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出版者:江苏美术出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-05

价格:24.00

装帧:平装

isbn号码:9787534405549

丛书系列:

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• 中国当代美术
• 当代艺术
• 美术史
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• 文化研究
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• 艺术批评

汉唐恢弘：丝绸之路上的文明交融与艺术流变 内容简介 本书旨在深入剖析汉唐时期，特别是丝绸之路这条横贯欧亚大陆的生命动脉，如何成为东西方文明碰撞、交融与艺术创新的强大催化剂。我们聚焦于物质与精神的双向流动，探讨了艺术风格、宗教信仰、技术工艺如何在广袤的地理空间中相互影响、彼此塑造，最终凝结成中国历史上最为辉煌壮丽的艺术遗产。 第一章：丝路的开辟与早期交流的基石 (约 300 字) 本章将追溯丝绸之路的萌芽与正式开辟，重点审视西汉张骞通西域的历史意义。我们不仅关注官方层面的政治军事联系，更着重于民间贸易与文化渗透的早期形态。通过对敦煌、楼兰、高昌等早期绿洲城市遗址的考古发现进行梳理，揭示了中原文化（如玉器制作、漆器工艺）与西域游牧文化（如车舆、马匹驯养技术）之间最初的互动模式。艺术史的视角下，本章探讨了早期接触阶段，中国艺术对印度-犍陀罗艺术的初步认知，以及这种认知如何通过边境地区的壁画和雕塑初露端倪。重点分析了早期丝路沿线出土的陶俑、金属器皿，如何反映出中原审美趣味在吸纳外来元素时的初步“本土化”倾向。这一阶段的艺术交流是试探性的、混合的，为后续的全面融合奠定了基础。 第二章：佛教东渐与犍陀罗艺术的深度影响 (约 450 字) 佛教的传入是汉唐丝路交流中最具革命性的文化事件，也是理解同期美术变迁的核心线索。本章将详述佛教思想如何随着僧侣、商人沿着丝路深入中原腹地。核心内容聚焦于犍陀罗艺术风格（受希腊化雕塑影响的佛像艺术）对中国佛教造像的直接冲击与改造过程。 首先，我们将分析敦煌莫高窟早期（特别是十六国至北魏早期）壁画与塑像中犍陀罗风格的体现，包括人物面部的深目高鼻、衣纹的贴体写实处理，以及“一石多雕”的组合方式。接着，本章对比了犍陀罗佛像与同期中土流行的“褒衣博带式”造像的差异与融合。我们认为，中国艺术家并未简单地复制，而是在吸收了犍陀罗的写实解剖学基础上，逐步将其融入本土化的“气韵生动”的审美体系。具体案例分析将选取克孜尔石窟、麦积山石窟中早期的佛本生故事壁画，探讨叙事方式与构图法的西域影响。此外，本章还涉及佛教经卷的翻译、抄写技艺（如泥金装饰）的传入，以及佛教仪轨对宫廷与民间礼仪艺术的影响。佛教艺术的繁荣，极大地拓展了中国绘画和雕塑的表现领域，引入了新的神祇谱系、色彩理论与空间透视观念。 第三章：盛唐气象：融合、开放与黄金时代的艺术成就 (约 400 字) 唐代，特别是盛唐，是丝绸之路最为繁荣的时期，也是东西方艺术交流达到顶峰的黄金时代。本章的核心在于阐释“开放”精神如何催生了前所未有的艺术创新。 在绘画领域，盛唐的胡旋舞、天竺乐舞题材的兴盛，直接推动了对人体动态和服饰细节的精准描绘。吴道子、周昉等大师的作品，虽然多为摹本流传，但其对人物神态的刻画已超越了早期单纯的宗教主题，融入了世俗生活气息与强烈的时代精神。本章特别关注“域外色彩”的运用，如粟特、波斯萨珊王朝金银器工艺（如蟠螭纹、对马纹）对唐代金银器、铜镜纹饰的渗透。唐三彩的烧制技术，其斑斓的釉色和对骆驼、胡商、仪仗队的生动刻画，本身就是多元文化共存的视觉宣言。 文化输出方面，本章简要提及中国丝绸的纹样设计（如联珠纹、宝相花纹的西传）对拜占庭乃至欧洲纺织品艺术的间接影响。盛唐的自信与包容性，使得外来元素被彻底消化、融合，形成了气魄宏大、雍容华贵的“盛唐气象”，这种气象的背后，是丝路带来的物质与精神财富的集中体现。 第四章：技术传播与工艺的相互渗透 (约 350 字) 艺术的进步离不开工艺技术的支撑。本章侧重于探讨丝绸之路上关键技术的双向流动及其对中国传统工艺的革新作用。 重点分析造纸术和印刷术（虽然成熟于宋代，但其雏形与推广在唐代已有基础）向西域的传播路径及其对当地文化记录方式的改变。同时，本章详述了中原冶金技术与宝石加工技术与中亚、波斯技术的交流。例如，玉石的雕琢技法，唐代吸收了中亚对宝石的切割和镶嵌技术，提升了金银饰品的精致程度。 在染料和颜料方面，波斯等地出产的优质矿物颜料（如深沉的群青替代了部分本土的石青），丰富了壁画和绘画的色谱，使得晚唐壁画在色彩的层次感上更具深度。本章还将探讨玻璃制造技术的交流。中国对域外玻璃器的模仿与改进，催生了本土高品质玻璃器皿的出现。通过对出土器物（如陕西法门寺地宫文物）的材质分析，可以清晰地勾勒出技术传播的路线图和吸收转化的轨迹。 总结：丝路遗产与后世回响 (约 100 字) 汉唐丝绸之路不仅是商贾之道，更是艺术的长河。它塑造了中国艺术史上最具活力和包容性的阶段。本书最终结论指出，汉唐艺术的辉煌，并非孤立的内生发展，而是建立在高效的跨文化互动基础之上。这些交流的成果，深远地影响了后世中国乃至整个东亚的文化与审美取向。

