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出版者:中国人民大学出版社

作者:[西] 毕加索

出品人:

页数:303

译者:常宁生

出版时间:2003-12

价格:49.80

装帧:平装

isbn号码:9787300048932

丛书系列:西方艺术史论名著

图书标签:

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现代艺术大师论艺术：一本跨越世纪的视觉哲学之旅 书籍简介 《现代艺术大师论艺术》并非一本生硬的艺术史教科书，而是一部深入探究二十世纪以来，那些以革新和颠覆为己任的艺术巨匠们，如何思考、感知并最终定义“艺术”本身的哲学文本。本书将带领读者穿越印象派的余晖，潜入立体主义的结构迷宫，感受超现实主义潜意识的波动，最终抵达抽象表现主义和后现代语境下的观念碰撞。这不是对作品的简单罗列，而是对艺术家内在驱动力的细致剖析，是一场与时代同步的视觉思想革命的亲历。 第一部分：根基的瓦解与重塑——从印象到立体 本书开篇聚焦于现代主义的黎明。我们首先探讨的是，当照相技术解放了绘画再现世界的传统义务后，艺术家们如何寻找新的“真实”。 印象派的瞬间与光影哲学： 莫奈及其同侪如何将研究焦点从描绘对象本身，转向了“观看行为”本身？我们将解析他们对时间性和视网膜感受的极致追求，以及这种追求如何挑战了自文艺复兴以来的焦点透视传统。这不是关于色彩的简单堆砌，而是关于主体经验优先于客观物体的早期宣言。 后印象派的内在驱动： 塞尚、梵高与高更是现代艺术的真正“奠基人”。塞尚的几何简化——“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”——如何预示了立体主义的结构革命？梵高的情感色彩与高更的象征符号，则揭示了艺术开始回归内在心理需求，而非仅仅满足外在世界的模仿。 立体主义的维度革命： 毕加索与布拉克如何通过“共时性”的视角，打破了观众对三维空间的线性认知？本书将详细分析分析立体主义的碎片化结构与综合立体主义中拼贴（Collage）的引入。拼贴不仅仅是材料的组合，它是一种观念的并置，宣告了艺术作品可以由非传统材料构建，并直接介入社会现实。这是对“艺术作品必须是唯一的、手工制作的完美对象”这一观念的第一次系统性挑战。 第二部分：潜意识的涌流与非理性之美 随着第一次世界大战的创伤，艺术的重心开始转向人类理性深处的黑暗与光明。 达达主义的虚无与反叛： 达达如何通过现成品（Readymade）这一概念，对“艺术作品的价值标准”进行终极拷问？杜尚的《泉》不是一件雕塑，而是一个宣言——艺术的定义权在于艺术家的选择与语境的设置。本书深入探讨，达达主义如何将艺术从美学的领域，推向了哲学的领域，奠定了观念艺术的基础。 超现实主义的梦境建构： 达利、马格利特与米罗，他们如何将弗洛伊德的潜意识理论转化为视觉语言？我们将解析他们所使用的自动书写（Automatism）技术，以及如何通过看似荒谬的并置，揭示潜意识中被压抑的欲望与社会规范的矛盾。超现实主义的魅力，在于它展示了“非理性”同样具有一套严密的内部逻辑。 抽象的纯粹境界： 康定斯基与蒙德里安是通往纯粹抽象的两条路径。康定斯基从音乐中汲取灵感，探索精神内在的必然性，认为色彩和线条可以唤起“灵魂的震动”。蒙德里安则追求宇宙的普世和谐，通过网格与三原色的精确比例，试图提炼出一种超越个体情感的绝对秩序。他们的工作，标志着艺术对“再现”的彻底告别。 第三部分：行动、物质与观念的爆发 二战后，艺术的中心转移至纽约，艺术的“行动性”和“物质性”被提升到了前所未有的高度。 行动绘画的身体性： 波洛克如何将画布视为一个“行动的竞技场”？本书将详细分析滴洒技法（Dripping）的物理过程，它如何记录了艺术家创作时的情绪轨迹与身体能量。这不仅是绘画，更是一种“在场”的记录，模糊了创作与表演的界限。罗斯科的色域绘画则走向了相反的方向，通过巨大、模糊的色彩区块，试图营造一种近乎宗教性的冥想体验。 波普艺术的日常反讽： 当抽象表现主义被认为过于精英化和内省时，安迪·沃霍尔与李奇登斯坦将目光投向了大众文化。他们不再试图创造“独一无二的艺术品”，而是用丝网印刷等机械化手段，复制商品标志、漫画形象。波普艺术的精髓在于其“去情感化”的挪用，它在歌颂消费文化的同时，也对其进行了冷峻的解构与反讽。 极简主义的“物自体”： 面对波普的喧嚣，极简主义艺术家（如唐纳德·贾德、卡尔·安德烈）将焦点收缩到物体本身。他们拒绝隐喻、拒绝叙事，只呈现“特定的物体”（Specific Object）。本书探讨极简主义如何挑战了传统雕塑的空间关系，并将观众的注意力引向了作品的材料、尺寸、以及它与陈列空间的互动，模糊了艺术与设计的界限。 第四部分：超越媒介——观念艺术的胜利 进入1960年代末期，艺术创作的核心不再是物质成品，而是思想本身。 观念艺术的语言转向： 约瑟夫·科苏斯著名的“一把椅子、一把真实的椅子和一把椅子的照片”，清晰地界定了观念艺术的立场：艺术是关于想法，媒介只是传递想法的工具。本书将分析，观念艺术如何通过文本、文件、地图和指令，将艺术的讨论场域从画廊转移到了知识论和语言学的层面。 大地艺术与环境的对话： 史密森的《螺旋防波堤》等作品，如何将艺术从博物馆的白色立方体中解放出来，直接介入到广袤的自然景观之中？这种“反物质化”的艺术，挑战了艺术品的可收藏性、可交易性和永恒性，迫使我们重新思考艺术品的寿命与价值的衡量标准。 总结：现代艺术留下的遗嘱 《现代艺术大师论艺术》的最终目的，是引导读者理解，这些大师们共同完成了一项宏伟的“去定义”工程。他们不断地提问：“什么不是艺术？”通过对“形式、色彩、情感、材料、地点、作者意图”的层层剥离与重构，他们最终确立了一个新的艺术范式：艺术的价值不再是其美学上的完美度，而是其思想上的穿透力与引发对话的能力。 本书旨在提供理解这场持续至今的视觉哲学的钥匙。

