景物的透视、空间、层次和
结构关系,这样就有助于下一步骤――――油画色彩的表现。
油画风景画着色过程,有别于在室内画人物画和静
物画。由于光线变化快,把握一开始的色彩感受非常重
要,铺大体色一定要注意力集中而且动作要迅速快捷。
只有大体的色调关系把握住了,随后进行深入刻画和塑
造才会显得得心应手。首先要明确油画风景画的色彩倾
向,从而确定色彩的基调。铺色过程一般从暗部开始入
手,先画大的色彩关系,比较几块暗色块和明色块的冷
暖关系,从画面的主体部分逐渐延伸开,边画边比较,视
线不要停留在某一局部上,一定要注意画面的整体感。
大体色铺定后,大的色彩关系、色调基本确定了,再着手
从画面的主要部分开始具体刻画和塑造。在深入的过程
中千万要注意不断地调整大关系,以画面完整、色调舒
服为原则,强调表现性、注重艺术性,切勿被动地被自然
景观所左右,否则,画出的油画风景作品将不可能产生
感染力。
画油画风景,有着地理、季节、时间的变化。不同地
区,有着不同的特点、不同的风情;不同的季节、不同的
时间、有着不同的色调特征。比如:高原与大海、春天与
秋天、早晨与黄昏、晴天与阴天、雨天与雪天的特征和色
调有着本质的区别。因此在画油画风景的过程中,一定
要认真地分析与研究并加以比较,从而抓住特点加以强
调,这样才会产生感人的油画风景画。
总之,在画油画风景的过程中,主要要求的是真挚、
纯洁、富有情趣,追求自己所思、所想、所画同自己所见
东西的和谐一致。决不放过自己心中的感受,用心去画,
在画中不断地磨炼自己的语言形式和表现技巧,坚信自
己的敏感和直接印象。只要自觉而真诚,其它无需担心,
就一定能如愿以偿地画出好的油画风景画。
(作者系油画系副教授)
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说实话,我以前画风景画总是很迷茫,总觉得自己的画面缺少一种“生气”,或者说,总感觉画出来的东西是平面的、死板的。直到我接触了这本书里关于“构图的动态平衡”那一章节,我才找到了症结所在。作者非常巧妙地运用了许多古典绘画的构图法则,但他的解读方式极其现代和灵活。他没有生搬硬套那些传统的“三分法”或“黄金分割”,而是强调如何利用画面的线条引导观者的视线,如何通过前景、中景和背景的元素布局,创造出一种视觉上的节奏感和韵律美。我特别喜欢他分析“引导线”的那段论述,他指出,河流、小路甚至是树木的走向,都可以成为引导观众深入画面的“邀请函”。书中配的那些范例图(虽然我这里不谈论具体的画面内容),它们的构图简直是教科书级别的示范,每一个元素的位置都似乎经过了深思熟虑,却又看起来浑然天成,毫不做作。读完这一部分,我立刻尝试着重新审视我自己的几幅半成品,惊讶地发现,仅仅是微调了地平线的高度和一棵树的位置,整个画面的空间感和故事性就立刻提升了一个档次。
评分整本书的阅读体验,就像进行了一次漫长而充实的“精神漫游”。它不仅仅是关于“如何画风景”,更多的是关于“如何成为一个更专注、更有感悟力的观察者”。作者在穿插技法讲解的同时,不断地提醒读者要保持好奇心和对自然的敬畏。他分享了他多年来写生过程中的一些小故事和心得体会,这些片段虽然不是直接的绘画教程,但却极大地丰富了我的阅读体验,让我感受到了创作者背后的心路历程。比如,他描述在偏远地区写生时,如何与当地环境进行“无声的交流”,如何克服外界干扰,将内心的感受融入到笔触之中。这种哲学层面的探讨,让这本书脱离了一般的技法书的范畴,上升到了艺术修养的高度。它激励着我,不仅仅是作为一个“画匠”去模仿自然,更是作为一个“表达者”去诠释自然赋予我的情感冲击。合上书本的那一刻,我没有急着去拿起画笔,而是更想走到窗边,好好地、再一次地审视窗外那片平凡的景色,用这本书里学到的“新眼睛”去看待它。
评分这本书的讲解方式,可以说是将高深的艺术理论“去学院化”了。它不像那些硬邦邦的美术史教材,充满了晦涩难懂的术语。相反,作者的语言风格非常亲切,带着一种老派绅士的睿智和幽默感。特别是他谈论颜料和媒介特性的那几页,简直是妙趣横生。比如,他会用一种近乎拟人的方式去描述不同油画颜料的“脾气”——这个颜色“沉稳内敛”,那个颜色则“热情奔放,难以驾驭”。他会深入浅出地讲解不同油层叠加的原理,以及如何利用稀释剂和媒介剂来控制颜料的流动性,从而达到你想要的那种笔触效果。对于初学者来说,这部分内容无疑是打消疑虑的定心丸;而对于有一定基础的画者,则能从中找到优化自己材料处理方法的灵感。他强调,了解材料的“本性”,才能更好地去“驯服”它,让它为你服务,而不是被材料牵着鼻子走。这种对工具的尊重和理解,让我对油画的实践过程充满了敬畏和期待。
评分我是一个对色彩非常敏感的人,但常常在“如何调出想要的颜色”这个问题上卡住。这本书中专门有一个章节是对“色彩关系的解构与重构”,这对我来说价值连城。作者没有简单地罗列色轮上的知识点,而是从自然界中提取色彩组合的规律。他花了大篇幅去探讨“环境色”和“固有色”之间的辩证关系,这一点在风景画中尤其关键。他指出,我们肉眼看到的物体颜色,无时无刻不在被周围环境的光线和反射光所影响,因此,刻板地使用固有色只会让画面显得扁平。书中通过对比图例(这里不对具体内容描述),清晰地展示了如何通过微妙地调整阴影中的冷暖对比,来增强画面的立体感和空气感。更重要的是,他教导我们如何建立自己的“色彩和谐系统”,避免画面中出现“脏乱”的色彩,确保整体色调的统一性,同时又不失色彩的鲜活度。读完这部分,我开始尝试用更开放的眼光去看待我周围的色彩世界,不再局限于“天空是蓝的,树叶是绿的”这种初级认知。
评分这本书拿到手的时候,我就被它封面的那种厚重感和油画特有的肌理感深深吸引住了。我原本以为这只是一本单纯的“教你画风景”的工具书,翻开第一页才发现,它更像是一位经验丰富的老画家在跟每一个渴望拿起画笔的人进行一次深入的、关于“如何看见世界”的对话。作者在开篇就着重强调了观察的重要性,那种细腻到极致的对光影变化的捕捉,简直让人醍醐灌顶。他没有一上来就跟你讲透视、讲调色,而是花了大量的篇幅去解析不同天气、不同时间下,大自然色彩的微妙变化。比如,他详细描述了清晨雾气弥漫时,远山那种由浅灰蓝过渡到淡紫色的层次感,以及正午阳光直射下,草地反射出的那种略带黄绿的亮色。这些描述不是干巴巴的理论,而是充满了画面感,让我感觉自己仿佛正站在作者的画架旁,共同沐浴在那个场景的光线里。这本书真正让我觉得震撼的是它对“氛围”的营造。作者反复提到,一幅好的风景画,要能让人“闻到”空气的味道,“感受到”风的流动。这已经超越了技术的层面,触及到了艺术的灵魂。
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