The 'death of painting' and its subsequent resurrection in transformed conditions is an oft-rehearsed leitmotif of the modernist era, yet from the postconceptual painting revival of the early 1980s to the present new perspectives have emerged that reopen the entire field, not only globally but historically beyond the past century. The diversity of meanings and practices signified by painting today can encompass the eclecticism associated with net-surfing and the philosophical naming as 'painting' of artworks that manifest no trace of paint. This is the first anthology to bring together key statements, dialogues and debates by artists and writers on art that have been building blocks of the latest era in painting's history. Predominantly first published in magazines, journals and catalogues, these texts recontextualize polarized debates and reignite questions for the future. Tracing the story from the 'neo' revivals onward, this collection also ranges widely across ideas and practices of the preceding decades as they have been re-evaluated by artists and theorists in the frame of contemporary ideas. Artists surveyed include Glenn Brown, Vija Celmins, John Currin, Marlene Dumas, Olafur Eliasson, Bernard Frize, Katharina Grosse, Andreas Gursky, Peter Halley, Gary Hume, Jutta Koether, Paul McCarthy, Suzanne McCleland, Beatriz Milhazes, Takashi Murakami, Albert Oehlen, Lari Pittman, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Robert Ryman, David Salle, Cheri Samba, Jim Shaw, Jessica Stockholder, Philip Taaffe, Luc Tuymans, Jeff Wall and Sue Williams. Writers include Daniel Birnbaum, Norman Bryson, Douglas Crimp, Gilles Deleuze, Sebastian Egenhofer, Hal Foster, Jeremy Gilbert-Rolfe, Isabelle Graw, David Joselit, Shirley Kaneda, Geeta Kapur, Thomas Lawson, Midori Matsui, Lane Relyea, Rene Ricard, Jerry Saltz, Mira Schor, Barry Schwabsky and Adrian Searle.
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翻开这本书的序言部分,作者的笔触就显露出一种近乎于哲学辩论般的思辨深度,他似乎并不急于直接切入“绘画”这个主题,而是从“观看”本身的行为逻辑入手,探讨了人类感知世界的基本框架。这种开篇方式极其挑战读者,它要求你暂时放下对具体技巧或历史流派的期待,转而关注“眼睛”和“心灵”之间的那个神秘的介质。有一段文字我反复读了好几遍,大意是说我们今天所看到的颜色,其实是历史对我们视网膜施加的一种集体催眠,这让我对日常的色彩感知产生了全新的怀疑。我期待后续章节能将这种宏大的哲学思辨,巧妙地锚定到具体的艺术实践中去,否则,这开篇的“虚无感”可能会让习惯了线性叙事的读者感到迷失。但不可否认的是,这种“故作高深”的开场,成功地筛选出了那些真正渴望深度思考的阅读者,它拒绝成为一本快餐式的指南,而更像是一场需要耐心的智力攀登。
评分这本书的语言风格非常跳跃,有时流畅如诗歌,下一秒又陡然转为严谨的学术论述,这种极端的文体碰撞让人感到既兴奋又略微不安。我注意到它大量运用了十九世纪末欧洲文豪们钟爱的复合句和倒装结构,使得信息在传递过程中被拉长、被折叠,需要读者投入极大的精力去重新梳理其内在的逻辑线索。例如,在描述某个特定的光影处理技法时,作者用了一段长达百余字的句子,其中包含了至少三个从句和两个复杂的比喻,这种“故作晦涩”的处理,似乎在暗示书中的内容本身就具有某种难以被简单概括的复杂性。这种阅读体验是极度消耗脑力的,更像是解开一个复杂的密码锁,每成功解析出一个意群,都会带来一种小小的胜利感。我有点担心,如果这种风格贯穿全书,普通读者可能会望而却步,但这恰恰也说明了,这本书的目标群体并非大众市场,而是那些痴迷于语言的精确性和艺术的深层结构的研究者或发烧友。
评分这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,封面那深邃的靛蓝色与烫金的书名“Painting”形成了一种低调而奢华的对比,让人在书店里一眼就被吸引住。纸张的选择也非常考究,那种略带粗粝感的米白色书页,摸起来有一种莫名的亲切感,仿佛捧着一本沉淀了岁月的故事。我特别喜欢它内页的排版,文字与大片留白的处理非常克制,呼吸感十足,丝毫没有那种传统艺术类书籍的拥挤和压迫感。章节之间的过渡页,有时会用一幅非常抽象的、几乎无法辨认的色彩块作为引子,这种处理方式极大地提升了阅读的仪式感,让人在翻页时仿佛要进入一个全新的情绪空间。虽然我还没有深入阅读具体内容,但仅从这外在的包装和呈现来看,这本书无疑是献给那些对“物”本身有极高要求的读者。它不仅仅是一本书,更像是一个精心制作的工艺品,放在书架上都是一种极佳的装饰,散发着一种沉静的艺术气息,让人忍不住想去探究里面到底蕴含着怎样一番精妙的图景。
评分这本书的装帧侧面边缘,那些被切割整齐的书页边缘,似乎进行了一种特殊的染色处理,呈现出一种淡淡的、几乎难以察觉的赭石色,这与整体的米白色形成了一种微妙的对比。这无疑是一个极度细微的、近乎强迫症般的细节,但正是这些几乎只有近距离、在特定光线下才能被捕捉到的“瑕疵”,定义了这本书的质感。我甚至在想,这种对边沿的处理,是否暗示了书中内容中对“边界”和“边缘状态”的探讨?是不是在说,真正的洞见往往藏在那些不被主流注意到的细微之处?这种对物理存在的极致关注,远远超出了普通书籍的范畴,它已经进入了“物性哲学”的领域。我尚未开始正式阅读任何正文,但仅凭这细微到近乎偏执的物理呈现,我已经能感受到一种强大的、对精确性的追求贯穿始终。它要求你慢下来,用指尖去感受,用眼角的余光去捕捉,这是一种对“慢阅读”的最高礼赞。
评分从目录结构上看,这本书似乎采用了一种非线性的编排方式,它没有按照时间顺序或地域分布来组织材料,而是将一些看似毫无关联的主题并置在一起,比如“论静默的纹理”紧接着“城市喧嚣中的留白法则”,这显然是一种高度主题化、概念驱动的结构。这种布局迫使读者必须在不同章节之间建立起自己的联系和桥梁,它不提供现成的地图,而是提供了一堆散落的线索,邀请你成为解读历史或理论的共同构建者。我很好奇作者是如何论证“纹理”与“留白”之间的内在关联的,这种跨界对话必然会产生非常新颖的观点。这种结构上的挑战,与我之前感受到的语言挑战形成了互补:语言上是向内的深挖,结构上则是向外的横向探索。这种设计体现了一种现代主义的解构精神,它打破了传统的叙事框架,让阅读过程本身变成了一种动态的、充满个人建构性的体验,你手中的这本书,最终会因你的阅读路径而呈现出独一无二的形态。
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