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出版者:世界知识出版社

作者:杨振武

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1995-10

价格:20.00

装帧:平装

isbn号码:9787501206995

丛书系列:

图书标签:

• 英语
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好的，这是一本关于中国古代建筑审美与技术的深度著作的详细介绍： --- 《琼楼玉宇：中国古代建筑的结构之美与哲学意蕴》 内容提要 《琼楼玉宇：中国古代建筑的结构之美与哲学意蕴》是一部旨在全面、深入地剖析中国古代建筑艺术的里程碑式著作。本书超越了传统建筑史的编年叙事，专注于挖掘中国古建体系的内在逻辑、技术创新及其背后所承载的深厚文化哲学。全书以严谨的学术态度和流畅的叙事笔触，系统梳理了自新石器时代晚期萌芽至清末成熟的木构架体系的演变脉络，并将其置于中国古代社会、宇宙观和伦理体系的宏大背景下进行解读。 本书分为六个主要部分，层层递进，构建了一个多维度的分析框架： --- 第一部分：本源与形态——宇宙观下的建筑原型（约300字） 本部分深入探讨了中国古代建筑的哲学根基——“天人合一”的宇宙观如何物化为建筑形式。重点解析了中轴对称、群体组合的布局原则，这些原则并非单纯的几何选择，而是对儒家中庸之道、礼制秩序的具象化表达。 剖析了夯土技术、早期木构架的结构萌芽及其在礼制空间中的作用，如宗庙与宫殿的“前朝后寝”制。 阐释了“内向性”空间形态的形成原因，即防御需求与宗族聚居模式对建筑围合感的影响。 详述了“屋顶”这一至关重要的构件在中国建筑中的符号意义，从早期的歇山、庑殿到晚期的重檐庑殿，其等级制度的严苛性。 --- 第二部分：骨骼与血肉——木构架的精妙绝伦（约400字） 本部分是全书的技术核心，详尽展示了中国古代建筑赖以生存的抬梁式和穿斗式木构架的构造原理和技术发展。 榫卯的艺术： 详细绘制和解读了斗栱、穿枋、柱梁之间的联结方式。这不是简单的机械咬合，而是利用木材的韧性与结构受力原理，实现了“墙倒屋不塌”的柔性抗震能力。对“斗栱”的演变进行了时间轴梳理，指出其从主要承重构件逐渐向装饰性过渡的阶段性特征。 模数与尺度： 探讨了中国建筑尺度的确定性，如“材分制”或“五架梁”“七架梁”等制度，揭示了建筑标准化、可复制性的内在机制，并分析了这种模数体系对群体建筑群落（如官式建筑）的统一性贡献。 结构力学解读： 引入现代结构工程学的视角，反向分析古代匠师在无先进计算工具下，如何通过经验和观察，将屋顶的巨大荷载有效地转化为水平推力和垂直压力，并由地基和台基吸收。 --- 第三部分：皮肤与光影——装饰母题的文化解读（约350字） 建筑的外观和细部装饰，是其文化信息的载体。本部分侧重于对建筑表皮的装饰母题进行深入的文化符号学解读。 色彩的语言： 重点分析了官式建筑中“红墙黄瓦”的色彩体系，其在五行学说中代表的权威与中正，并对比了民间建筑中地方性的色彩偏好。 雕饰的叙事： 细致考察了梁枋、门窗上的木雕、砖雕、石雕内容。不仅仅是审美欣赏，而是解读这些“龙凤呈祥”、“福禄寿喜”图案背后的家族期望、社会伦理和地方神话的传播。 台基与须弥座： 分析了建筑底部基座（台基）的高度、形制和望柱栏杆的意义，它是建筑与大地进行“对话”的第一层界面，体现了对尊卑等级的严格区分。 --- 第四部分：空间与流动——园林中的诗意栖居（约250字） 如果说宫殿和庙宇是“礼”的极致体现，那么中国园林则是“情”与“境”的升华。本部分将焦点转向私密与自由的艺术空间。 叠山理水的哲学： 探讨了掇山、理水如何模拟自然山水，创造“不出城郭而获山林之趣”的意境。分析了江南私家园林与北方皇家园林的截然不同的空间处理手法。 借景与对景： 详细剖析了园林中空间序列的组织技巧，如何通过漏窗、月洞门等元素实现空间的“曲径通幽”和视野的“豁然开朗”，达到诗画合一的审美效果。 --- 第五部分：工艺的传承——匠作技术史的考察（约150字） 本部分追溯了不同时期关键建筑工艺的发展，关注技术实践的社会基础。 砖瓦的革新： 从汉代的空心砖到唐宋的琉璃瓦，分析了材料科学进步对建筑耐久性和视觉效果的影响。 彩画的演变： 梳理了和玺彩画、旋子彩画、苏式彩画等风格的地域性与时代性，它们如何保护木材的同时，也成为建筑内部气氛的营造者。 --- 结语：现代语境下的反思（约50字） 最后，本书对古代建筑体系的智慧进行了总结，探讨了在现代高层建筑时代，我们应如何继承其对空间尺度、环境适应性以及材料精神的深刻理解，避免文化断层。 《琼楼玉宇》 不仅是一部建筑史著作，更是一部关于中国人如何安顿自身于天地之间的文化探源之作。它以宏大的结构分析，细微的工艺解剖，带领读者领略这座古老文明的物质载体中所蕴含的永恒智慧。 ---

