刘墉书法艺术精品(第四卷) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山西教育出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-07

价格:3.00

装帧:平装

isbn号码:9787544010016

丛书系列:

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• 刘镛
• 书法
• 刘墉
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翰墨丹青：中国传统绘画大师杰作选粹 本书导言： 在中国浩瀚的文化星空中，绘画艺术犹如璀璨的群星，代代相传，光耀古今。本书并非聚焦于某一特定时期或流派，而是以宏大的视角，精选了跨越数千年中华文明史中，那些最具代表性、艺术成就最高的中国传统绘画大师的杰出作品。我们旨在为读者搭建一座穿越时空的桥梁，直抵艺术的精髓，感受笔墨间的生命律动与人文情怀。 第一辑：魏晋风骨与唐代气象——奠基与鼎盛 本辑聚焦于中国画从萌芽走向成熟，直至达到第一个高峰的历史阶段。 顾恺之： 作为“画圣”，我们深入探讨其“以形写神”的理论精髓。重点展示其《洛神赋图》的摹本研究，分析其线条如何“以丝助成文”，赋予人物以灵动的气韵。解析他如何将哲学思想融入视觉表达，开创了中国人物画的先河。 吴道子： 唐代画坛的巨擘，有“画绝”之誉。本辑收录了对其“吴带当风”线条的解析。通过对宋代摹本及文献记载的梳理，重现其壁画中那种如行云流水、雄健飘逸的笔法。特别关注其山水画对后世的影响，尽管原作多佚，但其开创的“立体主义”画法，对后来的青绿山水产生了深远影响。 阎立本： 他的作品展现了唐代初期的稳健与威严。重点呈现《步辇图》，分析其人物造型的典雅、衣饰的精致以及历史叙事的精准性。探讨他如何在严谨的构图下，融入对宫廷礼仪的深刻理解。 周昉： 盛唐仕女画的代表。本辑挑选其《簪花仕女图》中的精微之处，解析他如何捕捉贵族女性的慵懒与华贵，以及“丰肥”审美标准的形成。讨论其用色与线条的柔美结合，如何构建出闺阁生活的精致世界。 第二辑：五代宋初——山水画的黄金时代 五代至北宋时期，山水画从人物画的陪衬地位一跃成为独立的画科之首，形成了雄伟壮阔的时代风格。 荆浩与关仝： 北方山水画的开山祖师。重点展示对“斧劈皴”与“台上尺 কর্মসূ法”的细致临摹与研究。分析荆浩《匡庐图》中那股磅礴的北方气息，以及关仝在表现群山万壑时的浑厚与沉稳，体现了“可行、可望、可游、可居”的理想山水观。 李成与范宽： “北方山水二巨匠”。《寒林平野图》（李成）展现了萧瑟、静谧的文人意趣，其“蟹爪枝”的画法成为后世模仿的范本。而范宽的《溪山行旅图》则是北宋山水气势的巅峰，我们细致剖析其“雨点皴”的运用，如何将泰山之雄伟刻画得如梦似幻，展现出“近观笔墨，远观气势”的至高境界。 南唐·董源与巨然： 江南山水画的先驱。重点分析他们如何变北方之雄峻为南方之温润，尤其是董源“披麻皴”的柔和与层叠，以及巨然结合禅意的云烟缭绕，为后来的江南画派奠定了理论与技法基础。 第三辑：宋代院体与文人画的勃兴 宋代是审美趣味最为多元的时代，院体画的精湛与文人画的抒情形成了鲜明的对比与互补。 宋徽宗赵佶： 作为皇帝，他的艺术成就同样卓越。本辑精选其花鸟画，特别是对“瘦金体”书法的解析。分析其如何将院体画的写实功力推向极致，捕捉物象瞬间的生命状态，达到“不着一笔，不关一迹”的超然境界。 刘松年、李唐、马远、夏圭： 南宋“院体四大家”。重点分析“马一角、夏半边”的构图创新，即对空间的切割与取舍，如何在有限的画面中，营造出无限的意境。探讨李唐的“大斧劈皴”如何继承北宋遗风，并注入了南宋的沉郁顿挫感。 苏轼、文与可、米芾： 文人画的理论核心人物。本辑聚焦于“尚意”的提出。通过文与可的墨竹，解析“意在笔先”，如何用象征手法表达文人的气节与情操。米芾的“米点皴”则展现了抽象化的笔墨实验，将书法的飞白引入绘画，强调笔墨本身的趣味性。 第四辑：元四家与明清意境的深化 元代文人画的成熟，以及明清两代对传统的继承与变革。 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）： 本辑深入探讨元四家如何将笔墨从技法层面提升至哲学与人格层面。 黄公望： 《富春山居图》的结构与笔墨语言。分析其用笔的圆润含蓄，如何将生活体验融入山水，实现“为写胸中逸气”。 倪瓒： 极简主义的先驱。重点解析其标志性的“折笔”与“干笔皴”，以及画面中遗世独立的萧索意境，体现其“一丘一壑，一草一木，皆是性情”的艺术观。 吴镇： 墨竹大家。探讨其如何以书入画，用强劲的笔力表现竹子的筋骨，以及其对禅宗思想的融入。 王蒙： 晚期集大成者。分析其密集的“点苔”与“堆垛”式构图，展现了对前人技法的吸收与创新，营造出郁郁葱葱、富有层次感的山林景象。 明清的流变： 吴门画派（沈周、文徵明）： 分析沈周如何吸收元代遗风，结合宋院体功力，形成沉雄、博大的个人风格。文徵明的精工细致，如何将山水与书法完美结合。 董其昌与“南北宗论”： 深入解析董其昌的理论贡献，即对“董源、巨然为南宗正脉”的论断。展示其淡雅的墨戏与圆润的笔法，如何为后世（尤其是清代“四王”）开辟新的审美方向。 清初四僧（八大山人、石涛）： 对传统的反叛与重生。 石涛： “搜尽胸中所有，不离法度之外”。分析其大胆的泼墨、奔放的线条以及对“变”的执着追求，如何以极具个性的面貌，打破了清初画坛的程式化倾向。 八大山人： 禅机与孤独的化身。探讨其独特的“白眼向天”造型，以及如何通过极简的造型（如翻白眼之鱼鸟），表达对世事的疏离与深刻的哲思。 结语： 本书所汇集的，不仅是精美的画作，更是中华民族数千年来的审美取向、哲学思考与人格投射。通过对这些大师笔墨的细致品读，读者可以更深刻地理解中国艺术的生命力所在——那份对“气韵生动”的永恒追求，以及笔墨背后蕴含的深邃人文精神。这些经典，将永远滋养着后世的艺术探索者。

