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出版者:上海書畫出版社

作者:喬無疆編

出品人:

页数:303

译者:

出版时间:1995-4

价格:38圓

装帧:平装

isbn号码:9787805128559

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《山水入墨，意韵悠长——古代中国山水画卷的视觉叙事》 在中国浩瀚的艺术史长河中，山水画以其独特的魅力，描绘了人与自然的对话，承载着深邃的哲学思考和审美情趣。本书《山水入墨，意韵悠长》旨在深入剖析古代中国山水画的艺术脉络、表现手法及其背后蕴含的文化精神，带领读者走进一个气象万千、意境深远的视觉世界。 第一章：天地之道，笔墨之间——山水画的哲学根基 中国山水画并非仅仅是对自然景色的客观描摹，它更深层地根植于中国古代哲学思想，特别是道家的“道法自然”和儒家的“天人合一”观念。本章将从哲学视角出发，探讨山水画如何体现中国人对宇宙、自然和生命的理解。我们将追溯山水画的萌芽，从先秦的青铜器纹饰、汉代的画像石，到魏晋时期文人阶层对自然的向往，逐步梳理出山水画从具象走向抽象，从写实走向写意的发展轨迹。 “道法自然”与山水画的生成： 探讨庄子“天地与我并生，万物与我为一”的思想如何影响山水画的构图和意境。自然在山水画中不再是单纯的客体，而是充满生命力的主体，画家通过笔墨来感悟和表达自然的“道”。 “天人合一”的境界： 分析山水画如何通过营造“可行、可望、可游、可居”的理想空间，实现人与自然的和谐统一。画家笔下的山水，既是客观的山川景象，也是画家内心精神世界的投射，观者在其中获得情感的共鸣和心灵的栖息。 山水画的象征意义： 讨论山水画中不同元素的象征含义，如山之巍峨象征刚毅，水之灵动象征柔韧，云雾缭绕象征神秘，松柏常青象征不朽等，以及这些象征如何构建起丰富的文化内涵。 第二章：笔墨乾坤，万象皆生——山水画的技法演变与风格流派 山水画的艺术表现力，很大程度上体现在其独特的笔墨语言上。本章将系统梳理古代中国山水画在技法上的发展脉络，并介绍不同时期、不同地域形成的风格流派，展现山水画技法的多样性和艺术创造的辉煌成就。 笔墨的生成与演化： 从最初的勾勒、皴擦，到后来的点、染、苔、矾等技法的丰富，详细阐述山水画笔墨技法如何从描绘物象的形质，逐渐走向表达物象的精神和韵味。我们将重点介绍董源、巨然的“披麻皴”，范宽的“雨点皴”，关山月的“斧劈皴”等经典皴法，分析其各自的特点和适用对象。 设色的妙用： 探讨青绿山水、浅绛山水、水墨山水等不同设色体系的特点，以及画家如何通过色彩的运用，营造不同的氛围和情感。从唐代李思训的金碧辉煌，到北宋全景山水的淡雅清丽，再到元明清文人山水的笔墨苍润，展现色彩在山水画中的变化与发展。 经典风格流派赏析： 北方山水： 以范宽、李唐等为代表，其山水雄浑壮阔，笔力雄健，构图严谨，展现出北方山河的磅礴气势。 江南山水： 以董源、巨然为代表，其山水秀润温婉，笔法圆浑，墨色淋漓，展现出江南水乡的柔情与灵秀。 元四家： 介绍黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇的艺术成就，分析他们如何将文人画的精神融入山水，追求笔墨的趣味和个性的表达。 明清山水： 探讨唐寅、文徵明、沈周、石涛、王石谷等大家如何继承前人，又锐意创新，形成各具特色的艺术风格。 第三章：意境深远，诗情画意——山水画的情感表达与审美追求 山水画的魅力，不仅在于其精湛的技法，更在于其所营造的深邃意境和所传达的丰富情感。