唐代工艺美术史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:浙江文艺出版社

作者:尚刚

出品人:

页数:403

译者:

出版时间:1998-11

价格:18.00

装帧:平装

isbn号码:9787533910983

丛书系列:

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魏晋南北朝工艺美术：流变与创新 引言 魏晋南北朝时期（公元220年—589年），是中国历史上一个深刻变革的时代。政治上的分裂与融合，思想领域的“玄学”兴起与佛教传播，都对物质文化产生了深远影响。工艺美术作为时代精神与社会需求的物质载体，在此期间展现出显著的承袭性、创新性与多元性。本书旨在系统梳理这一特定历史阶段的工艺美术发展脉络，深入剖析其技术革新、审美变迁及其背后的文化动因，尤其侧重于佛教艺术的本土化进程对传统工艺的冲击与重塑。 第一章：社会背景与审美思潮对工艺的影响 魏晋南北朝的社会动荡，导致了士族阶层对精神生活的极度关注。“竹林七贤”所代表的清谈之风，崇尚自然、追求魏晋风度，直接影响了工艺品的设计理念。家具、器皿的造型趋于简朴、去繁就简，摒弃汉代遗留的繁缛装饰，转而追求线条的流畅与结构的自然。 同时，佛教的全面兴盛是此期工艺发展的核心驱动力。南北朝政权普遍以佛教为统治的意识形态工具，极大地推动了寺院建设和造像艺术的发展。这种对宗教题材的集中需求，使得金铜造像、石刻造像、壁画等领域的技术水平达到了前所未有的高度。不同地域的信仰差异，也塑造了南方（以东晋、南朝为主）和北方（十六国及北魏、北齐、北周为主）在工艺风格上的明显分野。 第二章：陶瓷工艺的转型与成熟 魏晋南北朝的陶瓷业在技术与审美上均完成了向隋唐的过渡。这一时期的瓷器发展呈现出明显的区域特征： 南方青瓷的精进： 南朝地区继承了东汉以来的成熟青瓷技术，釉色更加温润，胎质日渐坚硬。造型上，出现了大量仿照青铜器和漆器的造型，如镂空圈足盘、鹙形注子等。最具特色的是“堆塑”技法，在器物腹部堆塑楼阁、人物、莲瓣等装饰，题材多取自佛教故事或世俗生活场景，体现了匠人将想象力融入实用器皿的努力。越窑、德清窑的青瓷，已具备了初步的“类玉”质感，预示着后世成熟瓷器的到来。 北方白瓷的萌芽： 北方，尤其是黄河流域，受中原传统制瓷工艺影响，发展出原始的白瓷。尽管质地尚显粗糙，胎体多含杂质，但其已是成熟白瓷的雏形。装饰上，北方瓷器更偏爱在口沿或肩部施加简单的刻划纹饰。 印纹与模制技术： 这一时期，印纹饰的使用极为广泛，尤其在砖瓦、陶器上。模制技术成熟，使得大批量生产具有统一纹饰的器物成为可能，纹饰内容以几何纹、联珠纹、联珠纹围花的佛教图案为主。 