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深入阅读后，我发现这本书最令人称道之处在于其深厚的田野调查基础和跨学科的对话能力。它显然不仅仅是坐在书斋里进行的理论推演，字里行间都流淌着对真实创作现场的敏锐捕捉。比如，在论及特定地域的艺术生态变化时，那种对地方性文化符号与全球化语境交织点的细腻捕捉，非常到位。作者似乎拥有多把“钥匙”，能够分别开启社会学、符号学乃至后殖民理论的大门，然后将这些知识融汇到对艺术作品的解读中，形成一个多维度的透视网架。这种广阔的视野，使得我们看到的不再是孤立的个体现象，而是一张庞大而精密的文化网络，每个节点都与其他力量相互牵制、相互影响。这种综合性的研究方法，极大地提升了本书的学术价值和思辨深度。

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这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，那种沉稳又不失现代感的配色，加上封面那几笔富有张力的留白，简直就像是在向读者宣告，里面蕴含的内容绝非等闲之辈。拿到手里沉甸甸的质感，翻开扉页，那精细的字体排版和恰到好处的图文比例，都透露出一种对艺术的敬畏感。我尤其欣赏它在章节划分上体现出的那种深思熟虑，并非简单地按时间线索罗列，而是像搭建一个复杂的迷宫，每走一步都能发现新的视角和未曾触及的角落。虽然我还没有完全沉浸在文字的海洋里，但仅仅是初步的浏览，就感觉自己站在了一个广阔的展览现场，空气中弥漫着创新与批判的气息。尤其是它在引入一些前沿理论时，那种不急不躁的铺陈方式，让初接触复杂学术概念的读者也能感到亲切，仿佛有一位学识渊博的向导，正耐心地为你描绘宏大的艺术图景。这种对阅读体验的重视，让冰冷的学术著作也染上了人文的温度。

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这本书的批判精神是极其鲜明和令人振奋的。它没有满足于对既有成就的梳理和总结，而是以一种近乎“挑衅”的姿态，去审视那些在既定评价体系中被过度神化的现象。作者的批评是建设性的，它直指问题核心，敢于挑战那些根深蒂固的“正统”叙事。我感受到了作者在文字背后燃烧的对真理的追求和对艺术良知的坚守。这种强烈的批判性，迫使读者不得不重新审视自己先前接受的很多“常识”，在理性的解构和情感的共鸣之间反复拉扯。阅读这本书，与其说是在学习知识，不如说是在进行一场深刻的自我诘问和思想重塑，它无疑是近年来艺术批评领域中一股不可多得的清流，极具启发意义。

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这本书的行文风格简直是一场语言的冒险，它完全打破了我对传统美术史论著作的刻板印象。作者的笔触时而如同精准的手术刀，剖析现象肌理，逻辑严密到不留一丝空隙；而转瞬之间，又变得像一位充满激情的评论家，用极具煽动性和画面感的语言，将那些抽象的创作意图鲜活地呈现在读者面前。我注意到，在探讨某些具有强烈社会介入性的作品时，作者的措辞充满了张力与思辨的火花，绝非简单的描述或赞颂，而是带着一种审视时代的力度。这种文字的张弛有度，使得阅读过程本身也成为一种智力上的享受。它没有为了追求晦涩而故作高深，相反，很多复杂的概念被拆解得清晰透彻，读起来有一种豁然开朗的畅快感，仿佛拨开了层层迷雾，直抵艺术现象的核心本质。

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这本书的叙事节奏掌控得极为高明，它不像一些学术著作那样，一上来就用大部头的理论框架将人压垮。相反，它采取了一种渐进式的推进方式，像侦探小说一样，通过抛出引人入胜的案例和充满悬念的疑问来牵引读者深入。在每一个关键的转折点，作者都会设置一个精巧的理论支点，让人在不知不觉中接受了新的认知框架。我尤其欣赏它对“断裂”与“连续”的辩证处理，它既承认了某种历史脉络的延续性，却又毫不留情地揭示了那些看似微小的创作选择背后所蕴含的巨大变革能量。这种叙事策略，让那些原本可能感到枯燥的理论分析也充满了戏剧张力，让人忍不住想一口气读完，去探寻下一个谜团的答案。

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