本章将着重探讨山水画如何通过构图、笔墨、色彩等元素，将诗歌般的意境融入画面，触动观者的心灵。 “意”的传达： 深入分析“以形写意”的艺术理念，探讨画家如何通过对山水的提炼和概括，表现出自然的情韵和生命力。山水画中的“意”，既是对自然客观景象的理解，更是画家主观情感的投射。 “境”的营造： 探讨构图在山水画中的作用，如“计白当黑”、“虚实相生”、“远近取势”等构图法则，如何营造出开阔、幽深、宁静或磅礴的意境。例如，全景山水如何展现气势，截景山水如何引发遐想。 诗情画意的融合： 分析山水画与诗歌、音乐的内在联系，探讨“诗中有画，画中有诗”的审美境界。许多山水画作品本身就带有题跋，通过诗句与画面相辅相成，共同表达艺术家的情感和思想。 观者的审美体验： 讨论观者在欣赏山水画时的心理过程，如何从画面中感受到宁静、超脱、豁达、孤寂等多种情感，并在与画面的互动中获得精神的升华。 第四章：文人精神，山水寄情——山水画的时代印记与文化担当 山水画在中国古代一直与文人阶层紧密相连，它不仅是艺术家抒发情怀的载体，也是文人精神的体现。本章将深入探讨山水画如何承载文人的思想情感，以及在不同历史时期所扮演的文化角色。 隐逸与寄托： 分析汉魏六朝时期文人对山林的向往，以及山水画如何成为他们逃离尘世、寄情山水的精神家园。谢灵运的“游山”与山水画的早期发展。 士大夫的胸怀： 探讨宋代士大夫如何将山水画作为修身养性、体悟人生哲理的重要途径。苏轼的“论画”及其对文人画的贡献。 文人画的独立： 分析元代文人画的兴起，以及山水画如何成为文人表达个性、抒发不遇之情的重要形式。赵孟頫的“文人画”理论。 山水画的社会功能： 讨论山水画在官方场合、宫廷装饰、士人雅集等不同场景下的应用，以及它在传播文化、维系民族认同方面的作用。 山水画的现代价值： 探讨古代山水画的艺术精髓如何启发现代艺术家，以及其所蕴含的生态智慧和人文关怀对当今社会的重要意义。 第五章：山河壮丽，胸中丘壑——经典山水画作品赏析 本章将精选中国古代山水画史上的代表性作品，进行深入的个案分析，从构图、笔墨、设色、意境等多个维度，细致解读作品的艺术价值和文化内涵，让读者在具体的实例中，更直观地感受山水画的魅力。 《江山行旅图》 (范宽)：分析其雄浑壮阔的山势，严谨的构图，以及“雨点皴”的独特运用，探讨作品如何展现北方山河的磅礴气概。 《溪山行旅图》 (范宽)：与《江山行旅图》进行对比，分析不同作品的侧重点和艺术表现。 《潇湘图》 (董源)：赏析其温润秀雅的江南山水风格，以及“披麻皴”的笔墨韵味，探讨作品如何营造出宁静致远的氛围。 《富春山居图》 (黄公望)：解读其“无点皴”的写意笔法，流畅的线条，以及深远的意境，探讨作品如何体现文人画的至高境界。 《仙山楼阁图》 (王蒙)：分析其层层叠叠的山峦，繁复精巧的构图，以及神秘莫测的意境，探讨作品如何将现实的山水与想象中的仙境结合。 《黄山图》 (石涛)：赏析石涛“黄山”系列作品的个性化表达，其奔放的笔墨，奇特的造型，以及强烈的个人情感，探讨其“笔墨当随时代”的艺术主张。 结语： 《山水入墨，意韵悠长》通过对古代中国山水画的哲学根基、技法演变、意境营造、文人精神以及经典作品的深入剖析，希望能为广大读者提供一个全面而深入的视角，去理解和欣赏这一独特的东方艺术形式。山水画不仅仅是画布上的色彩与线条，更是中国人对自然的热爱、对生命的热忱、对宇宙的探索，以及对理想境界的永恒追求。在喧嚣的现代社会，回望这些古老的画卷，我们或许能从中汲取一份宁静，一份力量，一份超越时空的智慧。