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一直以来，我总是在艺术博物馆里，看着那些名垂青史的作品，被它们的光环所笼罩，却很少能真正理解它们为何能成为“大师”。《现代艺术大师论艺术》这本书，给了我一个绝佳的契机，去深入了解那些创造了现代艺术辉煌的灵魂人物。书中对毕加索的分析，尤其让我印象深刻。我曾以为毕加索的立体主义只是简单的“解构”和“重组”，但作者通过追溯毕加索早期经历，包括他受到的古典主义教育，以及他如何在那基础上进行反叛和创新，让我看到了立体主义背后所蕴含的对传统视觉观念的挑战，以及对现实多维度的探索。作者并没有停留于表面的风格描述，而是深入挖掘了毕加索的创作动机，以及他对社会变迁、战争残酷的深刻反思。这种从作品到人，再到时代的深度解读，让我对毕加索的复杂性有了全新的认识。同时，我也被书中关于达利那超现实主义的描绘所吸引。我一直对达利那奇诡的梦境般的画面感到好奇，而这本书则解释了达利如何将潜意识、精神分析理论，以及他自身强烈的个人经历融入到绘画之中，创造出那些令人不安却又极具魅力的作品。作者的论述，让达利的“偏执狂批判法”不再是遥不可及的学术概念，而是变成了理解他作品的钥匙。读这本书，让我感觉像是走进了大师们的内心世界，聆听他们的思想碰撞，感受他们的艺术挣扎。它不仅仅是艺术史的罗列，更是一部关于人类创造力、关于反叛精神、关于永不停止探索的生命赞歌。