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从收藏价值的角度来看，这本书的印制质量和内容的稀缺性绝对是顶级的。我留意到书中收录了一些罕见的拓片高清复刻件，即便是资深藏家，可能也需要费一番周折才能见到真品。这些高精度图像的引入，为我们这些无法亲临博物馆或私人收藏地的爱好者提供了宝贵的学习资源。而且，装帧上采取的活页或可拆分设计，也体现了实用性考量，方便读者在临摹时可以平铺展开，避免了书本卷边带来的困扰，这是非常人性化的设计细节。它不仅仅是一本供人阅读的刊物，更像是一份精心维护的艺术档案，其文献价值随着时间的推移只会愈发凸显，为未来的研究者保留了珍贵的原始资料。

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这本书的选材角度十分新颖，它并没有停留在对传统碑帖的简单复制和罗列上，而是深入挖掘了背后所蕴含的文化语境和社会背景。我印象特别深刻的是其中几篇关于书法演变与时代精神关联性的论述，作者的分析非常精辟，将笔墨的提按顿挫与当时的社会思潮巧妙地结合起来，让人对那些看似冰冷的线条产生了全新的理解。这种宏观的视角，极大地拓宽了我的认知边界，让我意识到书法绝非孤立的技法，而是特定历史时期思想和情感的载体。对于我这种既喜欢历史又爱好艺术的读者来说，这种跨学科的解读方式简直是久旱逢甘霖。它促使我放下原有的固有认知，重新审视那些熟悉的经典，每一次阅读都有新的感悟涌现。

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这本书最让我感到震撼的，是它所传递出的一种对“道”的追求，而非仅仅停留在“术”的层面。它不是教你如何一笔一划地去模仿，而是引导你体悟书法背后那份超越技艺的哲学思考。比如，书中探讨了儒家“中和之美”如何在点画结构中得以体现，以及道家“虚实相生”的理念如何影响了留白的处理。这种对精神内核的挖掘，使得每一次翻阅都像是一次心性的修炼。当我合上书本，重新拿起笔时，总感觉心中多了一份沉静和从容，下笔也更注重内心的表达而非外在的形似。它成功地搭建了一座连接传统美学与现代人精神世界的桥梁，让我在喧嚣的生活中找到了一片可以沉思和回归本真的净土。

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我得说，这套书的文字叙述风格是极其流畅且富有感染力的，读起来完全没有那种传统艺术鉴赏书籍的枯燥感和晦涩感。作者的笔触如同行云流水，既有大家风范的沉稳，又不失文人特有的灵动与幽默。我尤其欣赏那些对于细节描摹的片段，比如描述某位大家在创作时运笔的微妙变化，或者对某一捺笔画中“飞白”效果的细腻捕捉，简直是跃然纸上。读完之后，我仿佛亲历了当时的创作现场，那份心境和气韵都清晰可辨。这种将抽象的艺术感知转化为具象化语言的能力，是很多专业书籍所欠缺的，也正因此，这本书不仅适合专业人士，对初学者来说也是一本极佳的入门向导，它用最平易近人的方式，引领我们领略艺术的深奥。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从拿到手里那沉甸甸的质感，到内页纸张的选择，都能感受到出版方在制作上的用心。我尤其欣赏他们对色彩和排版的处理，那种既典雅又透着一股子现代气息的平衡感，拿在手里把玩，本身就是一种享受。特别是书脊的烫金工艺，在灯光下泛着低调而奢华的光泽，即便只是放在书架上，也是一件赏心悦目的艺术品。我平常喜欢收藏一些关于传统文化和艺术的书籍，但很多时候，精美的外壳下内容却有些单薄，但这本在视觉体验上无疑是做到了极致。每一次翻阅，都能带给我一种仪式感，仿佛自己正在触碰的不仅仅是纸张上的墨迹，更是一种流淌了几个世纪的文化底蕴。封面那幅引人注目的书法作品，布局张弛有度，墨分五色的变化被捕捉得淋漓尽致，让人在阅读正文之前，就已经被深深地震撼到了。

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