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我近期翻阅的这本《太平洋岛屿的海洋法与文化冲突》让我对国际法和人类学交叉领域产生了浓厚的兴趣。这本书的写作视角极为独特且富有批判性，它聚焦于现代海洋法原则，如何与那些世代相传的、基于岛屿社群独特生态环境的传统海洋管理智慧发生碰撞和拉扯。作者通过大量的田野调查资料，描绘了不同群岛民族在面对专属经济区划定、深海采矿等现代议题时的复杂心态和实际行动。书中对“领海”概念的本土化诠释的讨论尤为精彩，它揭示了西方法律体系在面对非西方文化时所固有的局限性。文字风格沉稳而富有张力，尤其是在描述传统知识如何被边缘化，以及原住民社群如何努力寻求法律承认的过程中，那种学术的冷静与对文化失落的关切达到了很好的平衡。这本书不是一本轻松的读物，它需要读者投入精力去理解那些复杂的法律术语和民族志背景，但它提供的视角之深刻、信息量之密集，绝对是研究全球化背景下主权与文化权利的学者们不可多得的参考资料。

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我最近读完的这本《古文字的演变与汉字之美》，绝对称得上是学术普及读物的典范。它没有一般学术著作的晦涩难懂，却又不失严谨和深度。从甲骨文的刻痕到金文的铸造，再到篆书、隶书的规范化过程，作者用非常直观的方式，带领我们领略了汉字数千年来的“蜕变史”。最吸引人的是，作者总能将抽象的字形演变与当时社会的生产生活、思维方式联系起来，让人恍然大悟：每一个笔画的增减、结构的调整，背后都隐藏着历史的逻辑。举个例子，书中对“马”字从象形到符号化的过程的讲解，配上清晰的图例，让我这个非专业人士也看得津津有味，理解了什么是真正的“书画同源”。而且，作者在讨论过程中穿插了许多有趣的小故事和冷知识，使得原本枯燥的考据变得生动活泼，阅读体验极佳。这本书的装帧设计也很有品味，纸张质感厚实，印刷清晰，非常适合放在案头随时翻阅，遇到不明白的字形，马上就能找到参照。它让我对日常使用的方块字产生了全新的敬畏感。

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坦白讲，最初拿到这本《西方现代主义建筑的解构与重塑》时，我还有点担心它会过于艰深，毕竟我对建筑史的了解仅限于皮毛。然而，这本书的叙事风格却出奇地流畅且富有激情。作者仿佛一位经验丰富的导游，带着我们穿梭于高迪的奇幻世界、柯布西耶的理性几何，乃至后现代主义的戏谑反叛之中。它最大的成功之处在于，它不只是罗列风格和代表人物，而是深入探讨了每一次建筑运动背后的哲学思潮、技术革新和社会变迁。例如，对于包豪斯学派的论述，作者清晰地展现了“形式追随功能”这一口号是如何在工业化浪潮中应运而生，并如何影响了我们今天的生活空间。书中对空间、光影和材料的描述，非常有画面感，读完后，再去观察身边那些标志性的现代建筑，总能捕捉到一丝丝历史的痕迹和设计的匠心。对于想建立起一个系统性的现代建筑认知框架的读者来说，这本书提供了非常扎实且易于吸收的知识基础。

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这本《宋词中的自然与人生》简直是文学爱好者的宝藏！作者的笔触细腻入微，将宋代词人笔下的山川草木、风霜雨雪描摹得活灵活现。读来仿佛身临其境，耳边仿佛还能听到苏轼在月下举杯的豪迈，柳永在灞桥送别的低回。它不仅仅是对词作的赏析，更像是一部穿越时空的文化之旅。尤其让我印象深刻的是，作者对于“意象”的解读，总能挖掘出词人深藏在文字背后的那份对生命、对宇宙的哲思。比如，对“梧桐夜雨”的剖析，不再仅仅停留在伤春悲秋的表层情绪，而是深入探讨了那种在变幻无常的世界中寻求内心安宁的哲学困境。这本书的结构安排也非常巧妙，从山水田园到离愁别绪，层层递进，使得即便是初次接触宋词的读者也能轻松领略其中的韵味。翻阅间，我常常停下来，对着某一句词反复咀嚼，那种意境之美，被文字重新唤醒，让人对古人的情感共鸣更深一层。对于想深入理解宋代文人精神世界的读者，我强烈推荐。

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这是一本关于古典音乐“听力训练”的进阶指南，名为《如何聆听贝多芬的交响精神》。我之前听古典乐，更多是凭感觉，分不清奏鸣曲式和回旋曲式的细微差别。这本书简直为我打开了一扇全新的大门。它的切入点非常独特，不侧重于介绍贝多芬的生平轶事，而是直接聚焦于他的九部交响曲，并将其视为一个完整的、不断进化的精神探索过程。作者极其擅长运用比喻，将复杂的对位法、和声进行，转化为可以感知的“戏剧冲突”或“叙事线索”。比如，书中分析《命运交响曲》的主题动机时，用到了“以小搏大，与宿命抗争”的描述，让我第一次真正理解了那短短的四个音符蕴含的巨大能量。更棒的是，书里附带了大量的乐谱片段指引，虽然我不会读谱，但跟着文字的指引去回放特定的乐章，真的能清晰捕捉到不同声部的对话和主题的发展。这本书要求读者有一定的聆听基础，但回报绝对是丰厚的，它让音乐从“背景声”变成了“对话者”。

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