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作为一名对艺术史略知一二的读者，我一直在寻找一本能够真正深入挖掘现代艺术大师创作背后思想的书籍。《现代艺术大师论艺术》这本书，无疑满足了我的这一需求。它不仅仅是作品的介绍，更是艺术家思想的探险。我特别喜欢书中对毕加索立体主义的分析。我之前总是觉得立体主义就是把物体打碎再重组，但这本书让我看到，毕加索的立体主义是对传统视觉观念的彻底颠覆，他试图用多角度、多维度的视角来呈现事物，这反映了他对现实世界复杂性和多重性的认知，以及他对艺术如何能够更真实地反映世界的探索。作者详细描述了毕加索是如何从非洲艺术和古希腊雕塑中汲取灵感，他如何通过解构和重构来挑战观众的观看习惯，以及他作品中蕴含的社会批判意识，这些都让我对毕加索的艺术有了更全面的理解。此外，书中对达利的超现实主义艺术的解读也让我大开眼界。我一直对达利那些梦幻般的、充满象征意义的画面感到着迷，但这本书让我明白了，达利的“偏执狂批判法”并非简单的臆想，而是他将潜意识、弗洛伊德的精神分析理论以及他自身强烈的个人经历巧妙融合的产物。作者通过对达利作品的细致分析，展现了他如何用艺术来探索人类心灵的深层奥秘，以及他如何通过对怪诞意象的描绘来挑战现实的逻辑。这本书让我明白，现代艺术大师们的作品，是对人类精神世界的一次次深刻探索。

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作为一名对艺术抱有浓厚兴趣的业余爱好者，我一直在寻找一本能够真正引领我进入现代艺术殿堂的书籍。《现代艺术大师论艺术》无疑满足了我的这一期待。这本书的独特之处在于，它不是一本枯燥的艺术史教科书，而更像是一场场与艺术大师的深度对话。我特别喜欢书中对蒙德里安的分析，尤其是他从具象到抽象的转变过程。作者并没有简单地说“他画了格子”，而是详细阐述了蒙德里安如何从自然景观中提炼出线条和色彩的本质，他如何追求一种普遍性的、精神性的和谐，以及他如何将这种追求体现在“新造型主义”的纯粹几何抽象之中。这种循序渐进的阐释，让我理解了“抽象”并非凭空而生，而是有着深厚的思想根基和艺术追求。书中对于康定斯基的阐释也同样精彩，我一直对他的“精神在艺术中”的理念感到好奇，而这本书则让我明白，康定斯基是如何通过色彩、线条和形式来表达内在情感和精神世界的，他如何相信绘画能够拥有类似音乐的纯粹精神力量。作者在论述这些大师时，总是能将他们的个人经历、时代背景以及哲学思考融为一体，形成一个完整的艺术图景。我常常在阅读时，仿佛能看到这些艺术家在画室里挥洒汗水，思考人生，他们的每一个笔触，都蕴含着对真理的追寻。这本书的价值在于，它不仅提升了我对艺术作品的鉴赏能力，更重要的是，它激发了我对创造力、对生命意义的思考。

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我一直认为，理解艺术最重要的一点是理解艺术家本人。《现代艺术大师论艺术》这本书，正是让我做到了这一点。它不是简单地介绍作品，而是深入挖掘了每一位艺术家的生平、思想以及他们所处的时代背景，从而让我们能够更全面地理解他们的艺术创作。我尤其对书中关于沃霍尔的章节印象深刻。我之前对波普艺术的理解停留在“复制”、“商业化”这些标签上，但这本书让我看到了沃霍尔在“复制”背后所蕴含的对大众文化、消费主义的深刻洞察，以及他如何通过艺术来反思和解构社会符号。作者描述了沃霍尔如何将艺术从高雅的殿堂带入到日常生活中，他如何利用媒体和商业运作来挑战传统的艺术观念，这些都让我对“艺术”的定义有了更广阔的思考。此外，书中对弗里达·卡罗的解读也让我心生敬意。我之前只知道她有着独特的眉毛和浓烈的个人风格，但这本书揭示了她那些饱含痛苦和坚韧的作品背后，是如何源于她童年的不幸、身体的残疾，以及她与迭戈·里维拉那复杂而炽热的爱情。作者将她的自画像视为一种自我疗愈、一种对生命顽强抵抗的宣言，这让我看到了艺术最原始、最动人的一面。这本书让我明白了，真正的大师，他们的艺术不仅仅是技巧的展现，更是他们生命经历、情感起伏和思想探索的浓缩。