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这本书的价值，绝不仅仅在于它所承载的知识量有多么庞大，更在于它构建了一种看待世界的全新视角。在阅读过程中，我发现自己开始不自觉地将书中所学的知识框架，应用于日常接触到的各种文化现象中。无论是博物馆里的一次驻足，还是一部电影的镜头语言，甚至是一件现代设计品的细节处理，都能从中捕捉到一丝熟悉的“回响”。这种知识的内化和迁移能力，才是衡量一本工具书是否真正成功的终极标准。它不仅仅是一本“查阅工具”，更像是一副经过精确校准的“滤镜”，让我在面对纷繁复杂的艺术信息时，能够保持清醒的头脑和敏锐的洞察力，去辨识、去欣赏，去真正理解人类文明在不同时空中留下的独特印记。这份收获，是无价的。

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这本书的排版布局，简直是教科书级别的典范。页边距的留白拿捏得极其精准，既保证了文字的呼吸感，不至于让人感到压迫，又有效地承载了大量的视觉信息。对于那些需要配图的条目，图文的对应关系处理得非常巧妙，插图的清晰度和色彩还原度都达到了极高的水准，这对于一本与视觉艺术相关的书籍来说，无疑是至关重要的加分项。更值得称赞的是，它的索引系统和交叉引用设计，体现了极高的编纂智慧。当你查阅某一个艺术形象时，相关的文化渊源、神话背景或者在不同艺术流派中的变体，都能通过清晰的页码标注迅速定位，形成了一个立体、多维度的知识网络。这种细致入微的结构设计，极大地提升了阅读效率，让查找资料的过程变成了一种愉快的探索之旅，而不是令人沮丧的迷宫。

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初读这本书的引言部分，我立刻被那种深入浅出的叙述方式所吸引。作者的文字功底极为扎实，面对一些深奥晦涩的艺术概念或历史背景，他总能找到最贴切、最生动的比喻来加以阐释，使得即便是艺术领域的初学者，也能迅速抓住核心要义，而不会感到晦涩难懂。行文流畅自然，节奏把握得恰到好处，仿佛一位经验丰富的导游，带着你缓缓走过历史的长廊，每到一个重要的节点，都会停下来，详尽地介绍眼前的“展品”，却又绝不拖沓冗长。更难能可贵的是，作者在阐述观点时，展现出的那种深厚的学术底蕴和批判性思维。他并非简单地罗列事实，而是引导读者去思考不同文化、不同时代艺术表达背后的深层动因和社会语境，这种启发式的引导，极大地拓宽了我的认知边界，让我不再满足于表面的欣赏，而是开始追问“为什么”和“如何”。

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从阅读体验上来说，这本书带给我的是一种持续的、温和的“顿悟感”。它不像某些专业书籍那样，需要反复研读才能勉强理解，而是像一个循序渐进的导师，总能在不经意间为你点亮一盏灯。比如，书中对某个古典神话人物在不同时期雕塑风格演变的比对分析，让我忽然领悟到，艺术风格的更迭，远比我想象的要复杂和深刻，它根植于社会观念的微妙变化之中。这种阅读过程中的“啊哈！”时刻，是任何娱乐性阅读都无法替代的深度满足。它成功地架设起了一座桥梁，连接了抽象的理论和具体的艺术作品，让那些遥远而陌生的符号和形象，变得鲜活可感，仿佛它们的故事就在耳边娓娓道来，充满了人性的温度。

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这本书的装帧设计，首先映入眼帘的便是那种沉稳又不失典雅的气质。封面选用的材质，那种微微带着纹理感的纸张，触感温润，握在手中便有一种知识的重量感。色彩搭配上，它没有采用时下流行的那种张扬的撞色，而是选择了低调的墨绿与米白，这种配色方案让人联想到经典画册和老图书馆里的珍本，透露出一种经得起时间考验的艺术气息。书脊的处理也颇为考究，字体排版清晰、间距适宜，即使是平放在书架上，也能一眼辨认出它的名字，并且散发出一种宁静的力量。整体来看，这本书在视觉和触觉上都给予了读者极高的尊重，让人还没翻开内页，就已经对其中蕴含的内容充满了期待和敬意。它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的工艺品，摆在书桌上，都能为周围的环境增添一份宁静和艺术的氛围。这种对物理形态的重视，也暗示着编者对于内容本身的严谨态度，让人不禁想立刻探究它丰富的内涵。

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