第三章：金铜造像的黄金时代 魏晋南北朝是金铜佛像制作的鼎盛时期，其意义已超越单纯的宗教器物，成为研究当时雕塑艺术与冶金技术的重要实物资料。 北魏的犍陀罗影响与本土化： 北魏时期，定都平城（今大同），受西域犍陀罗艺术影响深远。早期造像面相高鼻深目，衣纹密布呈“褒衣博带”状，继承了印度雕塑的写实特征。随着孝文帝迁都洛阳和汉化政策的推行，造像风格逐渐向中原审美靠拢。晚期（如云冈后期、龙门早期），面相趋于秀骨清相，衣褶简化，人与佛像的界限逐渐模糊，体现了“清瘦入骨”的魏晋风度。著名的“一主尊像”的出现，标志着造像从单一信仰向皇室和贵族供奉的转向。 南朝的典雅与秀美： 南朝的金铜造像相对数量较少，但风格更为典雅、秀丽。造像体态修长，衣纹飘逸，更注重表现内在的“神韵”而非外在的细节。技术上，南方的失蜡法可能更为精湛，使得小型的贴金或鎏金佛像更为精致。 第四章：漆器、玉器与纺织品工艺 漆器的承续与发展： 魏晋漆器在南方地区保持了较高的水准。主要的工艺特点是“戗金”和“螺钿”的成熟应用。漆器纹饰题材广泛，出现了大量描绘宴饮、出行、楼阁的世俗化场景，反映了士族阶层对精致生活的追求。特别是长江中下游的墓葬中出土的彩绘漆器，以其细腻的线条和丰富的色彩，展现了极高的装饰艺术水准。 玉器的世俗化： 汉代以来流行的玉器在这一时期工艺略显平淡，但玉佩饰品在贵族中依然流行。技术的革新主要体现在对“沁色”的利用上，将玉料本身的自然锈蚀视为一种美学价值。玉器造型多模仿动物形态，如辟邪、卧虎等，线条趋于圆润。 纺织与印染的创新： 丝织业技术保持领先。胡汉杂居的环境促进了纹样的交流。胡风纹样（如联珠纹、团窠纹）大量出现在织锦中，如南京象山出土的锦样，显示出技术上对复杂提花的驾驭能力。印染方面，蜡染和绞缬（扎染）技术进一步完善，为后世唐代的印染工艺奠定了技术基础。 第五章：建筑装饰与石刻艺术 建筑工艺在这一时期受到佛教建筑的深刻影响。 塔的出现与形制： 楼阁式砖塔和密檐式石塔的出现，标志着中国传统木构架与印度“窣堵波”结构融合的开始。砖雕和石雕技术被大量用于塔身的装饰，如人物故事、佛本生故事的浮雕。 石窟艺术的地域风格： 北方的云冈石窟和龙门石窟是这一时期石刻艺术的集大成者。石窟造像不仅是宗教雕塑，更是研究当时服饰、仪态、工具和民族交流的百科全书。石匠们在开凿过程中不断摸索，从早期的雄浑粗犷（云冈早期）到后期的精细秀丽（龙门宾阳洞），技术难度与艺术表现力同步提升。 结语 魏晋南北朝的工艺美术是一个充满张力与创造的时代。它既承袭了秦汉以来的精湛技艺，又在佛教文化的冲击下完成了审美的根本性转向——从重形式转向重“神韵”；从重世俗叙事转向重宗教哲思。南北方的工艺差异，不仅是地域物产和技术水平的体现，更是不同政治和文化集团在同一时代背景下对“美”的不同诠释，为隋唐盛世的工艺繁荣积蓄了深厚而多元的能量。