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一直以来，我对现代艺术的理解都有些浅薄，总觉得那些抽象的、大胆的色彩和形式，与我的生活有些距离。《现代艺术大师论艺术》这本书，像是一座桥梁，将我与这些伟大的艺术家和他们的作品连接了起来。书中对莫奈的印象派画作的解读，让我得以从全新的角度去欣赏那些“模糊”的光影。作者并非简单地赞美莫奈对光色的捕捉，而是详细阐述了莫奈如何摆脱学院派的束缚，如何将绘画从对现实的精准描摹转向对瞬间感受的表达，以及他如何通过对自然光线的细致观察，创造出一种全新的视觉语言。这种对“捕捉瞬间”的深刻理解，让我重新审视了那些在画廊里闪耀的作品，看到了它们背后蕴含的对自然的热爱和对生命活力的赞美。同时，书中对梵高的分析也让我感动不已。我一直知道他才华横溢，但也被他的坎坷命运所打动。这本书让我明白，梵高那些燃烧般的色彩和充满动感的笔触，不仅仅是他内心的激情，更是他对生命的热烈渴望，以及他在孤独和困境中寻找希望的努力。作者描述了他如何通过对自然的描绘来寄托情感，如何用画笔来表达他对人间温情的向往，这让我看到了艺术最纯粹、最真挚的一面。读这本书，让我感觉自己不仅仅是在看艺术，更是在感受艺术家的心跳，在体验他们的人生。

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我一直以来都对艺术抱有极大的热情，但总觉得现代艺术的某些方面，像是隔着一层看不见的薄膜。《现代艺术大师论艺术》这本书，则为我揭开了这层薄膜，让我得以窥见艺术大师们的内心世界。书中关于波洛克的“滴画”艺术，让我有了全新的认识。我之前总觉得那是一种纯粹的随意行为，但这本书让我明白，波洛克在“滴画”过程中，其实是在进行一种身体与精神的对话。作者详细描述了波洛克如何将整个身体投入到创作中，他如何通过动作、节奏和材料的选择来表达内心的情感和潜意识的流动，以及他对“行动绘画”所蕴含的自由和即兴的追求。这种将艺术创作视为一种生命体验的论述，让我对波洛克的作品有了更深的敬意。同时，书中对弗里达·卡罗的自画像的分析也让我感动不已。我之前只知道她以其独特的眉毛和强烈的个人风格而闻名，但这本书让我看到了她那些充满痛苦、爱恋和坚韧的作品背后，是如何源于她坎坷的人生经历，以及她对自我和生命意义的深刻追问。作者将她的自画像视为一种自我疗愈、一种对苦难的抵抗，这让我看到了艺术最原始、最动人的一面。这本书让我明白了，真正的大师，他们的艺术不仅仅是技巧的展现，更是他们生命经历、情感起伏和思想探索的浓缩。

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我一直对现代艺术的理解，停留在一些模糊的印象和零散的知识点上。《现代艺术大师论艺术》这本书，则为我提供了一个系统而深入的框架，让我能够真正地理解这些艺术家的创作理念和艺术成就。书中对马蒂斯《生命之舞》的解读，让我印象深刻。我之前只觉得这幅画色彩鲜艳，线条流畅，但这本书让我看到了马蒂斯如何在创作中融入他对生命的赞美、对自由的渴望，以及他如何通过简化的人物形态和强烈的色彩对比，来传达一种原始的生命力和愉悦感。作者并非简单地描述画面，而是深入分析了马蒂斯创作这幅作品时所处的时代背景，以及他对艺术如何能够愉悦人心的追求。这种将艺术作品与其创作背景、艺术家精神紧密结合的论述方式，让我对马蒂斯的艺术有了更深层次的认识。同时，书中对蒙德里安“新造型主义”的阐释也让我受益匪浅。我之前对那些纯粹的几何线条和色彩组合感到困惑，但这本书让我明白，蒙德里安的创作并非随意为之，而是源于他对宇宙和谐、秩序和普遍真理的追求。作者详细阐述了蒙德里安如何从自然中提炼出最基本的元素，他如何通过垂直和水平线条的组合来表达对立事物的统一，以及他如何相信这种抽象的语言能够揭示更深层次的现实。读这本书，让我感觉像是走进了艺术家的内心，与他们一同思考、一同探索。

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我一直以来都在努力寻找能够真正打开现代艺术之门的钥匙，《现代艺术大师论艺术》这本书，终于让我如愿以偿。它并非一本简单的作品集，而更像是一部关于艺术精神的史诗。书中对塞尚的分析，尤其让我茅塞顿开。我总觉得塞尚的作品“奇怪”，那些不符合透视的几何体，那些沉闷的色彩，但这本书让我明白，塞尚是在探索一种全新的绘画语言，他试图捕捉事物的“本质”和“体积感”，他通过对现实的解构和重塑，为后来的抽象艺术奠定了基础。作者详细描述了塞尚如何从自然中寻找几何形状，他如何通过多视点的方式来描绘物体，以及他那“回归古典”的内在驱动力，这些都让我对塞尚的艺术有了更深层次的理解。同时，书中对贾科梅蒂的雕塑作品也进行了深入的剖析。我之前总觉得他的那些瘦骨嶙峋、扭曲变形的人物形象，显得有些荒诞和绝望，但这本书让我看到了贾科梅蒂在战后时代背景下，对人类生存状态的深刻反思。作者解释了贾科梅蒂如何通过将人物塑造成极度纤细、充满张力的形态，来表达个体在现代社会中的孤独、疏离以及对存在的追问。这种将雕塑与哲学紧密结合的论述，让我对艺术的社会功能和哲学意义有了更深刻的认识。这本书让我明白，现代艺术大师们的作品，不仅仅是视觉的享受，更是他们对时代、对人生、对存在的深刻思考。

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我一直对现代艺术充满敬畏，但也常常因为无法理解其深层含义而感到困惑。《现代艺术大师论艺术》这本书，如同一盏明灯，照亮了我前行的道路。它不是那种简单罗列事实的艺术史，而是通过与一位位艺术家的深入对话，让我得以窥见他们创作的内心世界。书中对于杜尚的“现成品”艺术的解读，尤其让我感到震撼。我之前对“现成品”的理解，就是把日常物品拿来当艺术品，但这本书揭示了杜尚此举背后所蕴含的对艺术定义、对“艺术家”身份的颠覆性挑战。作者详细阐述了杜尚如何通过“现成品”来质疑艺术的原创性、独特性以及艺术品的神圣性，他如何鼓励观众去思考“什么才是艺术”，这种观念上的革命，让我对艺术的边界有了全新的认识。此外，书中对康定斯基的“抽象艺术”理念也进行了精彩的阐释。我一直对那些完全脱离具象的绘画感到好奇，但这本书让我明白了，康定斯基并非随意地涂抹色彩，而是将绘画视为一种“内在必然性”的表达。作者详细描述了康定斯基如何相信色彩和线条本身就具有精神力量，他如何试图通过绘画来唤起观众内在的精神感受，就像音乐一样，这种将艺术提升到精神层面、与音乐相类比的论述，让我对抽象艺术有了更深刻的感悟。这本书让我意识到，现代艺术大师们的作品，是对传统艺术的挑战，也是对人类思想和精神的探索。

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我一直对现代艺术充满好奇，但总觉得那些色彩斑斓、造型奇特的画作背后隐藏着某种我无法触及的深层含义。这次偶然翻开《现代艺术大师论艺术》，像是打开了一扇通往新世界的大门。这本书并没有直接灌输给我“是什么”，而是通过对一位位艺术家的深入剖析，让我从他们的视角去理解“为什么”。我尤其被书中对马蒂斯《舞蹈》的解读所吸引，作者并非简单罗列其色彩运用和构图，而是层层剥离，从马蒂斯对生命的热爱、对自由的追求，以及他如何通过简化的线条和鲜明的色彩来传达原始的生命力，一步步引导我体会到作品的张力和情感。这种“润物细无声”的引导方式，让我感觉自己不是在被动接受知识，而是在主动探索和发现。更让我惊喜的是，书中对于抽象表现主义大师波洛克的“滴画”艺术，也给出了不同于我以往理解的视角。我之前总觉得那是一种随意的“泼墨”，但作者通过对波洛克创作过程的细致描述，以及他所处的时代背景，展现了波洛克在创作中如何运用身体的律动、潜意识的流动，以及他对“行动绘画”的哲学思考。这种将艺术创作上升到身体与精神交融的层面，让我对抽象艺术有了更深层次的敬意。这本书的语言风格也很有特色，它不像一些艺术评论那样生涩难懂，反而充满了激情和温度，仿佛作者本人就是一位沉浸在艺术海洋中的智者，用最真挚的情感与我们分享他对艺术的感悟。我常常会在读到某个精彩的段落时，忍不住合上书本，反复咀嚼作者的文字，思考其中的深意。它不仅仅是一本关于艺术的书，更像是一次与历史对话、与大师灵魂共鸣的旅程。

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一群现代艺术的大师的论文

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现代……如琢如磨

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这本书的翻译真不敢恭维...

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一群现代艺术的大师的论文

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我觉得翻译得挺好的，虽然有些生涩，但不是那种经过主观加工，变味的感觉。这种概念类的书最怕的就是以偏概全 用自己的想法来过滤先驱的意思，不能因为不好懂就骂翻译得不好呀，这是两回事。