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这本书的阅读体验，颇有一种“登高望远”的开阔感。它没有沉溺于对某一类工艺品的微观描述，而是始终保持着一种宏观的、跨学科的视野。例如，在谈论唐代的建筑装饰艺术时，作者巧妙地引入了当时的儒释道思想对建筑空间布局的影响，使得那些飞檐斗拱、藻井雕刻不再是孤立的造型符号，而是特定时代精神的物质载体。我尤其喜欢作者对“唐代音乐与舞蹈”对雕塑和绘画中人体造型影响的分析，这种跨领域的联想，极大地拓宽了我的思路。读完关于唐代丧葬明器的部分，我开始重新审视那些看似简单的陶俑，它们不再仅仅是供人观赏的物件，而是承载着逝者生前社会地位、审美情趣乃至民间信仰的“微缩景观”。全书的论证结构清晰，引用的文献资料非常扎实，注释详尽，为后续研究者提供了极佳的参考路径，足见作者的学术良心与深厚积累。

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这本书最大的价值，在于它提供了一个理解盛唐文明的全新视角——从“物”的层面去触摸“神”的灵魂。我特别欣赏作者在探讨唐代工艺美术的“异域情调”时，那种不带偏见的文化人类学式的解读。它不是简单地赞美唐朝的开放，而是深入分析了这种开放如何转化为具体的艺术形态，比如波斯萨珊王朝的影响如何与本土的汉魏传统进行激烈的化学反应，最终催生出独一无二的唐代风格。阅读中，我感觉自己像是跟随一位高明的“文物侦探”，穿梭于历史的迷雾中，通过对一件器物的断代、归属和装饰母题的分析，重构出一段段被遗忘的贸易路线和文化对话。书中对唐代雕版印刷术萌芽阶段的工艺探索的提及，也让我看到了艺术与技术相互推动的强大驱动力。这是一部不仅属于艺术史学家，更属于所有对人类文明发展充满好奇者的杰作。

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如果要用一个词来形容这本书的风格，我会选择“细腻的震撼”。它不是那种气势磅礴、让人喘不过气的叙事，而是通过对细节的精准捕捉，营造出一种潜移默化的力量。比如，书中对唐代织锦工艺中“纬线起花”与“经线起花”的原理剖析，配上清晰的图解，即便我没有任何纺织学背景，也能大致理解其中的奥妙。再比如，对长安城内乐舞百戏中使用的各种道具、乐器的形制考证，充满了令人惊喜的发现。我仿佛能听到那些胡旋舞的鼓点，闻到那些香料的芬芳。作者在处理那些已经湮灭的工艺，如某些失传的染色技术时，表现出的那种小心翼翼的探寻和谨慎的推测，让人深感历史研究的艰难与魅力。整本书读下来，你会由衷地感叹，唐代的“工匠精神”是渗透到社会每一个毛孔里的，是真正意义上的全民审美实践。

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这部大部头，拿到手上就感觉沉甸甸的，翻开扉页，那精美的插图和详尽的文字排版，立刻把我牢牢吸引住了。我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术专著，没想到作者的叙事方式极为流畅自然，仿佛一位技艺高超的匠人，正在娓娓道来他毕生所学。尤其欣赏的是，作者并非仅仅罗列器物和技术，而是将这些工艺品的演变轨迹，巧妙地融入到唐代整个社会、政治、乃至思想文化的宏大背景之中。比如，书中对唐代丝绸之路沿线文化交融的讨论，细致入微地剖析了域外元素是如何潜移默化地影响了长安的审美风尚，从织物的纹样到金银器的造型，无不体现出盛唐气象的海纳百川。特别是对于墓葬出土文物中那些色彩斑斓的釉陶和三彩器皿的分析，不仅仅停留在对烧制工艺的解读上，更深入挖掘了它们在当时的礼仪制度和丧葬观念中扮演的角色，让我对那个时代有了更为立体和鲜活的认知。那些关于敦煌壁画中服饰细节的考证，以及对长安城内坊市中手工业作坊的推想还原，都极大地满足了我对“盛唐气象”的好奇心。

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这本书的深度和广度，远超出了我对一般艺术史读物的预期。它真正做到了“史”与“艺”的完美结合。我尤其佩服作者在梳理唐代金银器发展脉络时的那种严谨的逻辑链条。从初唐相对朴素的风格，如何过渡到盛唐时期的雍容华贵，再到中晚唐因战乱而产生的风格变化，每一步的转折都有坚实的考古发现作为支撑。书中对“宝相花”和“联珠纹”这些典型纹饰的溯源和流变分析，简直是一场视觉的盛宴，让人惊叹于古人对手工技艺的极致追求。更令人拍案叫绝的是，作者对陶瓷工艺中“秘色”瓷的探讨，那种对釉色微小变化的敏锐捕捉和对烧制环境的精妙推测，展现了深厚的专业功底。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于唐代工匠的世界，亲眼目睹他们如何调配矿物，如何控制窑火，那种对“火与土的艺术”的敬畏感油然而生。这是一本需要反复品读，才能真正体会其精妙之处的宝典。

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很完整系统地一部唐朝工艺美术史。偏教科书般。

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